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Este curso explora el desarrollo de aplicaciones musicales personalizadas, utilizando el ambiente de programación visual Max
7, y/o Pure Data. A través de un enfoque práctico, el objetivo es brindar a los estudiantes la capacidad de programar software
personalizado, así como de diseñar estrategias propias para enfrentar problemáticas relacionadas a la composición,
performance o tecnología musical.
Los contenidos del curso abordan una variedad de técnicas para el procesamiento de señal, que enfatizan en síntesis digital y
manipulación de sonido grabado (sampling, FFT). Así mismo, se discutirán las posibilidades creativas y estéticas que se
habilitan mediante el uso de la programación visual, con el fin de contextualizar y dar apoyo al desarrollo de un proyecto
creativo en Max y/o Pure Data, que puede ser realizado en grupos o de manera individual (p. ej. aplicación standalone,
prototipo VST, composición/producción musical, diseño sonoro videojuego).

Un acercamiento a la música de diferentes épocas de la historia, diversos orígenes y géneros, a partir de la audición comentada y de lecturas sobre repertorios de música clásica, popular, tradicional y étnica, para desarrollar una "escucha" que permita comprender la interrelación entre compositor, intérprete y oyente y percibir con mejores herramientas las obras musicales y su relación con el contexto histórico y cultural.

El estudio de la historia del rock, desde el surgimiento de las primeras manifestaciones de este género hasta la época actual. Los aspectos relacionados con los diferentes marcos políticos, sociales, económicos que hacen parte del desarrollo de este fenómeno musical. Cómo se construye el Rock. Los Estados Unidos de América: esclavitud, revolución industrial, revolución juvenil, comunismo. La década de los 60

Evolución de la música negra y su influencia en las décadas de los 70, 80 y 90. De la conceptualización de los géneros sinfónico y progresivo de los años 70, a la comercialización de lo intelectual de los 80 y 90. Desarrollo de la música electrónica y su influencia en el Rock.

Conocimiento de los repertorios musicales religiosos, profanos, eruditos y populares de Europa, desde la organización de una música religiosa oficial en la Edad Media, hasta el desarrollo de formas profanas de canto y música instrumental a fines del Renacimiento, y su relación con los hechos históricos y otras manifestaciones artísticas de la época.

El presente curso está destinado al conocimiento de los repertorios de música europea que corresponden a los períodos conocidos como barroco y clasicismo, haciendo énfasis en la relación de autores y obras con el contexto que determinó los usos de producción y consumo musicales.

El curso “Música siglo XIX” es un curso de tipo CBU-B, abierto a los estudiantes de todas las carreras de la Universidad de los Andes. Este curso presenta un panorama general de las músicas europeas y colombianas escritas durante el siglo XIX, a través de un recorrido cronológico por diversos movimientos estéticos que exploramos desde el final del siglo XVIII hasta los primeros años del siglo XX.
A lo largo de este curso no sólo encontramos compositores y sus obras; aparecen escritores, filósofos y pintores que nos permiten entender un contexto general en el que la música entabla constantes diálogos con las demás artes. Igualmente se busca ahondar en algunos temas específicos para poder tener un acercamiento detallado de algunas obras escogidas.

El siglo XX trajo consigo una serie de tecnología sonoras que modificaron profundamente nuestra relación con el mundo sonoro: las tecnologías de síntesis, grabación, edición, mezcla y difusión de sonido son cada día más usadas en las artes que involucran la producción sonora. Ellas traen consigo posibilidades que pueden ser mejor aprovechadas a partir de un acercamiento consciente a la particularidad de los problemas y soluciones que presentan. Por lo tanto, se ha convertido en una necesidad saber cómo estas posibilidades se funden en la manera de percibir el mundo, de tal manera que puedan ser utilizadas para una creación artística más rica y desafiante.

La historia de la música orquestal en Occidente propone una serie de interrogantes que sólo pueden ser resueltos a través de un amplio abordaje que tome en cuenta aspectos musicales tales como el sistema de notación, los esquemas formales, los procedimientos  compositivos, la funcionalidad musical y las corrientes estéticas y filosóficas de cada momento, entre muchos otros. Esta diversidad de temas convierte el curso en un proyecto de investigación rico y variado que permite presentarle a la comunidad estudiantil una visión enriquecida de la evolución de un aspecto musical específico a través de la historia de Occidente.

El objetivo principal de este curso es examinar varias tradiciones musicales folclóricas y clásicas producidas por diferentes culturas del mundo.  Se buscará que los estudiantes adquieran un conocimiento básico de los medios materiales empleados en la producción musical y que entiendan el contexto cultural que enmarca dicha producción en cada caso estudiado así como también que reconozcan instrumentos intérpretes y géneros musicales pertenecientes a las sociedades estudiadas. 

La clase se concentra en películas de alta calidad cinematográfica y musical siguiendo un estudio cronológico de la historia de la música para cine y de la relación entre las dos artes.  Se estudiarán elementos básicos de la música, el cine, el drama y la audición; aproximaciones estéticas a las disciplinas involucradas; aportes y hechos de vida de los compositores de música para cine y directores más importantes; y avances tecnológicos. Se mostrarán y estudiarán desde el punto de vista musical y cinematográfico películas completas y escenas seleccionadas.

La clase cubre géneros que combinan música y drama desde 1600 hasta el presente incluyendo las principales óperas del repertorio de Europa occidental y complementando con el estudio de géneros musicales similares en otras culturas. Las óperas del repertorio tradicional incluyen ejemplos de Italia, Francia, Inglaterra y Alemania; musicales del siglo 20 y creaciones modernas tales como las óperas de Alban Berg y Philip Glass. El estudio de drama y música en otras culturas incluirá ejemplos de la ópera de Beijing y manifestaciones dramáticas japonesas tales como Bunraku, Kabuki y Noh.

Tomando como punto de partida una selección de obras representativas y de momentos históricamente significativos que han suscitado respuestas musicales, este curso tratará la relación entre música y guerra bajo diferentes perspectivas, desde el siglo XII hasta nuestros días. El curso no pretende ser un reconstrucción histórica de la relación música-guerra, sino iluminar momentos particulares que demuestren la variedad de instancias de esta relación. Se cubrirán elementos básicos de apreciación musical, se realizará un análisis contextual, socio-histórico, estético y artístico de las obras y se estudiarán en detalle obras musicales y bandas sonoras, tanto fragmentos seleccionados como obras completas.

El área del sonido es la de mayor desarrollo a lo largo de la historia del cine, sus constantes evoluciones han cambiado substancialmente la forma en la que tanto espectadores como realizadores se relacionan con el film; sin embargo seguimos diciendo Vamos a ver una película. Este curso busca recalcar la importancia del elemento sonoro en su gran complejidad al interno del Cine y confrontar a los participantes con una forma Audio-Visual de análisis cinematográfico. El objetivo principal de este curso es dar a los estudiantes las herramientas básicas para un análisis audio-visual. Se buscará además que adquieran un lenguaje cinematográfico de base a través del examen de películas representativas desde el punto de vista del sonido y la música. Así mismo se esPeña que los alumnos conozcan y sepan reconocer el trabajo de algunos de los más importantes compositores de música para cine.  

Dirigido a alumnos interesados en conocer el impacto y la evolución de esta música a través del siglo XX, el curso propone un estudio del desarrollo de este género musical, desde sus orígenes hasta nuestros días, analizando cronológicamente los diferentes estilos, su contexto sociocultural, sus compositores e intérpretes más representativos. Se busca también analizar las características musicales y los medios de expresión que son utilizados en cada uno de los estilos, con el fin de lograr un reconocimiento auditivo de los mismos.

Este curso ofrece un panorama de las propuestas y lenguajes musicales más relevantes, en relación con el desarrollo de música experimental y electrofónica, desde comienzos del siglo  XX hasta los primeros años del  XXI. Las nuevas formas de expresión sonora se producen como respuesta a los cuestionamientos hechos por los creadores a todos los componentes tradicionales constitutivos del acto musical. Desde esa perspectiva, toda música debería someterse a una experimentación constante, proponiendo nuevos códigos y elementos de apreciación y visualización del espacio-tiempo musical / extra-musical, y de  estructura, a partir de lo ya conocido. Los contenidos del curso presentan los principales desarrollos de música electrofónica y experimental. Estos se aplican tanto a obras específicamente sonoras como a diversas formas de expresión principalmente de las artes escénicas y visuales, que estarán incluidas dentro del repertorio a estudiar.  

El curso tiene como finalidad acercar a los estudiantes de cualquier carrera al funcionamiento de la industria musical, los principales aspectos legales que inciden en la industria, sus diferentes modelos de negocio y la situación actual y futura.

 

Los estudiantes conocerán los principales roles en la industria de la música y sus funciones, los principales aspectos de los derechos de autor y conexos y su forma de explotación en la industria de la música.

 

Así mismo, se estudiarán las principales fuentes de ingresos a las que puede acceder un profesional en música o una carrera afín y se realizará un plan de negocios que le permita a los estudiantes desarrollar y difundir un proyecto musical.

La producción discográfica en sus distintas formas de presentación (sencillo, EP, LP) se ha convertido
en el trabajo de mayor elaboración creativa para presentar un proyecto musical a su público. Y desde
la aparición de la producción contemporánea (considerada generalmente que nace a partir de los
trabajos producidos en la década de los 60's) hasta la revolución de los sistemas de software, la
innovación y experimentación estética y tecnológica ha sido una constante en los procesos de
producción popular.
Este curso nace de la necesidad de tener mayor número de referentes y análisis sobre los procesos
de producción discográfica, a partir de la audición guiada, análisis de producciones destacadas desde
la descripción de sus procesos de elaboración técnicos y sus resultados estéticos, para reconocer
tipos de producción, productores y herramientas aplicables a sus futuros trabajos, sea en ejercicio de
imitación (música por encargo, música publicitaria) o de innovación (combinación de técnicas y
contextos). El curso no pretende ser una historia de la grabación, pero se construye a partir de
avances en herramientas que se encuentran cronológicamente dentro del desarrollo de la producción.

Este taller práctico explora, mediante el análisis y ejercicios, cómo acercar las composiciones comerciales a un lenguaje cercano al público.
Abarca el ciclo de una canción (entendida como base de la Industria Musical) desde la creación de su concepto basado en el momento actual del artista, el consumidor y tendencias de la música, pasando por la depuración en maquetas sencillas pero contundentes hasta llegar a capturar la atención del público objetivo.
Se apoya en un análisis sistemático de elementos musicales como forma, melodía, letra y armonía y la manera en que contribuyen a la solidez de la estructura de las canciones.
Explora como aspecto complementario los temas legales y las diferentes fuentes de ingreso reales que tienen hoy en día los compositores.

La canción es uno de los medios de expresión histórico de uso colectivo e individual, un medio de comunicación y manifestación de sentimientos. En algunos casos, los textos permiten descubrir el contexto histórico y cultural, lo que  convierte a las canciones en una narración de las costumbres y tradiciones locales o regionales, estilos de vida, festividades, política y conflictos entre otros.

El curso propone conocer el desarrollo de la canción popular latinoamericana entre 1900 y 1950, centrándose en las expresiones que aparecieron en Cuba, México y el sur de América, así como su relación con los sucesos históricos más importantes de la época. 

 

Estudio y aplicación práctica en ejercicios escritos y al teclado, análisis de la dimensión armónico-melódica y su significado dentro del lenguaje tonal. Realización armonizaciones a cuatro voces con factura coral, llegando hasta modulaciones lejanas. El estudio de los contenidos se desarrolla a través de exposiciones y ejemplos tipo; lecturas complementarias; realizaciones escritas de bajos y melodías seleccionados, dictados armónicos; encadenamientos al teclado; análisis armónicos de partituras.

Principales tríadas consonantes. Tríada sobre segundo grado. Tríada sobre sexto grado. Cadencia rota.Modo mayor armónico. Subdominante menor. Segundo grado disminuido. Acordes de séptima más frecuentes. Acorde de séptima sobre segundo grado. Acorde de séptima sobre sensible. Tríadas consonantes especiales. Tríada sobre tercer grado. Tríada sobre séptimo grado natural. Acordes de dominante menos utilizados. Séptimo grado en primera inversión. Tercer grado (modo mayor), dominante con sexta. Dominante con novena. Dominante con séptima y sexta agregada. Dominante con novena y sexta. Séptimo grado con séptima y cuarta. Suplemento: Acorde de S9. Acorde de SII9.

Lógica del sistema funcional. Funcionamiento del giro frigio. Giro frigio en la voz superior. Armonizaciones típicas. Giro frigio en el bajo. Armonizaciones típicas. Otros ejemplos. Giro frigio en cadencia. Secuencias diatónicas. Secuencia melódica. Secuencia armónica. Relación funcional en el motivo. Secuencias con tríadas. Desplazamientos o transposiciones. Acordes con sextas paralelas. Motivos con acorde de séptima y tríada. Motivos con dos acordes de séptima. Acordes paralelos. Motivos de un acorde, de una frase completa. Otros acordes con séptima sin función de Dominante. Acorde de séptima sobre primer grado. Acorde de séptima sobre tercer grado. Acorde de séptima sobre subdominante. Acorde de séptima sobre quinto grado en modo menor. Acorde de séptima sobre sexto grado. Dominante de la Dominante en cadencia. Introducción. Grupo de acorde de DD. Papel de la DD. Preparación. Resolución en D o a través de K6/4

Compases simples, primera y segunda divisiones de la unidad de tiempo y sus variables. Contratiempo, síncopa y antecompás. Sincronización. Entonación de melodías: a una y dos voces, con acompañamiento de piano, en tres claves; en todas las tonalidades; por grado conjunto e intervalos sobre las tríadas de las funciones principales. Reconocimiento y escritura de melodías a una voz. Intervalos sencillos hasta la 8va; tritono en modalidades armónica y melódica. Tonalidades mayores y menores: Entonación de escalas ascendentes y descendentes nombrando las alteraciones y de los grados estables e inestables con resolución; Construcción y entonación de intervalos, con referencia tonal; giros melódicos; tríadas de tónica, subdominante y dominante con sus inversiones. Giros armónicos. Reconocimiento y escritura de Tríadas mayores, aumentadas, menores y disminuidas en estado fundamental, inversiones; Tríadas de tónica, subdominante y dominante en tonalidades mayores y menores, en estado fundamental e inversiones. Giros armónicos.

Compases simples, segunda división de la unidad de tiempo y sus variables. Contratiempo, síncopa y antecompás en estas variables rítmicas. Tresillos Compases compuestos, primera y segunda división de la unidad de tiempo.

Sincronización. Entonación de melodías: a una y dos voces, con acompañamiento de piano, en tres claves, transportadas en todas las tonalidades mayores y menores.

El conocimiento y manejo del teclado son requisitos básicos en la formación teórica de la música. El programa, diseñado especialmente para teóricos, directores corales y compositores, incluye el desarrollo técnico del instrumento, el estudio de repertorio y el entrenamiento en lectura a primera vista.

El conocimiento y manejo del teclado son requisitos básicos en la formación teórica de la música. El programa, diseñado especialmente para teóricos, directores corales y compositores, incluye el desarrollo técnico del instrumento, el estudio de repertorio y el entrenamiento en lectura a primera vista.

El conocimiento y manejo del teclado son requisitos básicos en la formación teórica de la música. El programa, diseñado especialmente para teóricos, directores corales y compositores, incluye el desarrollo técnico del instrumento, el estudio de repertorio y el entrenamiento en lectura a primera vista.

Considerando que la práctica directa con el Coro es lo que más aporta a la experiencia del estudiante y a su formación integral como director, toda la planeación de su formación, incluso con independencia de niveles, gira alrededor de este conjunto. Así, la materia Práctica Coral 1 corresponde al primer nivel para este ejercicio en el Pensum de Dirección Coral.

Considerando que la práctica directa con el Coro es lo que más aporta a la experiencia del estudiante y a su formación integral como director, toda la planeación de su formación, incluso con independencia de niveles, gira alrededor de este conjunto. Así, la materia Práctica Coral 2 corresponde al segundo nivel para este ejercicio en el Pensum de Dirección Coral.

Considerando que la práctica directa con el Coro es lo que más aporta a la experiencia del estudiante y a su formación integral como director, toda la planeación de su formación, incluso con independencia de niveles, gira alrededor de este conjunto. Así, la materia Práctica Coral 3 corresponde al tercer nivel para este ejercicio en el Pensum de Dirección Coral.

Línea de cursos complementarios para los estudiantes de énfasis en Dirección Coral, requerido como parte del proceso formativo. Actividad práctica sobre repertorios especializados de vientos, cuerdas, formatos de música de cámara, música colombiana y géneros de música popular.

Es la línea principal de la Opción en Instrumento. El programa de formación en el Instrumento se fundamenta en una evaluación sistemática de la calidad tanto técnica como artística de los repertorios. El profesor asigna repertorios acordes con los niveles de destreza, conocimiento técnico y musical de los estudiantes, evaluados por los resultados objetivos obtenidos semestralmente en audiciones ante jurado.

Es la línea principal de la Opción en Instrumento. El programa de formación en el Instrumento se fundamenta en una evaluación sistemática de la calidad tanto técnica como artística de los repertorios. El profesor asigna repertorios acordes con los niveles de destreza, conocimiento técnico y musical de los estudiantes, evaluados por los resultados objetivos obtenidos semestralmente en audiciones ante jurado.

Es la línea principal de la Opción en Instrumento. El programa de formación en el Instrumento se fundamenta en una evaluación sistemática de la calidad tanto técnica como artística de los repertorios. El profesor asigna repertorios acordes con los niveles de destreza, conocimiento técnico y musical de los estudiantes, evaluados por los resultados objetivos obtenidos semestralmente en audiciones ante jurado.

Línea de cursos complementarios para los estudiantes de énfasis en instrumento. Actividad práctica sobre repertorios especializados de vientos, cuerdas, formatos de música de cámara, música colombiana y géneros de música popular.

A partir de un desarrollo gradual, técnico e interpretativo, permitirle al estudiante de una manera flexible, descubrir los diferentes estilos musicales, para lograr la interpretación de las obras de cada periodo musical desde el renacimiento a la época actual, con especial énfasis en el repertorio latinoamericano.

Es la línea principal de énfasis para obtener el título de músico instrumentista. El programa de formación profesional en el Instrumento se fundamenta en una evaluación sistemática de la calidad tanto técnica como artística de los repertorios. La coherencia del programa está determinada por una clara orientación Peñagógica y de desarrollo musical. El profesor asigna repertorios acordes progresivos niveles de dificultad, conocimiento técnico y musical de los estudiantes, evaluados por los resultados objetivos obtenidos semestralmente en audiciones ante jurado. Es parte fundamental del proceso de formación académica de los instrumentistas.

Es la línea principal de énfasis para obtener el título de músico instrumentista. El programa de formación profesional en el Instrumento se fundamenta en una evaluación sistemática de la calidad tanto técnica como artística de los repertorios. La coherencia del programa está determinada por una clara orientación Peñagógica y de desarrollo musical. El profesor asigna repertorios acordes progresivos niveles de dificultad, conocimiento técnico y musical de los estudiantes, evaluados por los resultados objetivos obtenidos semestralmente en audiciones ante jurado. Es parte fundamental del proceso de formación académica de los instrumentistas.

A partir de un desarrollo gradual, técnico e interpretativo, permitirle al estudiante de una manera flexible, descubrir los diferentes estilos musicales, para lograr la interpretación de las obras de cada periodo musical desde el renacimiento a la época actual, con especial énfasis en el repertorio latinoamericano.

Es la línea principal de énfasis para obtener el título de músico instrumentista. El programa de formación profesional en el Instrumento se fundamenta en una evaluación sistemática de la calidad tanto técnica como artística de los repertorios. La coherencia del programa está determinada por una clara orientación Peñagógica y de desarrollo musical. El profesor asigna repertorios acordes progresivos niveles de dificultad, conocimiento técnico y musical de los estudiantes, evaluados por los resultados objetivos obtenidos semestralmente en audiciones ante jurado. Es parte fundamental del proceso de formación académica de los instrumentistas.

Es la línea principal de énfasis para obtener el título de músico instrumentista. El programa de formación profesional en el Instrumento se fundamenta en una evaluación sistemática de la calidad tanto técnica como artística de los repertorios. La coherencia del programa está determinada por una clara orientación Peñagógica y de desarrollo musical. El profesor asigna repertorios acordes progresivos niveles de dificultad, conocimiento técnico y musical de los estudiantes, evaluados por los resultados objetivos obtenidos semestralmente en audiciones ante jurado. Es parte fundamental del proceso de formación académica de los instrumentistas.

El manejo del teclado es una herramienta básica para un productor, ya que reduce cualquier formato musical a la hora de tomar decisiones para visualizar y concretar su criterio estético. Los objetivos de este nievel de Teclado consisten en dar al estudiante las herramientas técnicas y musicales que permitan conocer el teclado para armonizar, estar al tanto del manejo de texturas, ritmos y estilos musicales.

El manejo del teclado es una herramienta básica para un productor, ya que ésta reduce cualquier formato musical a la hora de tomar decisiones para visualizar y concretar su criterio estético. En la materia Teclado 2, se busca brindar las herramientas técnicas y musicales que permitan conocer el teclado para armonizar, estar al tanto del manejo de texturas, ritmos y estilos musicales.

En este curso se busca entrenar al productor para tocar melodías con acompañamiento en acordes de séptima y crear bajos para sus interpretaciones. Los objetivos de la materia Teclado 3 se concentran en dar a los estudiantes las herramientas técnicas y musicales que permitan conocer el teclado para armonizar, transponer y acompañar melodías en diferentes tonalidades.

Este curso busca perfeccionar el entrenamiento de los alumnos para la interpretación de temas completos del repertorio de jazz, incluyendo acordes de séptima debidamente voceados para el acompañamiento y la creación de bajos para brindarle solvencia al alumno.

El curso Software Musical 1 introduce al estudiante al manejo de una estación MIDI conformada por un computador, un sintetizador y el software necesario para llevar a cabo ciertas aplicaciones musicales específicas. Lo introduce igualmente al funcionamiento y a la lógica de un sistema MIDI y Audio que le permitan luego afrontar y resolver problemas que puedan presentarse en cualquier tipo de estación de trabajo sin importar la configuración o el software utilizado para realizar secuencias MIDI o ediciones de audio digital.

En la materia Software Musical 2 se desarrollarán en el estudiante ciertas habilidades básicas a partir del conocimiento y del manejo de una estación MIDI conformada por un computador, un sintetizador y el software necesario para llevar a cabo ciertas aplicaciones musicales específicas. Uno de los objetivos del curso es, entonces, Introducir al estudiante al funcionamiento y a la lógica de un sistema MIDI y Audio que le permiten luego afrontar y resolver problemas que puedan presentarse en cualquier tipo de estación de trabajo sin importar la configuración o el software utilizado para realizar secuencias MIDI o ediciones de audio digital.

Aplicación de elementos teóricos, repertorio de Blues, canciones y standares del Jazz. Diferentes ritmos: swing, bosanova. Incorporación de elementos armónicos y rítmicos más avanzados: rythm changes, bebop, latin Jazz, y rítmos de 6/8.

El curso de Conjunto de Música Antigua consiste en la  práctica musical para el estudio de la interpretación, estilo y trabajo de conjunto  en obras del repertorio de música del medioevo, 

renacimiento y barrocco cuyo formato depende del número y de las particularidades de los músicos y/o cantantes inscritos

 

El curso sigue el formato organizativo de un taller de práctica instrumental/vocal con esta orientación estilística específica y con una metodología de trabajo semanal consistente en ensayos de las obras escogidas realizados bajo la dirección del profesor a cargo del curso profesor (es) a cargo del curso.

En la práctica se contemplan aspectos técnicos y temas relacionados con la historia y estilo de los géneros.

 

Ya que se trata de un curso abierto a intérpretes de diversos instrumentos y cantantes, con niveles de formación variables, no se establece un ordenamiento de los contenidos por grados de complejidad. La orientación fundamental del curso enfatiza la experiencia de conformar diversos tipos de ensamble instrumental/vocal  y promueve la familiarización del estudiante con el más  amplio ámbito de estilos históricos y autores que sea posible.

A través de la práctica en el estudio, se trabaja sobre el funcionamiento de una estación MIDI y audio digital conformado un computador, un sintetizador y el software necesario para realizar aplicaciones musicales específicas.

Medios de grabación. Cinta magnética, mecanismos de transporte de cinta, grabadoras análogas, cabezas magnéticas, calibración de máquinas. Técnicas de edición análoga. Sistemas de reducción de ruido. Dolby A, B, C, S, SR, dbx. Identificación de los diferentes elementos que toman parte en la grabación de audio. Los micrófonos, la consola, las grabadoras multipistas. Principales componentes de una consola audio y descripción detallada del flujo de señal al interior de esta. Atenuadores, filtros, preamplificadores, Phantom Power, bocinas. CabLeaño, conexiones adecuadas, accesorios. Técnicas de medición.

Este curso busca ampliar los conocimientos adquiridos en Técnicas de Grabación 1 e incorporar técnicas
avanzadas de grabación, uso de nuevas herramientas y conceptos básicos de edición y
mezcla.
• Desarrollar las técnicas de microfonía estéreo.
• Comprender el funcionamiento de los procesadores de frecuencia, tiempo y dinámica y
utilizarlos adecuadamente.
• Desarrollar técnicas básicas de edición y mezcla en Pro Tools.
• Reconocer las partes que componen una producción musical, desde el desarrollo de la
idea hasta la masterización.
• Realizar la mezcla de un tema musical como proyecto final.

Mejorar el uso y funcionamiento del cuerpo en posturas y actividades.Uso y funcionamiento, Apreciación Sensorial, Control primario, Inhibición, Dirección, Movimientos Globales y Parciales.Desarrollar un control consciente del sí-mismo que permite al estudiante mejorar la calidad de su uso corporal aplicados a movimiento, voz y respiración. RecuPeñar la confiabilidad de la apreciación sensorial para poder evaluar los resultados del proceso de control consciente.La Técnica Alexander enseña que existe en el ser humano un "control primario" que, a través de la cabeza y la columna, controla la energía y las acciones del cuerpo; efectivamente, es un control para postura y movimiento. Considerando que la vida sedentaria contemporánea conduce a un deterioro de la energía postural, la Técnica Alexander procura, a través de un procedimiento conciente de auto-observación, inhibición y dirección, recuPeñar el control primario como base para el uso del cuerpo.

En la materia se abordan técnicas de improvisación y desarrollo del oído interno como herramienta
fundamental en la adquisición del vocabulario en el Jazz
El diseño de la materia tiene una fase teórica y una fase práctica.

La Técnica Alexander enseña que existe en el ser humano un “control primario” que, a través de la relación entre la cabeza y el cuello, controla el uso y las acciones del cuerpo; efectivamente, es un control para la postura, el movimiento y la actividad en general. 

 

Considerando que la vida sedentaria contemporánea conduce a un deterioro de la energía postural, la Técnica Alexander procura, a través de un procedimiento consciente de auto-observación, inhibición y dirección, recuperar el control primario como base sistémica para el uso óptimo del cuerpo. 

 

La Técnica incluye un proceso de recuperación de la confianza en la percepción sensorial para mejorar la conciencia del uso y funcionamiento de sí mismo, generando de este modo una experiencia somática.

Iniciar la aplicación de los elementos de acercamiento a lenguajes y técnicas de composición del S. XX, de una manera práctica y teórica, teniendo en cuenta formas básicas estructurales: forma de Lied Bipartito, Lied Tripartito, Rondó y Tema con Variaciones, el estudiante debe realizar y desarrollar a través de creaciones musicales individuales, composiciones esenciales durante el semestre, con la instrumentación indicada. La duración final de cada una de las piezas es avalada por el profesor según el proceso creativo formal, de desarrollo y diálogo de materiales dentro de la propuesta específica musical.

El Coro de la Universidad, fundado en 1961, al cual tiene acceso cualquier estudiante que presente la audición de ingreso. Como Coro universitario busca la fortalecer la formación musical de estudiantes aficionados. Tiene un Reglamento específico.

El Coro de la Universidad, fundado en 1961, al cual tiene acceso cualquier estudiante que presente la audición de ingreso. Como Coro universitario busca la fortalecer la formación musical de estudiantes aficionados. Tiene un Reglamento específico.

Este curso ofrece conocimientos básicos sobre arreglos para el formato instrumental más utilizado en la música popular, que consta de sección rítmica y melodía. En este curso se estudian las posibilidades y el funcionamiento de los instrumentos que integran este formato.

El curso, que se presenta por la segunda vez en la Universidad de los Andes, está dirigido a estudiantes interesados en reconocer, seguir e interpretar la musicalidad del italiano. Por lo tanto no se va a enfrentar el idioma en sus estructuras morfo-sintácticas, más bien se van a utilizar una serie de herramientas para explorar las posibilidades fonéticas del italiano y aplicarlas de manera adecuada en el las obras de literatura musical. El aspecto receptivo va a ser fundamental para el estudiante que quiera pronunciar correctamente una palabra o un fragmento musical en italiano. Aprenderán que el italiano estándar es un producto literario que no se encuentra en el lenguaje cotidiano y coloquial, ni de las canciones populares, y esas reflexiones les puede permitir desarrollar una comprensión cultural y lingüística a pesar del conocimiento de la gramática que se tenga.
El curso pretende usar el sonido del idioma y la onomatopeya de la lengua italiana para que puedan intuir el fenómeno cultural que el elemento fonológico lleva consigo.
Al final del curso de italiano para cantantes el estudiante deberá haber consolidado cierta autonomía de pronunciación de los sonidos más frecuentes del idioma, tanto en contextos prácticos y cotidianos como literarios. Análogamente será en grado de acordar una postura correcta en armonía con la intención de las palabras. Este proceso será guiado, durante el curso, por el profesor y por la didáctica implícita en los textos básicos usados.

Esta es una asignatura de naturaleza teórica. Se busca introducir a los estudiantes en el manejo
del Alfabeto Fonético Internacional (AFI) aplicado al alemán, que les facilite la pronunciación
adecuada al cantar en esta lengua. La buena articulación y dicción puede ser considerada como
la herramienta básica técnica y de gran ayuda para la expresividad.

El programa de Literatura Vocal ofrece a los estudiantes un espacio para afianzar las habilidades necesarias para interpretar adecuadamente obras musicales de diferentes épocas. Se busca que el estudiante realice semanalmente un performance de su repertorio con acompañamiento del pianista acompañante. De igual forma, se profundiza en el conocimiento de las grandes obras, géneros e intérpretes de la literatura del canto través de la historia, con la ayuda de material de video y audio, así como talleres específicos que aporten mayores contenidos sobre el canto Lírico.

Este taller está dirigido a estudiantes de canto interesados en interpretar repertorio de la música francesa. Estos se enfrentarán a la dicción del idioma en sus estructuras morfo-sintácticas, por esta razón utilizaré herramientas para explorar las posibilidades fonéticas del Francés y aplicarlas de manera adecuada en las obras de literatura musical.
El propósito principal será que el estudiante pueda tomar un texto en este idioma y realizar adecuadamente su pronunciación. Para este objetivo, se deberá estudiar la fonética del idioma hablado al igual que cantado, ya que algunos fonemas cambian al interpretar canciones en francés.
Abordaremos el idioma primero de una manera muy natural ayudándonos con el AFI (Alfabeto fonético internacional) o API en francés, y leyendo diferentes textos literarios sencillos que ayudarán al estudiante a familiarizarse con la dicción del idioma.
El curso pretende usar el sonido del idioma y la onomatopeya de la lengua francesa para que puedan intuir el fenómeno cultural que el elemento fonológico lleva consigo.
Otro objetivo del curso es indagar en la expresión no solamente de las palabras sino también de todo el cuerpo, en cuanto conductor del sonido.
Al final del taller de francés para cantantes el estudiante deberá haber consolidado cierta autonomía de pronunciación de los sonidos más frecuentes del idioma, tanto en contextos prácticos y cotidianos como literarios. Este proceso será guiado, durante el curso, por el profesor y por la didáctica implícita en los textos básicos usados.
OBJETIVOS GENERALES

La clase individual de canto es un espacio que comprende una hora de clase semanal de técnica vocal.
El profesor guía al estudiante a un acercamiento práctico de los fundamentos básicos de la técnica del canto lírico. La clase está estructurada de la siguiente forma:
a) Cuerpo: se trabajan estiramientos y conciencia corporal para mejorar hábitos de postura y relajación muscular.
b) Respiración y apoyo: se da énfasis al posicionamiento corporal y al manejo de la columna de aire para una adecuada fonación. Se incorpora el trabajo del apoyo como vehículo de la voz en el canto lírico mediante ejercicios de coordinación corporal, respiración y conciencia.
c) Repertorio: se trabaja el repertorio asignado por el profesor de manera progresiva de menor a mayor dificultad, para trabajar en los aspectos técnicos e interpretativos de cada obra.
 Organización del curso
Objetivos:

La clase individual de canto es un espacio que comprende una hora de clase semanal de técnica vocal.
El profesor guía al estudiante a un acercamiento práctico de los fundamentos básicos de la técnica del canto lírico. La clase está estructurada de la siguiente forma:
a) Cuerpo: se trabajan estiramientos y conciencia corporal para mejorar hábitos de postura y relajación muscular.
b) Respiración y apoyo: se da énfasis al posicionamiento corporal y al manejo de la columna de aire para una adecuada fonación. Se incorpora el trabajo del apoyo como vehículo de la voz en el canto lírico mediante ejercicios de coordinación corporal, respiración y conciencia.
c) Repertorio: se trabaja el repertorio asignado por el profesor de manera progresiva de menor a mayor dificultad, para trabajar en los aspectos técnicos e interpretativos de cada obra.
 Organización del curso
Objetivos:

La clase individual de canto es un espacio que comprende una hora de clase semanal de técnica vocal.
El profesor guía al estudiante a un acercamiento práctico de los fundamentos básicos de la técnica del canto lírico. La clase está estructurada de la siguiente forma:
a) Cuerpo: se trabajan estiramientos y conciencia corporal para mejorar hábitos de postura y relajación muscular.
b) Respiración y apoyo: se da énfasis al posicionamiento corporal y al manejo de la columna de aire para una adecuada fonación. Se incorpora el trabajo del apoyo como vehículo de la voz en el canto lírico mediante ejercicios de coordinación corporal, respiración y conciencia.
c) Repertorio: se trabaja el repertorio asignado por el profesor de manera progresiva de menor a mayor dificultad, para trabajar en los aspectos técnicos e interpretativos de cada obra.
 Organización del curso
Objetivos: