ARTE - Arte

Este taller tiene como objetivo general hacer una introducción a los fundamentos de la fotografía integrando procesos químicos y digitales para la producción de imágenes en el contexto del arte. El curso aborda nociones esenciales como la visión, la luz, la composición y el registro fotográfico. A través de una progresión de ejercicios cortos y puntuales que se enfocan en usar la luz como materia prima, se explorarán múltiples dispositivos de captura de imagen tanto tradicionales como avanzados para crear fotografías estudiando el medio desde sus orígenes. 

Como herramienta necesaria para el desarrollo del pensamiento visual, el dibujo ofrece la posibilidad de ser usado indistintamente con fines expresivos o proyectivos. Se dibuja con lápiz y papel, pero también con diferentes medios y se exploran definiciones de dibujo, composición y bidimensionalidad. 

EL curso capacita al estudiante en la correcta utilización de equipos y las herramientas y de acuerdo con las normas de seguridad industrial y salud ocupacional y el reglamento a cada taller y laboratorio del Departamento.

EL curso capacita al estudiante en la correcta utilización de equipos  audiovisuales y su principio de funcionamiento básico.

EL curso capacita al estudiante en la correcta utilización de equipos  audiovisuales y su principio de funcionamiento avanzado.

La cerámica es una técnica fundamental en el desarrollo del conocimiento humano, desde una perspectiva histórica, revela evidencias para analizar la cultura material de los pueblos, su cosmogonía, flujos comerciales y económicos, usos y costumbres, pero sobre todo su visión estética. En el arte contemporáneo ocupa un lugar privilegiado como medio para apoyar búsquedas que exploran el espacio y la forma en lo escultórico y en el diseño industrial.

La cerámica como lenguaje reúne un abanico de posibilidades relacionadas con la creación y producción de formas que concentran en su cuerpo y superficie, la riqueza de procesos de modelado, construcción, acabado y transformación por el fuego.

El torno es parte importante del lenguaje cerámico y ha sido un protagonista central en los procesos arriba enunciados; el curso ofrecido por el departamento de arte busca, por lo tanto, fundamentar las condiciones y técnicas básicas para su conocimiento y uso como herramienta creativa.

La Cerámica ha marcado importantes momentos en la historia del arte, siendo la arcilla un  material de tal versatilidad que permite la elaboración de objetos con  nivel desde industrial hasta propuestas artísticas. : El renovado interés en  la cerámica dentro del ámbito de la plástica, justifica el fortalecimiento de la Opción, en la que a través de sus contenidos  se pretende  brindar herramientas para la configuración de propuestas plásticas, haciendo un recorrido por la técnica para llegar al objeto aunando elementos personales que impregnen los objetos elaborados, de alguna carga simbólica, al menos para quien los elabora.

El menosprecio que hasta ahora ha caracterizado a la mirada occidental sobre estos procesos ha desmeritado el gran valor y la versatilidad del material que corresponde a manifestaciones importantes dentro de nuestra historia. Durante el proceso de sensibilización para los neófitos en el tema, se llegará a la elaboración de los objetos sin reparar tanto en los conceptos, apegándose más a la experiencia fenomenológica de cada participante.

Durante el curso se concretarán propuestas objetuales sin profundizar demasiado en el campo conceptual ya que los rudimentos técnicos requieren de bastante tiempo.

Los estudiantes inscritos propondrán proyectos tri o bidimensionales que serán elaborados utilizando diferentes técnicas.

“Fotografía 1” es una asignatura que busca introducir al estudiante a los conceptos básicos de la fotografía, principalmente al manejo de cámara 35 mm analógica y a un uso adecuado del laboratorio para obtener así fotografías blanco y negro correctamente ampliadas en cuanto a exposición y contraste. También se realizarán unos ejercicios con menor intensidad relativos a la iluminación de estudio básica y a técnicas alternativas de manipulación de imagen analógica. Y por último se busca que, a través de proyección de referentes, lecturas y de la interacción misma con el profesor y compañeros, se genere una mirada y una reflexión crítica hacia la imagen fotográfica contemporánea.

El curso pretende abordar el fenómeno de la cultura visual contemporánea desde la visión fotográfica. Se trata de visitar los “lugares comunes” que la fotografía ha logrado instaurar en nuestra percepción de imágenes y aquellos que hoy se están gestando, las nuevas formas de ver el mundo que la superficie sensible ha creado, y que ya nos resultan tan habituales como nuestra propia visión. Cada uno de los "lugares comunes" se despliega a través de la historia y la actualidad de la práctica fotográfica recogiendo ejemplos, autores e imágenes. Se abre así un panorama de reflexión que abarca desde la fotografía de familia, la fotografía de prensa, los experimentos del arte contemporáneo, los usos científicos hasta los acontecimientos visuales en los medios y las creaciones de la imagen digital.

Este curso se propone hacer un recorrido cronológico por diferentes épocas y contextos de la historia del arte en los que el hombre se ha ocupado de manera especial en la representación del animal. Desde el propio nacimiento del arte rupestre paleolítico hasta las recientes experiencias y manipulaciones biogenéticas por parte de algunos artistas, más que agotar la infinidad de ejemplos, se trata de reflexionar sobre las diferentes miradas y motivaciones que conforman la imaginería animalista en el arte. Rito, mito, símbolo, ciencia, contemplación, explotación, identidad y alteridad se cruzan a lo largo y ancho de esta historia que va consignando la estrecha y tortuosa relación humana con los animales.

Cerámica 2 Figura Humana profundizará los conceptos adquiridos por algunos en el primer curso y enriquecerá para toda la experiencia en el trabajo con la arcilla como medio de expresión artística.  El eje central del curso utilizará el estudio y la representación del cuerpo humano y suimportancia a lo largo de la historia del arte como pretexto para profundizar en el trabajo y la comprensión de volúmenes escultóricos; de allí surgirán diversos temas de reflexión que con el apoyo de lecturas seleccionadas servirán como punto de partida para la construcción de propuestas utilizando las diferentes técnicas cerámicas.  La mirada y la reflexión acerca del propio cuerpo, así como la observación de obras de artistas que trabajen el tema serán herramientas importantes dentro del curso.

El taller de luz consiste en un espacio para la comprensión, la reflexión práctica y la creación en torno al elemento que está en la base misma de la práctica fotográfica, a saber, la luz. Se ofrece al estudiante la posibilidad de utilizar sus conocimientos básicos para entender el problema de la luz como núcleo fundamental de la imagen fotográfica. A partir de este eje conceptual el estudiante emprende a lo largo de la asignatura un conocimiento profundo del lenguaje fotográfico, a la vez que reflexiona y experimenta en torno a sus formas de expresión y sus posibilidades.  Además de los conceptos iniciales de manejo de luz natural y luz artificial, se ofrece un primer acercamiento a procesos experimentales, técnicas de estudio, de iluminación y uso del color. Todo esto acompañado de una reflexión conceptual dirigida a incrementar las habilidades de apreciación visual y percepción del papel de la luz en la estética de la imagen fotográfica.

El taller plantea la exploración de una serie de técnicas que le permita a la persona por un lado entender la noción clásica del dibujo (lápiz y papel) y por el otro, le ayude a ampliar y a sensibilizar de una forma más lúdica la mirada con relación al medio y a su entorno.

Para este curso se dispondrán en cada una de las clases problemas y ejercicios que estimulen y desafíen la percepción y los conocimientos dibujísticos del estudiante.

Este taller tiene como propósito hacer una introducción al manejo de los elementos formales básicos de la expresión bidimensional y desarrollar herramientas para usarlos. Esto se hará a través de una serie de ejercicios prácticos que propician tanto la experimentación como la reflexión sobre su uso y sus procesos. El objetivo fundamental es que los estudiantes adquieran una serie de herramientas formales que puedan ser utilizadas en el desarrollo de sus proyectos.

La clase introduce al estudiante al campo de la producción de imagen digital dentro del contexto de la creación artística. El curso abordará la fotografía desde aspectos históricos, conceptuales y técnicos, teniendo en cuenta su origen análogo para entender la transformación que se ha venido desarrollando del medio y su lenguaje. La primera parte del semestre estará enfocada en relacionarse con los equipos, las herramientas del laboratorio digital y proyectos guiados. La segunda parte del curso se centrará en la producción intensiva de imágenes por medio de la realización de proyectos independientes.

A través de ejercicios específicos, el estudiante enfrente y resuelva problemas de percepción, representación, escalas y composición inherentes al mundo de la ilustración científica. El curso introduce y enseña algunas de las técnicas y procedimientos indispensables para representar diferentes tipos de especímenes. El estudiante podrá reconocer la importancia de la ilustración científica en el estudio de las ciencias naturales y dimensionar el potencial que esta herramienta posee para hacer visible información que de otra manera sería casi imposible de mostrar.

Se ofrece, a través de recorridos por imágenes, un panorama de la actividad pictórica mundial desde mediados del siglo XX hasta nuestros días, reconociendo algunas de las ciudades de importancia para esta actividad artística así como de sus lógicas visuales generales.

Siendo la pintura un arte injustamente condenado a firmar su acta de defunción varias veces, su incapacidad para morir resulta asombrosa, más aun en la llamada era digital, rodeada de medios que le compiten tratando de igualar su capacidad de transmitir la temperatura, de hacer virtualmente posible percibir lo tangible y lo táctil de las cosas, fenómenos y personas del mundo. Lo cierto es que la pintura fue y es la reina de las artes, desde la época de las cavernas hasta su amplia práctica actual en la forma de Pintura automática, Pintura provisional o Pintura portátil– pasando por su liderazgo en la jerarquía de las academias de arte desde la época de Luis XIV hasta la llamada pintura Internacional o Apropiacionismo de hoy.

La teoría del arte surgida después del Formalismo trató de ver en la pintura una trampa que impedía la relación directa con el mundo y con el propio cuerpo del espectador de obras de arte, hasta el punto de enceguecerlo y excluirlo como sujeto contemplador. Con el tiempo hemos visto la ingenuidad de esta postura teórica –todavía tan influyente-, pues el propio cuerpo humano ¡tiene ojos! y el fenómeno visual implica la capacidad de visualizar, de percibir virtualidades que también son parte de la experiencia del cuerpo. Peor aún: la cultura mediática, totalmente virtualizada y ubicua es, simultáneamente, la experiencia pictórica más intensa del yo que conocemos.

Este curso consiste en una serie de charlas y proyecciones que rastrean la animación desde sus comienzos silenciosos a principios de 1900 al complejo panorama audiovisual contemporáneo. De cortos a largos, de lo comercial a lo artístico, de lo análogo a lo digital, esta clase examinará la evolución de la animación como medio de expresión y también analizará su impacto social, en especial la distorsión de lo que se considera “real”. Los estudiantes explorarán el trabajo de varios animadores y sus técnicas a través de ejercicios básicos “hands-on”.

El curso hace una introducción a estudiantes de arte a la ilustración como práctica profesional, entendida como un ejercicio de comunicación visual para proyectos de iniciativa personal o de aplicación comercial. A tarvés de la experimentación técnica más intuitiva, en diálogo permanente con un pensamiento visual y crítico, se intenta que cada estudiante pueda encontrar o afianzar su voz personal, reflejando una posición frente al mundo, que parta de un reconocimiento o apropación de lo local.

El curso se interesa en la evolución de la imagen fotográfica, como nuevo régimen de representación, visión y visibilidad del mundo a partir del siglo XIX. Se trata de abordar distintas problemáticas de la historia de la fotografía que condicionan tanto nuestras relaciones de uso y de percepción de la imagen, como la constitución del imaginario colectivo. El curso se articula alrededor de tres temáticas: las relaciones del poder con el medio fotográfico, la constitución de una práctica artística de la imagen fotosensible y el uso estratégico de la fotografía.

El curso permite  reconocer y  familiarizarse con los materiales involucrados en la preparación de los diferentes acabados cerámicos y la experimentación para llegar a la complementación de lenguajes plásticos que marcan un camino valido y posible para la realización y materialización de proyectos. La cerámica, considerada y re-posicionada dentro de los lenguajes plásticos contemporáneos, justifica el fortalecimiento de la  opción y parte de esto es el dominio y apropiación de los materiales involucrados en los procesos.

Una de las expectativas de los estudiantes de arte es la de encontrar soluciones técnicas para producir objetos tridimensionales. En nuestro contexto, las opciones de materiales en el mercado son muy limitadas. Supliendo esta carencia, el taller ofrece diferentes soluciones para alumnos de los talleres de tres  dimensiones que tengan la necesidad de experimentar con materiales y procesos de tecnologías contemporáneas. El curso propone una revisión de técnicas avanzadas de producción de moldes y vaciados en resinas más fáciles de usar y de menor toxicidad.

La tierra, más allá de ser el lugar físico en el cual surgieron y florecieron las culturas andinas fue la aliada natural de los pueblos. En ella dejaron las huellas a través de las cuales hemos podido conocer y comprender el destacado nivel de las culturas que fueron diezmadas con la invasión española.  El barro y la arcilla fueron la base de su cultura material; a través de este curso reconoceremos la tierra, el barro, el adobe y la cerámica siempre presentes en la historia de los Andes.  En un amplio y variado recorrido  partiendo de Lima, donde visitaremos colecciones de cerámica pre-colombina y talleres de ceramistas contemporáneos, y pasando por diferentes puntos arqueológicos clave de la Costa Norte peruana como Caral, Sechín y Chan-Chan, daremos una nueva y enriquecedora mirada al barro desde la historia, la antropología y el arte.  Esta observación cuidadosa, sin duda, refrescará la apreciación de nuestras culturas ancestrales y del barro mismo como el más humilde y a la vez poderoso de los elementos por su condición plástica y transformadora, de amplio espectro en su uso y aplicaciones.

El curso se interesa en la evolución de la imagen fotográfica, como nuevo régimen de representación, visión y visibilidad del mundo a partir del siglo XIX. Se trata de abordar distintas problemáticas de la historia de la fotografía que condicionan tanto nuestras relaciones de uso y de percepción de la imagen, como la constitución del imaginario colectivo. El curso se articula alrededor de tres temáticas: las relaciones del poder con el medio fotográfico, la constitución de una práctica artística de la imagen fotosensible y el uso estratégico de la fotografía.

Entendiendo la Pintura como un lenguaje vigente de exploración e investigación, el curso se plantea como un espacio para que el estudiante explore y descubra a través de la práctica en el taller, y junto al apoyo de textos teóricos, el estrecho vínculo existente entre la pintura y el paisaje.

El curso pretende que el estudiante, a través de ejercicios específicos, se enfrente y resuelva problemas de percepción, representación, escalas y composición. Temas inherentes al mundo de la ilustración científica. Introduce y enseña algunas de las técnicas y procedimientos indispensables para representar diferentes tipos de especímenes.  Se espera que el estudiante se sensibilice frente a la práctica del dibujo, reconozca la importancia de la ilustración científica en el estudio de las ciencias naturales y pueda dimensionar el potencial que esta herramienta posee para hacer visible información que de otra manera sería casi imposible de mostrar. Es muy importante que el estudiante vea en eldibujo una manera de pensar, consignar, recodar, entender, crear y comunicar.

Lo que se busca con el curso es que los estudiantes puedan reconocer la estructura siempre cambiante o proteica de la pintura, a partir del haz o conjunto de relaciones hipervinculadas e hipervinculantes mediante la exploración sistemática de tres manifestaciones contemporáneas de este tipo (hipervínculos): la tecnología, la instalación y la performance.

El curso desarrolla en los estudiantes la capacidad de leer y decodificar imágenes y sonidos así como alfabetizar audiovisualmente a los estudiantes para que puedan ejercer con criterio su rol de espectador. Ofrece herramientas para que los alumnos puedan expresar ideas completas comparando las imágenes unitarias a las palabras y enseñándoles a crear frases audiovisuales mediante el concepto del montaje.

Por medio de un recorrido a través del fin de la modernidad y sus repercusiones; las vanguardias artísticas de finales del siglo XIX y principios del siglo XX, las teorías post-estructuralistas, la aparición y expansión de los medios masivos de comunicación, el triunfo de la alta tecnología en la década del ochenta y el reino de lo digital surgido en los noventa, se buscará la comprensión de estos modelos de pensamiento y expresión que enmarcan la cultura contemporánea.

El Taller del Tiempo hace una introducción a procesos de creación en medios basados en la duración temporal y busca propiciar la experimentación intermedial entre ellos. Consta de dos módulos que avanzan paralelamente durante el curso. El primer módulo propone una introducción a los fundamentos del arte sonoro y sus formas de estructuración temporal. El segundo módulo trabaja con principios de performance, video performance y video experimental desde el punto de vista de las poéticas del tiempo.

A partir de la presentación de diversas formas narrativas y de creación audiovisual, este taller muestra y experimenta posibilidades de creación artística a través de propuestas experimentales de narración y animación con medios electrónicos.

Animación 3D es un espacio de entendimiento, reflexión y creación de imagen tridimensional en relación con el movimiento, es un espacio que presenta posibilidades y herramientas para creación artística en medios electrónicos. Adicionalmente ambiciona ser un espacio, el cual, a partir de la exposición de conceptos y procesos tradicionales de la animación, los estudiantes conozcan los métodos de realización de productos animados en 3D, y así estimular la generación de propuestas de creación artística y construcción de imagen digital desde el universo en tres dimensiones.

Es un curso dedicado a generar conocimiento y reflexión sobre la historia del cine colombiano, entendido como una tradición que en su recorrido ha configurado un relato sobre el país. Dentro del curso, el cine colombiano se asume como un cruce de prácticas que involucra componentes artísticos, económicos y sociales relacionados con la historia del país, pero al mismo tiempo provisto de un desarrollo particular y específico.

Es indudable que estamos en una era audiovisual. El cine es uno de los medios de comunicación más influyentes en la cultura contemporánea. El advenimiento de la televisión y del video como formas comunicativas más próximas a la cotidianidad, en vez de relegarlo a un segundo plano, le han otorgado una nueva dimensión y han dotado de un mayor alcance al lenguaje audiovisual.
Por su parte, una buena parte de los productos audiovisuales son narrativos, es decir, constituyen un relato, y como tales, tienen unas reglas propias para ser realizados. Si bien su estatuto narrativo institucional parte de la estructura y la forma de la novela decimonónica, en su consolidación como nuevas artes desarrollan líneas propias de narración. Dichas maneras de narrar devienen de la combinación de diversos factores que, en compleja interdependencia, logran consolidar sellos específicos de tipos de narración. Así, se pueden entender como factores que inciden en un estilo narrativo el uso de los soportes tecnológicos propios de los diferentes formatos cinematográficos y audiovisuales, el tipo de sintaxis dada en el montaje, los diversos usos planimétricos y fotogénicos, las categorías de continuidad narrativa, las jerarquías espaciales, las selecciones musicales, y la misma porción de realidad que se elige para ser filmada, entre otros.

El curso se ocupará de la cuestión del cine en tanto arte, cuya función poética prima sobre la intención industrial y comercial. Para entender el concepto se ahondará en las ideas fundamentales de la estética cinematográfica y se repasará la historia del cine a partir de los movimientos estéticos que le han dado forma.

Tras hacer una introducción acerca del origen del cine, se hablará de la especificidad fílmica, el lenguaje cinematográfico y luego se recorrerán las diferentes corrientes estéticas que han dejado su huella en el campo fílmico, así como sus formas y géneros, sin olvidar sus partes. Se analizarán los nexos necesarios con los movimientos artísticos y los avances tecnológicos que han incidido en estos cambios estéticos.

A partir de la descripción y el análisis, se fomentará el estudio crítico de obras cinematográficas a nivel estético, así como la reflexión acerca de las incidencias estéticas en el propio desarrollo y creatividad.

Curso teórico práctico que pretende formar al estudiante en la construcción de un discurso audiovisual, comprensible, legible y decodificable por el espectador. En este curso el alumno aprenderá las coordenadas de construcción propias de la estructura fílmica y podrá transponer  las ideas y los conceptos en imágenes y sonidos. Después de este proceso, los alumnos adquirirán habilidades narrativas específicas, útiles para todas las manifestaciones artísticas. Como dice Yates, las relaciones espacio-temporales, siempre simbólicas, contienen metáforas fundamentales, ligadas a temas evidentemente humanos.

Los estudiantes aprenderán los fundamentos del arte digital y su desarrollo dentro un contexto histórico y teórico. Se introduce el computador como herramienta para hacer arte, reforzando el lenguaje visual de los estudiantes a través de una introducción práctica a la creación digital. Examinaremos el advenimiento de la imagen digital, partiendo de la fotografía, cine, animación y medios digitales en general. A través de la elaboración de varios proyectos a lo largo del semestre los estudiantes desarrollarán procesos conceptuales y habilidades de crítica constructiva.

En la realización de narrativas y piezas audiovisuales, el sonido constituye una valiosa materia prima que puede potenciar, acentuar y fortalecer el contenido gráfico y visual. En los últimos años, un diverso tipo de herramientas digitales han permitido el fácil acceso a procesos de edición y posproducción de sonido para la imagen, por medio de métodos de grabación, creación de efectos, composición, musicalización, mezcla e interacción. El curso hace una revisión de estas teorías y técnicas alrededor del fenómeno de la producción de sonido para la imagen, mediante proyectos de exploración sonoro-visual y talleres prácticos con múltiples aplicaciones en la realización audiovisual. Se revisarán las etapas de preproducción, producción y posproducción sonora, teniendo como referentes múltiples productos audiovisuales que permitan explorar las dimensiones estéticas en cuanto a forma y contenido.

Este curso ofrece un recorrido por las múltiples maneras de relacionar el arte, la música y el sonido en el arte de Occidente durante los últimos 150 años. Aunque históricamente estas relaciones no son nuevas, el rápido avance de las tecnologías de grabación, reproducción y producción de sonido e imagen ha tenido un profundo efecto en la rapidez de su desarrollo.

Mirada al Cine Colombiano es un curso dedicado a generar conocimiento y pensamiento crítico sobre la historia y la estética del cine colombiano, entendido este último como una tradición que en sus recorridos, continuidades, rupturas y desvíos ha configurado un relato sobre el país. Dentro del curso, el cine colombiano se asume como un cruce de prácticas que involucra componentes artísticos, económicos y sociales relacionados con la historia del país, pero al mismo tiempo provisto de un desarrollo estético particular y específico.

Desarrollar en los estudiantes la capacidad de comprender discursos audiovisuales, a partir de la lectura y correcta decodificación de imágenes y sonidos. “Alfabetizar” audiovisualmente a los estudiantes para que puedan ejercer con criterio su rol de espectador. Formar al público cinematográfico dando herramientas para que los alumnos puedan expresar ideas estructuradas sobre el discurso audiovisual, a partir de un paralelo entre el lenguaje audiovisual y el lenguaje verbal. 

Palabra>Frase>Discurso

Imagen>Escena>Película

¿Qué es el cine? Esta pregunta, breve pero nada sencilla, ha atravesado no solamente los más de cien años de producción cinematográfica, sino también la reflexión que en torno al séptimo arte se ha ido construyendo desde las primeras décadas del siglo XX. Esta pregunta y estas reflexiones han tratado de explicar la especificidad, lo propio, lo exclusivo de lo cinematográfico. Podemos en efecto afirmar que el cine es una representación social, que es una forma de entretenimiento, que es un medio de expresión artística, un lenguaje, un producto cultural, pero todavía no habremos dicho qué es y qué rasgo distintivo tiene que no sea también de la literatura, de las artes plásticas, del relato histórico o del análisis sociológico. El curso quiere por lo tanto, enfrentar el cine no en función o a partir de otras disciplinas, sino desde sus mismas particularidades y su específica forma de ser: como una introducción teórico / crítica a un hacer que conjuga imágenes y tiempos para producir un objeto inaprensible (puesto que “la imagen fija, o un fotograma reproducido, son simulacros que siguen dejando que la película se escape” como escribía Raymond Bellour en “Le texte introuvable”), esas imágenes en movimiento que quedan en la memoria del espectador.

El espacio académico pretende crear un lugar de experimentación artística con herramientas tecnológicas como lo son la realidad virtual, la realidad aumentada, videos inmersivos 360; con el propósito de generar experiencias Inmersivas y concebir posibilidades de creación. 

Se pretende generar un acercamiento conceptual, teórico y técnico, en donde los estudiantes podrán generar reflexiones alrededor de estas herramientas con las que podrán proponer proyectos artísticos.

Este curso aborda la historia de la fotografía a través de las ideas y acontecimientos puntuales que llevaron a la invención del aparato fotográfico desde el descubrimiento de las leyes de perspectiva en Florencia en el siglo XV hasta la consolidación de la invención del daguerrotipo ante la academia de la ciencia en agosto 19 de 1939. A partir de esto, se avanza por la fotografía característica del siglo XIX, de principios de siglo XX y contemporánea, usando imágenes centrales para la historia de la fotografía y de su pensamiento, y textos que examinan la compleja interacción desarrollada por la fotografía y el ser humano en los últimos 182 años. La idea de esta materia, es hacer un recorrido por todo aquello que produce o genera imágenes de manera industrial, accidental, casera o natural y que fue un aporte a la invención de la fotografía: la sombra, las superficies bruñidas, los lentes de cristal, el espejismo, los espejos semi-reflectivos y las extensiones mecánicas de hacer trazos, todo ello jugó su papel en la invención de la fotografía. Y una vez inventada, recorrer los principales puntos, en los dos siglos de uso de la fotografía, y analizar el significado de esta para nuestra imagen del mundo.

El curso plantea una reflexión a partir de diferentes temas que emergen de la relación entre el artista y la ciudad. Se tiene en cuenta especialmente, el carácter interdisciplinario de estas relaciones, en las cuales las propuestas artísticas, implican un vínculo directo con otras disciplinas como la arquitectura, literatura, filosofía, antropología y sociología. Estas relaciones se articulan en diferentes contextos socioculturales de la modernidad y contemporaneidad. Se hace especial énfasis en presentar estas experiencias desde un comienzo, como reflexiones que desde el arte conllevan un trabajo en equipo con una clara preocupación por el contexto circundante, en este caso, la ciudad.

La idea de disponer objetos, cosas, ideas y la actividad de agruparlas, manipularlas, reunirlas, estudiarlas, y mostrarlas mediante el formato de una  exposición es un sistema de conocimiento heredado. El modelo de mostrar –mediante una exposición- presente en el siglo XVIII se convertirá más adelante en una de las condiciones de la cultura occidental. El acto de hacer algo público -en cualquiera de sus formas-  y sobre todo en una exposición, es una estructura jerárquica que produce formas particulares y generales de comunicación y conocimiento pues hay implícito un acto de selección; algo se incluye y algo se excluye. En este punto radican las implicaciones y responsabilidades de fondo en la circulación de productos culturales, en este caso una exposición. A la hora de representar el mundo, los museos, sus colecciones y las exposiciones constituyen una visión enciclopédica que en parte ha determinando nuestra percepción.El curso permite acercar a los estudiantes a comprender cómo el formato expositivo, desde un principio de clasificación, moldea nuestra percepción del mundo, lo que implica fomentar especial atención a este. Percibir las exposiciones como un ejercicio estético y como forma de conocimiento que determina formas particulares de comunicación y de representación del mundo. Formar un público atento y crítico con respecto a las exposiciones.

Una educación tradicional del arte se enseña a pensar haciendo, pero cuando se hace pública la obra, existen condiciones que influyen sobre lo que se ha hecho, produciendo actos de lenguaje que se suman al lenguaje de la obra de arte. El espacio del arte no se trata solamente del ocupado por los objetos materiales, por el contrario, se trata de una construcción de carácter transaccional ocupada por procesos efímeros de interacción; una relación de fuerza entre dos situaciones y la distancia entre ellas. Las lecturas y los contenidos de este curso se reducen a identificar la distancia, la tensión y la confrontación entre espacios tanto físicos como mentales, para pensar el arte.

Este curso propone un recorrido cronológico por el arte y el cine a través de personajes, situaciones, obras de arte, películas y textos. La continua evolución de una técnica que logra capturar y reproducir imagen y sonido en el tiempo solo exagera una condición que siempre ha estado latente en cada ser humano: soñar. La ilusión de una escena narrada o la puesta en escena de una secuencia cinematográfica, son actos de lenguaje que surten un efecto onírico y pretenden que el espectador vea con el cerebro, imagine. Se espera, sobre todo, que el espacio de la clase sea un lugar para ejercitar una mirada atenta, despierta, que comprenda la imagen más allá de los clichés que dan las muletillas culturales y las trajinadas pautas del “maravilloso mundo del entretenimiento” (¿entretenerse de qué?). En un mundo donde la interpretación se impone sobre los hechos, y donde los usos y manipulaciones de la imagen son cada vez más sofisticados, un curso como este supone una apuesta para disminuir el analfabetismo visual, una suerte de educación estética y política: la clase será una puesta en escena de los poderes, individuales y colectivos, que intentan definir lo que es real a través del artificio de la imagen.

Tras la aparición de la imprenta de tipos y el afianzamiento del movimiento reformista, la fabricación y uso de imágenes constituyeron dos importantes áreas de la producción cultural en Europa y luego en Occidente. En la mayoría de casos, este proceso implicaba un claro interés de control y manipulación de enormes grupos humanos cada vez más inteligentes, más críticos y más sofisticados. En el mismo período la palabra “propaganda” comenzó a utilizarse como insulto contra las imágenes producidas por enemigos ideológicos de cualquier filiación. Este curso busca presentar y analizar la utilísima, pragmática o vergonzante relación –según la perspectiva desde que se mire-, entre arte y propaganda. Para lograrlo se concentrará en el examen de los vínculos institucionales presentes en la producción de imágenes artísticas –o firmadas por artistas-, los modos de administración que ellas o ellos han sufrido y su transformación en campañas de movilización religiosa-bélica, nacionalista-bélica, o comercial-bélica.

El patrimonio cultural cada vez más se consolida como un campo de conocimiento marcado por diferentes problemáticas y tensiones que parten de su definición y que involucra actores, comunidades e intereses que lo componen. Desde esta perspectiva, el curso pretende introducir al estudiante en las definiciones generales de lo que constituye a nivel internacional y nacional el patrimonio cultural, así como brindar herramientas que le permitan entender las implicaciones y dificultades que tiene el estudio de estas manifestaciones culturales teniendo en cuenta el papel que juegan las diferentes disciplinas y áreas de conocimiento en su estudio y valoración.

Los artistas hacen lo que hacen para que alguien lo vea. Es decir que el arte, si lo pensamos como lo que hacen los artistas, está destinado a un público. A partir de una revisión histórica de las exposiciones y sus manifestaciones iniciales, este curso plantea un diálogo entre los estudiantes –como espectadores- y la figura de la exposición, entendida como un discurso. Mediante la observación crítica, reflexiva, el pensamiento analítico, regido por una actitud curiosa, e impulsada por la experiencia emocional e intelectual de crear puentes de comprensión del formato expositivo desde su contexto, el curso brinda a los estudiantes herramientas para enfrentarse a las exposiciones de arte contemporáneo. Lo anterior implica también, entender el formato expositivo como un discurso político –es decir situado en un argumento- y al público como un agente que puede emitir una respuesta a dicho discurso. Contar con herramientas para entender el –aún hoy a veces ilógico, a veces incomprensible- mundo del arte contemporáneo, propicia también a la articulación analítica, de cómo nosotros, desde nuestra subjetividad, vemos no solo el arte sino desde una perspectiva más amplia, el mundo que habitamos.  

El taller busca explorar el espacio escénico a través del cuerpo y los sentidos. Cada sesión tendrá un fuerte componente físico que preparará a los estudiantes para improvisaciones en silencio y juegos teatrales. La observación del entorno y de la vida misma será un fuente principal para el desarrollo del curso. Las técnicas de movimiento tendrán como base la pedagogía del maestro francés Jacques Lecoq, al igual que la técnica de Viewpoints implementada por la directora americana Anne Bogart. A medida que avance el semestre se estudiará además la relación del espacio escénico con la pintura, la música y la poesía. Se hará énfasis en el vocabulario corporal adquirido para introducir a los estudiantes al juego del actor. De manera paralela se estudiará el teatro como forma artística. El grupo deberá asistir a tres presentaciones teatrales durante el semestre (a definir), sobre las que se entregarán 3 ensayos críticos a lo largo del semestre.

El taller es una introducción a los fundamentos del diseño de escenografía para teatro. A través de ejercicios y proyectos prácticos, se guiará a los estudiantes por las fases típicas del diseño de una pieza teatral, desde el acercamiento inicial al texto, pasando por la investigación y el desarrollo del diseño preliminar, para culminar con la presentación del diseño final. Se hará énfasis en la relación director-diseñador, y se dará una perspectiva histórica de la evolución del diseño en los distintos géneros teatrales

El taller busca explorar liberar el juego del actor a través de la máscara. El trabajo del semestre complementará lo estudiado en Taller de escenografía, requisito para tomar este curso. Se emprenderá un viaje de descubrimiento por diferentes máscaras a parpor las máscaras expresivas y larvarias y finaliza con situaciones de juego para medias máscaras a partir de la commmedia dell’arte. Se utilizarán máscaras profesionales diseñadas por Amleto Sartori junto a Lecoq, pero también cada estudiante deberá crear y construir su propia máscara en dos ocasiones durante el semestre. De manera paralela, se mantendrá el estudio del teatro como forma artística.

Este es un laboratorio para actores y directores en el que se estudiará la Tragedia como género dramático desde sus inicios en la antigua Grecia, hasta y los problemas de su representación en la contemporaneidad. Los integrantes del curso trabajarán en proyectos semanales explorando los diferentes componentes del género, como el coro, la aparición de los dioses, y el uso de la palabra como vehículo, montando además escenas de los principales autores. Los grupos se dividirán entre actores y directores según el trabajo semanal. El curso comenzará con un estudio comparativo del mito de Orestes a partir las variaciones en las versiones de Esquilo, Sófocles y Eurípides. Luego se hará un estudio exhaustivo de la estructura dramática de Antígona, seguido de algunas obras de Eurípides como Las bacantes y Alcestis.

A través de prácticas tradicionales y expandidas del dibujo, de la observación de imágenes y la discusión de textos, el curso explora distintas relaciones entre cuerpo y dibujo. Busca desarrollar capacidades amplias de percepción, comprensión, representación, abstracción, expresión y presentación de lo corpóreo a través del dibujo.  

Se explorará la relación entre dibujo y cuerpo desde distintas manifestaciones del dibujo: como herramienta de interpretación, representación, señalamiento, delimitación, proyección, comprensión, pensamiento y conocimiento del mundo; y como herramienta de expresión, divagación, ensoñación y parte de la experiencia vital. Dentro de estas manifestaciones, se reflexionará sobre cómo el dibujo puede operar como índice, como proceso, como herramienta o como forma terminada.        

El curso se articula principalmente en dos ejes: 1) el dibujo de observación y 2) ejercicios que ponen en juego distintas relaciones entre el dibujo y el cuerpo, éste último entendido como un ente que se sitúa de manera específica espaciotemporalmente.  

Introducción y familiarización a dos de las técnicas pictóricas más versátiles de la tradición occidental, orientada desde aspectos instrumentales, históricos y simbólicos. 

-Instrumental: soportes e imprimaciones; herramientas y efectos del óleo y el acrílico. Herramientas sencillas sobre color, geometría, anatomía y composición. 

-Histórico: uso de estas técnicas de acuerdo con situaciones sociopolíticas precisas y análisis de casos puntuales, mostrando sus contextos particulares. 

-Simbólico: significado amplio e implicaciones sociológicas y fenomenológicas de los usos pasados y presentes de estas técnicas.

El cuerpo humano es el cuerpo que mejor conocemos dentro de los seres vivos. Todos los días por la mañana vemos nuestro cuerpo al bañarnos, al lavar nuestros dientes y al arreglarnos para ir a la escuela o al trabajo, y al terminar el día, lo último que volvemos a ver es nuestro cuerpo al acostarnos. En el trabajo o en la escuela vemos a los amigos y amigas, jugamos con ellos y hablamos con ellos. Vemos sus gestos y sus mañas corporales que hacen su lenguaje corporal, de ese modo los identificamos dentro de un grupo de personas. Por donde vayamos vemos seres humanos de diferentes tamaños, razas y género. Tenemos miles de imágenes de personas grabadas en nuestro cerebro, reconocemos la imagen básica de un ser humano compuesta por un par de ojos, un par de orejas, un par de brazos, un par de piernas, una nariz, una boca y los órganos sexuales, pero al momento de dibujarlos no podemos. ¿Por qué?

PARA ARQUITECTOS. El curso tiene como objetivo introducir al estudiante a la práctica del dibujo como herramienta para elaborar y describir una idea. Es un curso vital para artistas, arquitectos y diseñadores. Basados en la observación, el curso plantea la posibilidad de crear un lenguaje visual que permite analizar la forma, describir el espacio y ahondar en diversas técnicas de dibujo. Se estudiará la perspectiva, composición y anatomía combinadas con la imaginación, memoria e invención para ahondar en las posibilidades creativas y analíticas del dibujo. La primera parte del curso está enfocada al aprendizaje de conceptos y técnicas específicas al medio para luego aplicar estos conocimientos a temas de interés individual.

Fundamentos de Dibujo comienza con el desarrollo del dibujo como herramienta básica para la comprensión del espacio y el volumen, así como para su representación e interpretación.

También le ofrece al estudiante herramientas y elementos gráficos para que explore y desarrolle su capacidad creativa por medio del dibujo, yendo más allá de la simple descripción.

El lenguaje escultórico contemporáneo parte de una noción amplia de espacio y forma que constantemente se reconfigura y enriquece. Es quizás el área más amplia y versátil dentro de las artes plásticas contemporáneas, pasando del objeto a incluir el espacio y el tiempo, los medios electrónicos, sus estructuras y relaciones.

En este sentido, el taller comprende diversos modos de hacer que van desde procedimientos como la talla y la serialidad hasta incorporar la interdisciplinaridad, el lugar específico, e incluso, la relación con personas y las comunidades (según el interés del estudiante). 

El curso se acompaña de la observación y el estudio de referentes dentro de la Historia del Arte y la visita a talleres tanto de artistas como de técnicos en haceres específicos.

Este curso propone tanto una práctica de dibujo y observación, como un acercamiento y análisis crítico al objeto (cotidiano) entendido no sólo como un producto del “diseño industrial”; sino como el producto de una sociedad hiperconsumista, materialista, fetichista, “desechable”. Se estudiarán tanto los límites del dibujo como los límites del objeto, los marcos que los definen; y se pondrán a prueba la permeabilidad y flexibilidad de dichas definiciones. Se analizará el problema del consumo desmedido, la adquisición compulsiva de objetos y el coleccionismo (el gusto, la escogencia, el orden y la taxonomía). Así mismo, se tratarán las maneras de representación gráfica de los objetos que nos rodean hoy, en un acercamiento consciente al mundo del “dibujo publicitario”, es decir, a las vitrinas oficiales y no-oficiales del consumo. Finalmente, se llevará a cabo el diseño y/o montaje de un objeto capaz de dibujar, subrayando aún más las tensiones entre “dibujo” y “objeto” y con ellas las tensiones entre “obra de arte” y “objeto de producción serial”, entre “creador” y “bricolero” (este último término según la definición de Claude Levi-Strauss), y entre artes plásticas y teatro.

El taller pintura y cuerpo hace parte del ciclo intermedio del áreadeartesplásticas en elprograma de arte. Es un espacio donde seexplora el potencial de lapintura como un lenguajeen constante evolución,abierto al planteamiento de asuntos pertinentes par nuestrotiempo y como medio para hacer visible el pensamiento, la imaginación ylas emociones del artista. El cuerpo no solose usa como modelo o referente sino como campo de estudio que permite observar aspectos problemáticos y relevantes de nuestra cultura. Esta exploración parte deuna observación del cuerpo físico, a través de ejercicios con modelo, así como a una mirada crítica a referentes artísticos que permitan apreciar y compararlas idease imágenes sobre el cuerpo expresadas através de la pintura en diversos períodos y contextos.De igual forma se explora el tema involucrando otros medios que lo enriquecen. 

El curso Pintura y Objeto es un laboratorio de creación y reflexión en torno a los procesos y prácticas pictóricas con un interés especial en el objeto. Desde el bodegón hasta la instalación, los objetos han sido tema recurrente en el arte y en especial en la pintura.

El laboratorio propone, a partir de los conocimientos que poseen los participantes, un acercamiento crítico y objetivo a las prácticas pictóricas contemporáneas sin desconocer el contexto histórico en el cual se insertan.

PINTURA Y ESPACIO es un taller en el que se explora y se experimenta, por medio de la pintura y el color, el concepto de espacio: espacio como contenedor de las cosas (el universo en que toman forma las ideas, y donde los objetos, las cosas y los personajes pueden ser), y espacio como elemento protagónico (el espacio se vuelve “cosa”). Aquí es importante saber que la elaboración y manipulación del espacio están íntimamente ligadas al universo de la pintura, así como a la intención del estudiante y a sus emociones.

El objeto escultórico posee vínculos antropológicos profundos. Herbert Read habla del amuleto como el origen de la escultura objeto, enfatizando que en un objeto de este tipo se proyectan a nivel simbólico las creencias, los anhelos e incluso las necesidades del ser humano. Esta línea de desarrollo fue explorada insistentemente por los surrealistas y en general a lo largo del modernismo, pero también ha sido emulada en el arte contemporáneo, enfatizando la idea del objeto único como portador de significado personal. Pero también es cierto que el arte contemporáneo posee otra filiación inspirada en Marcel Duchamp y el ready-made. Esta vertiente señala al objeto existente, al objeto no artístico como receptor de una idea. Luego, el Pop continua la exploración del objeto de consumo y sus implicaciones sociales y culturales. Es de esta manera como el objeto escultórico contemporáneo se nutre de una historia diversa que le confiere amplias posibilidades expresivas y conceptuales. Su análisis, estudio y consideración dentro del ámbito social y cultural ofrece un espacio ideal para la exploración escultórica.

El curso introduce a los estudiantes en la discusión sobre la escultura pública a partir de la revisión tanto de las nociones de espacio actuales como de prácticas artísticas contemporáneas abordando esta problemática para luego dar paso al concepto de lo público y la relación arte-ciudad.

El grabado en todas sus facetas tradicionales, xilografía, grabado en metal, serigrafía, litografía, forma parte de la cadena evolutiva de los medios de expresión visual. La necesidad de reducir las escalas tonales a tramas ha permitido el nacimiento de todas las técnicas contemporáneas de reproducción impresa y electrónica. Es por eso por lo que el grabado es importante en la enseñanza de las disciplinas de reproducción y expresión artística.

El grabado en metal, por el amplio abanico de posibilidades expresivas y gradaciones tonales que ofrece, por la fuerza de su impresión sobre el papel, ha sido utilizado por grandes artistas para desarrollar propuestas plásticas personales, muchas veces cargadas políticamente. Durero, Rembrandt, Goya, Hogarth, Dix, Grosz, Picasso, Hockney, son unos pocos nombres. 

El grabado en metal no ha perdido fuerza como herramienta de expresión en el cada vez más variado mundo del arte del siglo XXI, dentro de una visión de “grabado expandido” que permite infinidad de hibridaciones con otros medios, como la fotografía, la impresión digital, la intervención directa, las otras técnicas de grabado, etc.…

Con las nuevas maneras de hacer grabado menos tóxicas, tanto para los artistas como para el medio ambiente, se abren además nuevas posibilidades técnicas y expresivas.

El curso aborda temas de la gráfica contemporánea, investigando y analizando conceptos tales como serialidad, repetición, fragmentación, tramas, retículas, huella; que brindarán al estudiante nuevas posibilidades creativas, para que pueda conformar y materializar sus ideas.

El curso da pautas y fundamenta a sus participantes en el manejo del complejo proceso del grabado a través de la experimentación y de la apropiación individual del mismo.

El taller teórico-práctico, pretende proveer al estudiante de los recursos técnico-conceptuales necesarios a ser utilizados para resolver problemas inherentes a su actividad profesional, específicamente en el campo de la gráfica, ya sea para representar, expresar o producir imágenes o ambientar objetos o espacios relacionados a su cotidianeidad.

Trabajando con la idea de que todo dibujo es abstracto, nos enfocaremos en el análisis del espacio tridimensional y el espacio imaginado para crear dibujos novedosos que nos ayuden a entender nuestro entorno y el mundo de lo imaginado. Éste será nuestro espacio, donde lo observado se une con lo imaginado para crear un lugar que oscila entre lo bidimensional y lo tridimensional, entre visto y lo no visto, entre lo real y lo abstracto.

 El dibujo es una herramienta indispensable para el artista plástico, ya que le permite plasmar una idea rápida y eficazmente. El dibujo revela la manera cómo funciona el cerebro permitiéndonos hacer representaciones bidimensionales de formas y espacios tridimensionales o de espacios imaginados. Para un buen dibujante el tener una noción clara del espacio y de los diferentes elementos que lo componen es fundamental para poder hacer un dibujo audaz y efectivo que sea fiel a sus ideas.

Este taller práctico propone explorar la relación cuerpo-escultura desde una perspectiva amplia que abarca desde la representación hasta la performatividad. El cuerpo es pensado no sólo en su materialidad, sino como una construcción cultural que lo convierte a la vez en objeto y en sujeto con capacidad de agencia en el tiempo y el espacio que lo contienen y lo habitan. Por otra parte la escultura se toma como un campo artístico expandido  que no se puede desligar ni del espacio ni de lo corporal.

El taller permite introducir al estudiante en el conocimiento de los elementos y conceptos propios de la forma y el volumen. El taller explora las diferentes posibilidades de representación tanto en el campo bidimensional, como en el tridimensional. El curso desarrolla la habilidad del estudiante, para plantear una idea como proyecto personal, y formalizarla en términos plásticos, como medio de comunicación

La materia permite dar un paso adelante de las bases técnica, es para aprender a expresarse. Una buena foto no es una imagen enfocada, sino una idea enfocada. El objetivo principal de este curso es despertar y madurar la capacidad de los estudiantes de hacer que sus ideas se conviertan en imágenes fotográficas.

Es un taller práctico de fotografía análoga y digital en que se hace un recorrido por las formas narrativas más comunes de la fotografía y se busca que los estudiantes, usando técnicas básicas, exploren y desarrollen su capacidad de contar sus propias historias.

Esta es una clase de naturaleza teórica práctica, diseñada con el objetivo de que puedan experimentar y aprender sobre las técnicas fotográficas del siglo XIX y también puedan desarrollar un proyecto de reflexión personal en torno a las problemáticas de la fotografía en el ámbito artístico contemporáneo.

“Retrato-Fotografía” es un curso que busca acercar al estudiante a la fotografía de retrato a nivel técnico, teórico e histórico.  De esta forma, a partir de una serie de ejercicios prácticos se busca que el estudiante pueda desarrollar una serie de propuestas personales a través de los sujetos a retratar en diálogo con la luz.

A partir de la revisión teórica de autores que han utilizado lo autobiográfico como sustancia en su trabajo, los estudiantes van a explorar el tema y realizar un proyecto en imágenes. Se busca que el estudiante desarrolle una actitud crítica y autoreflexiva sobre el medio fotográfico. El curso propicia la comprensión de lo fotográfico como un aglomerado de significados que acercan al estudiante a la práctica contemporánea de la imagen.

El curso ofrece a los estudiantes la oportunidad de descubrir las posibilidades de los medios de impresión  múltiples como una práctica contemporánea. Los estudiantes podrán experimentar técnica, como monotipos, impresión en relieve (xilografía), hueco grabado  y procesos litográficos. La clase incluirá demostraciones técnicas, discusiones teóricas  y críticas.

En este curso los estudiantes son introducidos a la litografía en piedra. A través de este proceso de impresión plana que es posible traducir las imágenes dibujadas a mano en grafito, o carboncillo y en múltiples capas de color. Se hace hincapié en la obtención de un conocimiento riguroso de las técnicas y los principios de la litografía a través de demostraciones de clase, proyectos individuales, de discusión y críticas. Con ejercicios específicos, el estudiante se enfrenta para resolver problemas de representación y composición. Introduce y enseña algunas de las técnicas de la litografiar en piedra y procedimientos indispensables para que pueda dimensionar el potencial que esta herramienta técnica y expresiva posee.

El desarrollo del grabado en relieve en los últimos años ha sido de suma importancia ya que a partir de las técnicas tradicionales ha empezado a desligarse de la formalidad que antes lo caracterizaba y se ha articulado con otros campos del arte para hacer así unas propuestas absolutamente interesantes e innovadoras. La técnica se convierte simplemente en un medio para hacer que se materialice una idea. Y dentro de la gran variedad de técnicas que ofrece el grabado en relieve, se abre un universo infinito para la labor creativa.

El curso conducirá al estudiante a explorar el potencial de representación artístico que tiene el medio fotográfico dentro de la producción creativa, analizando el trabajo de varios artistas y revisando distintas estrategias empleadas en la construcción de imágenes. El estudiante tendrá la oportunidad de investigar su propio tema de interés, explorándolo por medio de la realización de cuatro proyectos diferentes con el fin de elaborar un cuerpo de trabajo personal. Para este curso se espera que los estudiantes ya cuenten con nociones básicas de fotografía, que estén interesados en profundizar más allá de lo que involucra tomar una foto o documentar un hecho y que puedan trabajar de forma individual e intensiva en su práctica artística dentro y por fuera de clase.

El curso explora las distintas modalidades del enfoque experimental en el audiovisual. Se contextualizan históricamente las prácticas y estrategias expresivas, narrativas y poéticas con ejemplos provenientes de distintos géneros. Al mismo tiempo el estudiante trabaja en sus propios proyectos creativos en vídeo a través del aprendizaje simultáneo de técnicas digitales de edición y procesamiento digital de la imagen audiovisual.

Este curso parte de la experimentación del movimiento aplicado a la creación audiovisual. Se enfatizará en aspectos performáticos y corporales relacionados con el vídeo.

El curso promueve la búsqueda de nuevas formas de expresión digital basado en el aprendizaje y experimentación básica a través de la escritura de algoritmos. Este curso hace énfasis en el proceso de producción de scripts a través de la construcción de códigos en distintos lenguajes dentro del medio digital. Se analiza el medio digital. Se fortalecen procesos creativos que involucren la experimentación de la computación en los aspectos visuales, sonoros, narrativos,, interactivos y de programación.

Se introduce al estudiante a conceptos del arte sonoro, así como a la producción y edición digital y análoga del sonido. Se dará un contexto histórico de prácticas sonoras estrechamente vinculadas a procesos artísticos. El curso motivará la creación sonora como medio expresivo autónomo o en conjunción con otros medios visuales y performativos.

Taller teórico práctico planteado como espacio de reflexión y creación en relación con la producción de instalaciones audiovisuales. El mismo ofrece un marco referencial para entender esta práctica, desde una perspectiva histórica, enmarcada dentro del arte contemporáneo, pero a la vez desde la comprensión de conceptos tales como, espacio, tiempo, tecnología, dispositivo, narrativa, lenguaje, interactividad. El curso busca que el estudiante experimente con los nuevos medios electrónicos, la imagen y el sonido digital y desde allí pueda reflexionar en torno a las múltiples posibles articulaciones de estos para generar propuestas audiovisuales e interactivas personales, coherentes e innovadoras. A lo largo del curso se propondrán como referentes múltiples aproximaciones, artistas y obras.

En el arte contemporáneo (y en el de todos los tiempos) la reflexión acerca de los conceptos más generales (representación, tiempo, espacio) ha ocupado un lugar fundamental. Todos estos conceptos han sido objeto de una continua y profunda elaboración al interior de las matemáticas. El curso busca dar algunas indicaciones que ilustren cómo han sido desarrollados matemáticamente más allá de lo que generalmente se ve en el colegio. Aunque se darán algunos ejemplos de cómo las ideas matemáticas han sido tratadas por artistas, el curso se ocupará principalmente de presentar el contenido matemático para que los alumnos piensen las distintas formas de llevar a cabo proyectos artísticos que incorporen esas ideas.

El curso aborda algunos criterios definitorios del estatuto de la obra de arte y de la definición del arte “contemporáneo” (posterior a la segunda mitad del siglo XX). El estudiante  estudiará aspectos centrales de la práctica artística: la definición del arte y su transformación en el contexto reciente; el establecimiento de teorías comprensivas del arte con elevado poder descriptivo en el ámbito norteamericano en el siglo XX y XXI; la evaluación de la capacidad expositiva y comprensiva de algunas disciplinas estéticas cara a las transformaciones resultantes del trabajo, concepción y circulación de las obras de arte en la parte final del XX e inicial del XXI; la reflexión acerca del papel vinculante y a la vez excluyente de un régimen de creencias extendido acerca de lo que es el arte y de su diferencia con campos aparentemente contrarios.

El museo es un espacio que se produce tanto desde el lugar que se concibe (se representa), como desde la imagen que se tiene de él (lo que representa) y, claro está, la forma en que lo recorremos críticamente (cómo se practica). Por ello, pensar el lugar del museo como experiencia espacial implica entonces preguntarnos ¿desde qué lugar se concibe?, ¿qué tipo de relaciones se establecen con las obras que contiene?, ¿cómo se relaciona con el público y la ciudad que lo rodea?, ¿cómo lo recorre y lo consume críticamente el público que lo visita?

El curso está planteado a partir de las tres funciones principales de un museo; investigar, conservar y comunicar, la propuesta académica se fundamenta en clases teóricas, lecturas casos de estudios y trabajo práctico en instituciones museales. 

 A partir de charlas, magistrales, talleres didácticos,  visitas a instituciones y practicas académicas se pretende introducir al estudiante en las complejas dinámicas de una institución museal, lo que permitirá comprender la situación actual en el contexto colombiano, establecer diagnósticos sobre los diferentes elementos que lo componen y establecer estrategias para el trabajo a futuro, en otras palabras, pensar el museo.

Se trata de un curso en el que la aproximación a la crítica consiste en explorar distintos formatos de la crítica, su relación con lo público y las nuevas tecnologías: crítica en Internet, video columna de opinión, las distintas plataformas de circulación: portal en internet, blog personal, Facebook, Instagram, Twitter. Se trabajará a partir de visitas a exposiciones, análisis de situaciones del campo del arte, debates recurrentes, lectura de textos de varios archivos de crítica, así como entrevistas a artistas, curadores y críticos. Desde las primeras semanas se editará un portal en Internet donde se publicarán trabajos realizados en el curso. El curso contará con varios invitados y se programarán visitas a exposiciones.

El curso busca dar a los estudiantes herramientas para desarrollar un proyecto expositivo, que involucre un componente de producción de obras in situ, así como las operaciones logísticas y técnicas del caso. Evidenciar que en el proceso de montaje los significados son susceptibles de ser fabricados, expuestos y comunicados. Aprender a identificar la significación del objeto para articular un guión expositivo y familiarizarse con conceptos museográficos como la manipulación y el cuidado de las obras.

La ciudad y el espacio público se van a abordar como experiencia espacial y discursiva. Por ello el método a seguir es: 1. análisis y la reflexión sobre casos en que se establece una relación arte y espacio público. 2. Ejercicios y experiencias de intervención en el centro de Bogotá. 3. Desarrollo de una propuesta de intervención en el espacio público.

Se trabaja en torno a la noción de “lugar” en la ciudad. Es decir, en torno a su relación con la memoria, el patrimonio y construcción de públicos. Igualmente se verá cómo la intervención como alteración de flujos en el espacio público así como la ciudad como espacio de encuentro y conversación.

El curso tiene carácter práctico. Por ello se plantearán diversos ejercicios e intervenciones en lugares como el cruce de la carrera séptima con avenida Jiménez, el Parque de la Independencia y algunos monumentos no formales del centro de la ciudad.

Estudiar el mercado y el mundo del arte consiste en analizar cómo y donde ocurren las transacciones de las obras y quienes son los actores que animan esta escena.

El curso de Arte y Mercado propone a los estudiantes familiarizarse con sus especificidades y en particular con el mercado del arte contemporáneo. En efecto, el mercado del arte contemporáneo es un asunto de actualidad, espinoso, controvertido y, aunque hasta ahora está emergiendo en Colombia, tiene un impacto particular y concreto.

Por otra parte, ese curso propone a los estudiantes la comprensión de la dinámica del mercado del arte en su naturaleza proteiforme, con el fin de entender la sinergía de los diferentes actores y descifrar la lógica propia de este mercado. Mundialización, oferta y demanda, formación del valor artístico y creación de precio, fenómeno de especulación, “Star system”, coleccionismo, entre otros, serán los temas que se desarrollaran.

El taller elude la posibilidad de enseñanza y se centra en la experiencia del aprendizaje. Busca generar una práctica de la escritura centrada en la subjetividad y quiere despojar de pretensiones el ejercicio de teclear o garabatear sobre una hoja en blanco, sea real o virtual.

Este curso tiene como objeto explorar y recorrer estas exposiciones, conversar con sus artistas, curadores, críticos y otros actores del medio del arte. El curso tendrá como invitados 12 curadores y artistas de estos eventos, quienes dialogarán sobre su trabajo, la exposición y el proyecto curatorial. El curso tendrá una plataforma on line donde se publicarán entrevistas, opiniones y relatos de las visitas a las exposiciones.

El auge de la publicación digital, las plataformas de medios en línea, y los dispositivos móviles ha cambiado radicalmente la manera en que se ve la información, el arte y la cultura hoy en día -y a la vez ha inspirado nuevos usos e interpretaciones de los medios impresos. Artistas y productores culturales en diferentes partes del mundo están experimentando activamente con prácticas de publicación alternativas que evocan memorias análogas, documentan críticamente el presente, o reformulan el futuro del medio. Estas dinámicas contemporáneas examinan la sostenibilidad del medio impreso, proponen ejercicios de participación mediada y configuran nuevos espacios sociales para la difusión e intercambio de ideas.

Al tiempo que se aprecia la experimentación avanzada, al taller de Publicaciones le interesa el ejercicio de la escritura como vehículo de pensamiento y consignación de ideas. Por esto, el segundo componente del taller estará enfocado a usar las destrezas ejercitadas en las primeras semanas para configurar en grupo una publicación impresa con desarrollo temático.

El Arte y el Vestido es un seminario-taller para quienes quieran experimentar con formas alternativas de conceptualizar el diseño de vestuario. Hacer un vestido es esencialmente modelar un cuerpo, su naturaleza y sus posibilidades de movimiento y de relación con un contexto espacial y también social. Para este trabajo, ampliar la definición que se tiene del cuerpo para el que se diseña resulta en una ampliación también del campo de la reflexión y de la imaginación sobre el vestido y sobre el cuerpo. Y es en esta perspectiva del diseño donde convergen el Arte y el Vestido.

A partir de la exposición en el curso de temas como “Ropas sensoriales”, “El vestido como espacio flexible”, “El Surrealismo y la Moda”, “El vestido como hábitat”, “Estereotipos y permutaciones” , “El cuerpo desorganizado” , “El vestido como signo” y “Vestidos Reciclados”; los estudiantes explorarán conceptos y posibilidades para realizar un trabajo experimental de acuerdo a sus intereses y expresiones artísticas personales. Su aproximación al vestido podrá desarrollarse desde diversos medios de expresión como dibujo, fotografía y ensamblaje o directamente como producción de vestuario.

Esta asignatura busca una conciencia de la corporeidad a partir del autorreconocimiento, la memoria corporal, la respiración, el control de la energía en el tiempo/espacio, el reconocimiento de las emociones básicas en un plano físico, la inserción de un trabajo orgánico con lenguajes corporales a partir del estudio del performance y el arte de acción, la antropología teatral, el teatro postdramático, la voz, la presencia, etc.

Se busca desde la experiencia a través del cuerpo un vínculo directo con otras prácticas artísticas como la danza, la música, el teatro, el video, la instalación, el arte sonoro, la fotografía entre otros. El cuerpo en este curso es mediador de la imagen a partir de un proceso consciente en la propia práctica y el registro.

El curso permite al estudiante a comprender y aprehender, a través del dibujo, la posibilidad de concentrarse y tener más conciencia de sus diferentes estados; como sentir, escuchar y ver. Con esta herramienta, el dibujo sumi-e podrá escuchar el silencio, desconectarse de su entorno e introducir esta misma a sus actividades cotidianas.

Adicionalmente, el taller se articulara con el chi-kung. Con estos conocimientos se adquiere un espíritu positivo, por lo que el participante tiene la posibilidad de alcanzar una mayor conciencia de sí mismo, entrar en las profundidades de su ser y descubrir sus capacidades en las dimensiones espirituales, psicológicas y físicas.

El curso examina maneras diferentes y divergentes de fijar conceptualmente las características específicas de una imagen cinematográfica "pura" a través de dos dos puntos de vista desde los cuales es posible forjar un concepto de cinematograma "puro": el punto de vista de quien lo percibe, y el punto de vista de quien lo produce. Discutiremos textos de Benjamin y Bresson en defensa de la complicidad entre la pureza cinematográfica y la pureza de la acción repetitiva e irracional; textos de Snow, Conrad, Sharits y Frampton en defensa de una estrategia técnica y teórica radical del cine sin representación; textos de Deleuze y Rancière en defensa de un concepto pluralista y mestizo del cinematograma y de su historia.

Al tiempo que introduce los principales ejes teóricos y de debate que guían la gestión cultural a nivel internacional, esta materia busca desarrollar en los alumnos, desde la práctica y el contexto local, las competencias y las herramientas fundamentales para la proposición, gestión y evaluación de proyectos culturales desde una óptica crítica y propia.

Al tiempo que introduce los principales ejes teóricos y de debate que guían la gestión cultural a nivel internacional, esta materia busca desarrollar en los alumnos, desde la práctica y el contexto local, las competencias y las herramientas fundamentales para la proposición, gestión y evaluación de proyectos culturales desde una óptica crítica y propia

Desde la museología y con un enfoque crítico, esta clase busca aportar un marco histórico y teórico que explique el  por qué y para qué de  estas instituciones dentro de un marco nacional e internacional.

Este curso tiene como objeto proporcionar herramientas para que los estudiantes de arte conozcan qué opciones tienen para financiar sus proyectos, darle visibilidad a sus propuestas, diseñar un portafolio de su trabajo, crear espacios de encuentro y exposición, conocer a qué convocatorias puede aplicar actualmente y qué aspectos son decisivos al aplicar a una convocatoria.

Los materiales de arte sirven como herramientas para la expresión visual de emociones, ideas y puntos de vista. Adicionalmente, el color, la textura, loa forma y las demás cualidades de los materiales de arte provocan impulsos que nos permiten conocernos más profundamente. Este curso explora ambos manejos: el material artístico como herramienta de expresión y el menos explorado camino del material de arte como estímulo de autoconocimiento. Los estudiantes serán introducidos a diversos materiales de arte y serán invitados a expresar, por medio del material, lo que éste los incite a expresar, sin promover juicios estéticos.

El curso pretende que el estudiante aprenda a través de ejercicios específicos las particularidades de una técnica tan sencilla y compleja como la acuarela. El curso guiará al estudiante desde la aplicación del método tradicional, y un empleo correcto de los procesos hasta la exploración de ciertos aspectos de la práctica contemporánea.

El patrimonio cultural cada vez más se consolida como un campo de conocimiento marcado por diferentes problemáticas y tensiones que parten de su definición y que involucra diferentes actores, comunidades e intereses que lo definen. Desde esta perspectiva, el curso pretende introducir al estudiante en las definiciones generales de lo que constituye a nivel internacional y nacional el patrimonio cultural, haciendo especial énfasis en el patrimonio artístico, así como brindar herramientas que le permitan entender las implicaciones y dificultades que tiene el estudio de este tipo de obras y manifestaciones teniendo en cuenta el papel que juega la mirada del historiador del arte como especialista.

Cada vez que alguien se sienta a la mesa está contando la historia de su cultura. Lo que come, la compañía elegida, los utensilios que usa, el espacio de la mesa y la cocina, el tiempo empleado, son el relato más claro de los mestizajes de una región, de los cambios que ha experimentado.

Este curso propone acercarse a la cocina como experiencia artística y social, es decir, como un quehacer que depende más de la cultura, de los hábitos e inclinaciones de un grupo humano que de su mismo entorno o necesidades nutricionales, es por tanto la cocina un escenario político, tanto de convivencia como de conflicto. Se hará un recorrido por la cocina occidental, identificando en ella épocas históricas: una cocina del Renacimiento bastante distanciada de los usos medievales, una barroca, una cocina del siglo XIX que se debate entre los adelantos científicos y el sentimiento romántico y una del siglo XX, que está entre la vanguardia, la investigación y la recuperación de tradiciones ancestrales.

El curso ofrecerá a los estudiantes la experiencia de crear obras visuales a partir de conceptos y temas literarios. El acercamiento comparado entre la literatura y las artes visuales está organizado en torno a problemas claves para el estudio de estos dos lenguajes: la representación en obras de arte y en la literatura; narrativas pictóricas / narrativas literarias;  poéticas y poiéticas. Con estos conceptos y con las herramientas necesarias para el acercamiento al texto literario el estudiante podrá crear obras visuales pero también literarias que se constituyen por medio de imagen y texto, como la literatura infantil, el comic, el libro álbum.

El curso propone un recorrido a través de algunas de las numerosas prácticas artísticas que en la intersección entre el arte, la política y el activismo, se han manifestado en los últimos 30 años. Nociones de estética, participación, comunidad, redes y acción ciudadana que abordan la idea del arte como forma y proceso generador del cambio social.

El curso permite a los estudiantes desarrollar la capacidad de crítica: tener opiniones, interpretaciones y juicios sobre su trabajo y el de los demás. Podrán entender la visión histórica del arte y el gesto, su conceptualizacióny contextualización. Mediante ejercicios, talleres y tutorias los alumnos producirán una practica personal.

A nuestros días han llegado importantes objetos o manifestaciones materiales del hombre, realizados en épocas remotas. Este hecho no es fortuito.  Son muchas las causas que han permitido que hoy en día presenciemos objetos cerámicos milenarios, pinturas rupestres, tapices, murales y un sinnúmero de bienes que hacen parte importante de la historia del hombre.

El presente curso pretende abordar la conservación de una obra de arte, así como las causas que provocan su deterioro y en el caso del patrimonio cultural, su pérdida de valor y significado. Por otro lado, el curso se enfocará en la manera de evitar estos deterioros, particularmente tomando medidas relacionadas con el contexto y su incidencia, apuntando a la comprensión de cuáles son los riesgos y cuidados que se deben tener en la vida de una obra desde su creación, durante sus procesos de exhibición, montaje, manipulación, almacenamiento, embalaje y transporte. 

En ese sentido, se espera que los estudiantes logren un acercamiento a la conservación preventiva, como una forma de actuar y una postura ética de todos los profesionales que tienen relación con las artes y el patrimonio cultural, pero también, que desarrollen los conceptos, conocimientos, metodologías y técnicas propias del campo de la conservación preventiva, desde una perspectiva teórico-práctica.

Los documentales, más allá de retratar la realidad, son manifestaciones culturales que la reelaboran y están inmersos en el contexto y la vida social del director y sus sujetos. En esta medida son tanto el resultado de las decisiones personales del autor, como reflejo del momento histórico y social en el que se encuentra. El film ensayo o documental de ensayo apunta a crear un “cine pensante” en la doble acepción de la expresión: por un lado pensar sobre las sociedades y el ser humano contemporáneo, y por otro, pensar sobre el cine mismo como medio de expresión. Este tipo de documental se distancia del documental tradicional ya que deja de preocuparse por la problemática idea de la representación de la realidad y recorre caminos más decididamente creativos. Son documentales que, más que buscar retratar fielmente la realidad, quieren dejar claro un punto de vista de su autor y explorar las posibilidades expresivas del medio audiovisual.
La frontera entre el documental y la ficción es difusa; recordemos la definición de Bill Nichols del documental como una ficción en nada semejante a las demás; igualmente difusa es la separación entre documental y cine experimental, en la medida en que el primero se hace consciente y se aventura a explorar el medio que usa para la representación. Siguiendo estas líneas, el curso abordará el documental como una forma híbrida que recibe diversas influencias. Durante el semestre se analizarán producciones que, por ser difíciles de clasificar, se han dejado de lado al trazar la historia del documental clásico, pero que ofrecen alternativas interesantes y estimulantes para eso que ha venido a llamarse film ensayo.

Pocas prácticas involucran tan profundamente el sentido y la significación como las que están relacionadas con el arte. Ejercicios como la creación, la curaduría o la crítica implican proponer interpretaciones a otras personas alrededor de conocimientos y capacidades compartidas. Sin embargo, en muchos casos, los mecanismos de significación se desconocen, se estudian muy poco o se asumen irreflexivamente. Este curso se propone discutir cómo las interpretaciones de los demás, en vez de ser misterios individuales inaccesibles, son cosas que se pueden estudiar con el fin de hacer obras, curadurías y críticas mejores y más ricas; que cumplan conscientemente con los propósitos de quien las produce y que tengan resonancia en quienes las reciben. Para eso busca entrelazar los estudios y teorías basadas en la semiótica y las ciencias cognitivas contemporáneas, que centran fuertemente sus disciplinas en averiguar cómo funciona el sentido, con los problemas de la creación y la significación artística.

El curso hará un recorrido por diversos casos históricos donde el arte ha permeando otros espacios y sido un vehículo para llevar a temas individuales, sociales, culturales y políticos. ¿Cuáles fueron las vanguardias artísticas que intuyeron a esta apertura?, ¿En qué momento el arte empieza a estar presente en nuevos contextos como hospitales psiquiátricos, cárceles, centros de servicio social y escenarios de reparación?, ¿Qué factores motivan este uso? ¿Qué roles ocupa el artista en estas transformaciones? A partir de estos interrogantes se invita a los estudiantes a indagar sobre el alcance del recurso artístico, el papel de la creación y el contenido que albergan las imágenes. Los diversos componentes del pensamiento artístico llevan a sentir y comprender aspectos del individuo que de alguna manera nos tocan a todos. Al observar expresiones artísticas en diversos contextos, se pueden ver temas recurrentes y arquetipos comunes a todas las culturas y todos los tiempos; temas que tienden un puente entre lo universal y lo particular, entre lo interno y lo externo, lo visible y lo invisible. Temas que generan relaciones empáticas entre diversos grupos humanos.

Este taller estudia la evolución de las técnicas pictóricas desde un punto de vista científico y técnico. Está dirigido a artista, historiadores, diseñadores y arquitectos con interés en las técnicas pictóricas. 

El conocimiento de la evolución de las técnicas pictóricas desde un punto de vista científico es importante tanto para la comprensión de las obras patrimoniales como para su utilización en el campo de la creación artística.

El curso acerca a los estudiantes al campo del patrimonio cultural a través de tres ejes fundamentales, la investigación, la valoración y la creación a partir de la interpretación del patrimonio con la ejecución de prácticas artísticas. A partir de un enfoque teórico práctico los estudinates trabajarán en laboratorios para la adquisición de herramientas para la creación, la investigación y la difusión del patrimonio cultural.

En la última década, el patrimonio se ha ido desmarcando de las nociones más tradicionales cercanas a la idea de monumento, en las que los objetos y bienes de carácter “cultural” jugaban un rol central en la construcción y legitimación del pasado, amarrado a la conformación moderna de los estados nacionales por parte de unas élites. Considerando que el patrimonio ya no es solamente la objetivación de ciertos valores hegemónicos, es posible comprender por un lado, la diversidad de representaciones consideradas como patrimoniales, y por otro, cómo se ha constituido en un campo problemático de permanente tensión, en cuyo estudio convergen cada vez con más urgencia, diferentes miradas, teorías y métodos de distintas disciplinas. Ante un panorama tan complejo como el que exhibe el patrimonio cultural, el curso pretende acercar a los estudiantes a los conceptos fundamentales y necesarios para la comprensión de qué es y cómo se define, así como al debate actual en torno a la relación que debe establecer el patrimonio con los individuos y las comunidades, haciendo un énfasis en aquellas manifestaciones y bienes que se definen como artísticas, así como en los escenarios – como los museos por ejemplo – en los que se legitima la idea de lo patrimonial. En ese sentido, la asignatura aborda cómo ha sido la evolución de la idea de patrimonio cultural y cuáles son las problemáticas centrales con respecto a su definición, preservación y conservación en el ámbito de las políticas e instituciones culturales a nivel internacional y en el contexto colombiano.

Este taller propone introducir al alumno al quehacer documental mediante herramientas teóricas y prácticas propias de este género. Se introducirá con una reseña histórica del origen del documental, los tipos de investigaciones que existen para configurar personajes y crear universos dramáticos. Se analizarán diversos estilos de documentales. Se trabajará en la estructura narrativa para lograr crear un guion sólido de sus propias historias reales. 

La finalidad de este taller es explorar en la diversidad que se da en la realidad y buscar un punto de vista particular para crear historias con temáticas universales.  La idea es encontrar una mirada original, potenciar a personajes particulares y/o con historias únicas y explorar sus mundos. Mediante este ejercicio se ampliará la mirada como autores y, por consiguiente, la del espectador, abriendo un espacio a la reflexión, a la responsabilidad social de transmitir un mensaje y el diálogo.

Este taller lleva al estudiante a reflexionar sobre los elementos constitutivos del Dibujo como disciplina, explorar medios y formas de dibujar no convencionales y ampliar la noción misma del Dibujo, relacionándola no sólo con la de Estructura, sino con la de Idea. El dibujo es, en últimas, un acto de conciencia. Los ejercicios evolucionarán progresivamente de lo más material y convencionalmente dibujístico (punto y línea) hacia lo más conceptual (el dibujo como idea y como proceso).

Hemos visto tal diversidad de obras nombradas como instalaciones que no resulta muy claro saber con certeza que es o no es una instalación. El género mismo es amplio y se resiste a simples definiciones por lo que resulta enriquecedor adentrarse en las motivaciones, iquietudes y aspectos que hacen de la Instalación una plataforma versatil, agil y sorprendente.

Por ello, se hace necesario en primer lugar revisar la historia del surguimiento del género para entender los motivos que lo hicieron posible y también realizar un estudio de las caracteristicas de la instalación para facilitar su entendimiento y también propiciar un aprovechamiento de las posibilidades que ofrece.

La aparición de la instalación estuvo marcada parcialmente como una respuesta a la concepción modernista de la obra y sus limitaciones objetuales y también como un rechazo al mercado del arte y el énfasis de la obra como objeto de consumo. De tal manera que sus inicios estuvieron marcados por un ánimo vanguardista que entendió y planteó nuevas relaciones entre la obra, el espacio y el espectador. Esta ecuación propone relaciones perceptuales diversas que dependen en buena medida de las características del espacio y de los medios a utilizar. Es así como la noción de especificidad de lugar se hace primordial y recurrente en el entendimiento del género de su versatilidad y flexibilidad.

El curso ofrece un breve recorrido de la historia de libro, partiendo del rollo de papiro de los antiguos egipcios, libros de monasterios cristianos, manuscritos iluminados, la invención de la imprenta, la ilustración para niños del siglo XIX, hasta los libros de artista de las década de los años 80 y 90. Se apreciarán los diferentes materiales y técnicas de elaboración de algunos de estos. El alumno estará en capacidad de reconocer una gran variedad de materiales (papeles, géneros, pieles, etc.). Este taller le da la posibilidad de experimentar y transformar con el fin de crear versiones de libros únicos en su clase. También cabe la posibilidad de alterar y reconstruir libros ya existentes.

El taller busca abrir espacios y posibilidades para la pintura en la mente del estudiante, entendiendo la pintura como un planteamiento bidimensional sujeto a unos límites que los da su propia forma. El curso propone ejercicios que buscan ampliar la idea de la pintura.

El curso se enfoca en que el estudiante explore procesos artísticos que le ayuden a plantear, desarrollar y ejecutar sus trabajos. Se plantea como un taller abierto en el que no se abordarán técnicas específicas, sino que por el contrario cada estudiante deberá encontrar el medio y los procesos que mejor le sirvan para transmitir sus ideas. Al no ser una clase en la que se exploren técnicas o temáticas específicas, el docente se presenta como un acompañante que incentiva y cuestiona al estudiante a partir de sus propias preocupaciones y búsquedas.  Para facilitar el desarrollo de los proyectos se realizarán diversos trabajos que a partir de una reflexión personal le permitirán al estudiante desarrollar sus propuestas apoyándose en la noción de proceso.

El curso consiste en una reflexión creativa  en torno a una pregunta básica ¿qué hace la fotografía frente al paisaje? Esta pregunta supone tanto una reflexión estética y conceptual sobre el entorno como una aproximación profunda y consciente al lenguaje fotográfico y sus posibilidades expresivas. El laboratorio-taller  incluye una reflexión basada en la experiencia directa asociada a  procesos de captura en salidas de campo, como también trabajo de edición, finalización de imágenes y el estudio y comprensión del género del paisaje y sus interpretaciones contemporáneas. 

El fotoperiodismo está comprometido con la realidad, la verdad y la estética. En el siglo XIX, la fotografía era cualquier cosa que los fotógrafos quisieran que fueran, era muy joven para estar sujeta a las definiciones; en el siglo XX las definiciones y distinciones crecieron confinando el genio errático de la fotografía en canales rigurosamente controlados como el documental, el arte, la publicidad, y la moda. Estas definiciones en el siglo XXI han colapsado y una vez más la fotografía es cualquier cosa que los fotografos quieren que sea:verdad objetiva o subjetiva.

Al ser este un curso de profundización se estudiarán diferentes técnicas dentro de la gráfica, poniendo mayor énfasis en la litografía y sus procesos especiales, así como en la fotolitografía y los procesos de color. Propongo la hibridación entre las técnicas con el fin de tener mayores posibilidades creativas y expresivas, así como la experimentación con nuevos soportes y materiales.

El arte y la ciencia se presentan en el el panorama cultural contemporáneo como proyectos opuestos o que, al menos, apuntan en diferentes direcciones. Sin embargo, son varias las características que tienen en común como prácticas de conocimiento: desde valores como la curiosidad, la imaginación y el escepticismo hasta el grado de institucionalización y profesionalización que las rigen hoy, pasando por una larga serie de formas de pensamiento, tecnologías, éticas y procedimientos. Este curso se ocupará de aproximarse a algunas formas de acción y de razonamiento propias de la ciencia que pueden enriquecer una práctica artística contemporánea.

El curso funcionará como un taller práctico cuyo objetivo fundamental será acercar al estudiante a la comprensión de la lógicas y procedimientos de la electrónica como modelos para procesos creativos. Durante el semestre, se desarrollarán proyectos que, a través de recursos electrónicos, se ocupen de problemas de energía e información en relación con el espacio.

En las expresiones artísticas contemporáneas que involucran los nuevos medios, las fronteras entre la producción de un objeto artístico y su potencial narrativo son cada vez menores. Por medio del análisis de ciertas obras y corrientes de pensamiento que se dan desde las mismas artes, el cine, la literatura y los nuevos medios, y que exploran la no linealidad o la multilinealidad como recurso, el estudiante estará en capacidad de comprender y analizar diversas formas de construcción de significado. Simultáneamente adquirirá herramientas técnicas prácticas que permitan la generación de un objeto artístico que explore algunas formas narrativas experimentales y alternativas.

Este curso se plantea como una herramienta clave para el desarrollo de obras audiovisuales dentro delcampo de las artes. Dado que la animación es una técnica altamente versátil que permite una granlibertad creativa, se convierte en un instrumento importante a la hora de llevar a cabo ideas queplanteen preguntas sobre el tiempo y la narrativa. Dar las bases necesarias para lograr manejar demanera fluida y acertada la técnica de la animación, así como generar un concepto sólido que justifiquesu implementación, será el objetivo principal de esta asignatura. Permanentemente habrá un ejercicioactivo de retroalimentación y análisis tanto de obras de artistas animadores de alta calidad como deejercicios y proyectos de los mismos estudiantes.

Este taller teórico-práctico explora el problema de las distintas manifestaciones e intersecciones entre los Medios Electrónicos y las Artes del Tiempo. Entre otros temas puede tratar la narrativa en los medios audiovisuales y el performance, exploración experimental de distintos géneros audiovisuales a partir de puestas en escena y producción de guiones, la relación entre acciones y tecnología, experimentación con programas de computador que permitan la manipulación de audio y video en tiempo real, etc.

El curso  propicia el encuentro de procesos intermediales entre  performatividad y sonido. Toda presentación en vivo de un interprete sonoro tiene implicaciones preformativas en la relación entre el cuerpo, el espacio, los objetos y los oyentes. Dicha relación puede ser trabajada expresiva y simbólicamente.

Por otra parte toda acción preformativa puede ser pensada, codificada e interpretada el tiempo, así como la expresión oral del lenguaje involucra una performatividad directa del cuerpo. El curso explora la potencialidad artística de este campo entre dos medios del tiempo que han estado históricamente en diálogo. 

La comunicación es piedra angular de la sociedad, y con ella marca el paso de la evolución de la humanidad. En la actualidad la electrónica y los medios digitales son cada vez más presentes en nuestras experiencias de vida. Las redes de comunicación son cada vez más integradas y globales.

La tecnología se está convirtiendo en mediador de nuestro entretenimiento, nuestros círculos sociales, y en realidad prácticamente cualquier aspecto de nuestras vidas. ¿Qué impacto tiene esto sobre nuestras vidas, nuestras libertades, y el futuro? ¿Qué papel del representa el artista en este contexto?

Redes y contextos es un espacio donde los estudiantes exploran los orígenes y el futuro de las redes digitales y pensar cómo el Internet y otras tecnologías han cambiado nuestra forma de trabajar y relacionarnos. El curso expone algunas de las herramientas y tecnologías que conforman éste universo para dar al artista una plataforma más sólida en ésta era digital.

El curso propone una exploración del vídeo como tecnología de la memoria y al mismo tiempo una indagación general del rol de los procesos de la memoria en la creación artística. El trabajo de construcción de la memoria personal o colectiva es complejo y no implica tan solo una relación retrospectiva o nostálgica en relación con los eventos del pasado. Los procesos que involucran la captación de los eventos del presente y su traducción en documentos de la memoria no se detienen en el registro técnico de la misma, sino que involucran activamente en su construcción a la subjetividad. Toda obra artística de hecho ya es un documento de una memoria estética. Los procesos de creación reinventan el pasado y lo actualizan constantemente en el presente.  El curso busca explorar la encrucijada vital y activa de la creación de la memoria que yuxtapone los lugares, las personas, los objetos, las situaciones y los tiempos en la experiencia transformativa de la creación.

Durante el curso se explorará tanto técnica como conceptualmente la creación de objetos interactivos que a partir de la noción de ensamblaje, sean autónomos en su operación pero que reaccionene a la intervención humana, del ambiente y de otros objuetos similares para craer redes compuestas por objetos y personas. El curso utilizará las plataformas de desarrollo de softwarw Processing y hardware Wiring/Arduino/Fritzing, se abordará el desarrollo de hardware específico para el control de sensores y actuadores que serían interconectados via protocolo serial para interactuar con otros objetos similares.

Los ejercicios prácticos y conceptuales otorgarán al participante herramientas para generar una posición crítica frente a la creación artística con tecnología enfocada a la generación de experiencias interactivas haciendo especial énfasis en la necesidad de reconocer el contexto social, económico político en el cual se enmarca esta práctica.

Este taller busca centrarse en la producción autónoma de obra del estudiante y sus procesos de creación sin que ésta sea conducida por ejercicios propuestos por el profesor. Cada estudiante diseñará su propia clase de acuerdo a la ruta de experiencias que desea explorar durante el semestre en relación a su obra en marcha en un sistema de asesoría individual.
El taller es receptivo a estudiantes provenientes de cualquier tradición creativa (plásticas, literatura, teatro, música, medios audiovisuales, sonido, performance, artes electrónicas, etc) que estén dispuestos a explorar experimentalmente procesos híbridos que involucren su propia obra en un contexto de artes del tiempo. Esto significa que su proceso incluirá necesariamente una experimentación transversal que involucre directamente o de manera procesual o metafórica, el video, el sonido, las acciones o los medios electrónicos con los otros medios que ha cultivado tradicionalmente. A manera de referencia y estímulo imaginativo, diversos conjuntos temáticos formarán parte de la discusión en el taller como por ejemplo: la creación como mito de los comienzos, la creación como mediación subjetiva y técnica de autotransformación, la creación artística como advenimiento y aparición, la creación artística como percepto, la creación artística como cruce de caminos, la creación artística como sustituto o excedente de lo real y la creación artística como imposibilidad realizada entre otros.

Las nuevas tecnologías generan un panorama complejo y diverso que por su misma definición interdisciplinaria, no debe ser analizado únicamente desde la perspectiva de la plástica, sino también desde otras disciplinas como el diseño, la arquitectura, el cine, la música, la comunicación, etc. Lenguajes, objetos, espacios, entre otros, los cuales comprendemos como nuevos, son hibridaciones y mutaciones de conceptos que han acompañado el desarrollo de las expresiones socioculturales a lo largo de la historia. El curso explora el nacimiento y evolución de los nuevos medios y las teorías que han nacido en torno a ellos, así como también ciertos lenguajes, proyectos y objetos mas representativos; produciendo análisis, estudios y ensayos que puedan aportar soluciones al paradigma, qué son nuevos los medios?

El curso es un taller de escritura de textos con el principal ánimo de ser publicados en páginas de internet y-o en formato impreso. En el taller se estudiará el sentido de la palabra “publicación” con relación al contexto académico donde sucede el curso, es decir en un departamento de arte de una universidad privada.

Los estudiantes escribirán varios textos a lo largo del semestre. El taller está pensado de modo que los estudiantes se nutran de los procesos de cada integrante, generando un sentimiento de grupo y propiciando un espacio para la discusión de la materia de estudio sobre la cual se escribe, de los textos en si mismos, del contexto en el que circulan y del autor, en sus coordenadas específicas.

Este curso pretende proporcionar herramientas teóricas y prácticas para abordar problemas inherentes a la construcción de narrativas y discursos en torno al arte y su historia. Para esta clase en particular, se explorarán dos alternativas diferentes pero complementarias: la práctica curatorial y el archivo. Ambas alternativas permiten transmitir ideas y construir discursos, por tanto una u otra le permiten a los estudiantes identificar y aplicar medios apropiados, creativos y estructurados para el desarrollo y presentación de sus proyectos. 

Los estudiantes se enfrentan al reto de comprender diferentes procesos artísticos. Se trata de unespacio abierto a todos los estudiantes del departamento de Arte donde será posible desarrollar proyectos en cualquier medio -plástico, audiovisual electrónico, producción, mediación, interpretación- con criterios amplios de concentración y autonomía.

El curso introduce a la lectura de teorías recientes acerca del arte, provenientes del ámbito postanalítico. Los estudiantes podrán reflexionar acerca de las posibilidades que poseen algunas disciplinas estéticas y algunas influencias externas al mundo del arte cuando ocasionan “políticas” en el mundo del arte (se trata de la economía, la política, la crítica de arte, la curaduría, las teorías).

Los alumnos estarán en capacidad de reconstruir críticamente los modelos teóricos y los conjuntos de creencias de sentido común que se consideran usualmente como determinantes de políticas del arte. Así mismo podrán  analizar las convicciones que han determinado tradicionalmente la concepción corriente acerca de qué significa “arte” cuando se entiende en la contraposición “arte” y “arte de masas”.

El curso está orientado a analizar las particulares condiciones tanto históricas como a-históricas propias de un artista, profundizando en factores creativos cuya lógica establece nuevos códigos y estrategias perceptivas al interior de una sensibilidad contemporánea. Revisar el arte a partir de la práctica de un artista, permite evidenciar las características de un arte que pertenece a su tiempo pero que se diferencia del espíritu de su época en las condiciones particulares de su espacio mental.

El curso está concebido como un espacio de reflexión teórica y ejercicio práctico en torno al concepto de archivo y sus múltiples apropiaciones en las prácticas artísticas de creación, curaduría e investigación en historia del arte. Las aplicaciones prácticas serán desarrolladas en torno al Banco de Archivos Digitales de Arte, proyecto que adelanta el Departamento de Arte, el cual es una plataforma que documenta y conserva registros de obras de arte colombiano del siglo XIX hasta el presente. A lo largo del curso se hará un análisis histórico de la creación de colecciones y de archivos, y de los cambios de paradigmas que ha generado el proceso de digitalización en distintas instituciones (bibliotecas, museos y universidades).El curso propone dinámicas de trabajo individual y colectivo que avancen en los procesos de archivo y enriquezcan el proyecto del Banco de Archivos Digitales de Arte; así mismo, profundizará en modelos de investigación y creación que impliquen ejercicios de análisis, interpretación y apropiación del archivo mediante textos, propuestas curatoriales o gestión de eventos de discusión.  El curso ofrece herramientas para acercarse de manera crítica a la producción artística moderna y contemporánea en Colombia, así como a los recursos de conservación y divulgación de acervos, y sus formas de ser consultados e interpretados.

El curso propone un entorno de producción colaborativa en el que se investigan diversas técnicas y procesos de procesos de impresión, se examinan referentes históricos y se  experimenta con las diferentes formas que componen el campo expandido de la publicación contemporánea. A través de proyectos prácticos se propondrán enfoques alternativos de impresión, producción cultural, circulación mientras se discuten temas como la autoría, la piratería, la reproducción, la difusión, el intercambio y la participación.

En la primera parte de este curso se analizan las grandes exposiciones como plataformas discursivas. Se hace un breve repaso al nacimiento de este tipo de muestras como eventos que buscan representar el progreso de una nación (Exposiciones Universales como fantasmagoría urbana), el sentido de los primeros salones y bienales, así como la creciente proliferación de bienales. En la segunda parte, se revisarán bienales y salones a través de curadores y artistas invitados. Al final, se trabajarán proyectos puntuales con los salones regionales en curso: Museo Efímero del Olvido y la Escuela de Garaje.

 

A partir de la colaboración entre estudiantes y profesores de Arte y Derecho se hacen actividades e intervenciones con la población reclusa y diferentes actores del sistema penitenciario y carcelario. Así, se busca visibilizar diferentes situaciones de la vida carcelaria y contribuir al mejoramiento de las condiciones de vida, a la protección de los derechos y a ampliar la percepción que se tiene sobre este grupo humano. El medio destacado para difundir los contenidos son una fotonovela que se trabaja con el Grupo de Teatro Abrakadabra del Establecimiento Carcelario La Modelo.

La sociedad tiende a encasillar a la gente en categorías que estigmatizan y refuerzan la exclusión. El arte es una herramienta poderosa para aproximarse a estas realidades y ser un motor de transformación social. Este curso, dirigido por PARCES ONG, invita a los y las estudiantes a sacar su arte de la galería y ser agentes de cambio en diferentes contextos. A través de metodologías participativas, la clase implementa herramientas teóricas, practicas y experienciales que tengan un impacto social y generen cambios en las diferentes formas de ver el mundo.

A partir de la colaboración entre estudiantes y profesores de Arte y Derecho se hacen actividades e intervenciones con la población reclusa y diferentes actores del sistema penitenciario y carcelario. Así, se busca visibilizar diferentes situaciones de la vida carcelaria y contribuir al mejoramiento de las condiciones de vida, a la protección de los derechos y a ampliar la percepción que se tiene sobre este grupo humano. El medio destacado para difundir los contenidos son una fotonovela que se trabaja con el Grupo de Teatro Abrakadabra del Establecimiento Carcelario La Modelo.

En el siglo XVIII en el viejo continente, puntualmente en Alemania, en el municipio de Gotinga, se decide sustituir la palabra cátedra por la palabra seminario. Esto con el fin de demostrar que investigar y aprender no necesitan de un intermediario, pues un seminario es en esencia un grupo de personas que se enseña cosas los unos a los otros. Bajo este espíritu, este seminario se plantea como un grupo de aprendizaje activo donde los participantes no reciben ni entregan información elaborada, sino que la buscan y elaboran juntos en un ambiente de colaboración. El seminario abordará desde un aspecto teórico la relación entre el formato curatorial y sus potenciales prácticas colaborativas. Puntualmente, estableceremos si las prácticas colaborativas pueden estar conectadas con el surgimiento de la figura del curador como autor al final de los años 60s, un cambio indicado no solo por la aparición de la exposición como un medio, un género en sus propios términos, sino por la configuración de la exposición colectiva donde la colaboración entre artista y curador está basada en su posición autoral compartida. En este sentido, se intentará desdibujar la figura autoral del curador para potenciar y especular sobre el arte de participación no limitándose a esta, sino dándose el permiso de reflexionar e identificar diferentes tipos de prácticas curatoriales. Especular, meditar, pensar en voz alta son actividades propias de la formación académica y del pensamiento crítico que serán altamente valoradas durante el curso.

El trabajo colaborativo de estudiantes y profesores de Arte y Derecho realiza actividades con la población reclusa . El curso buscae visibilizar diferentes situaciones de la vida carcelaria y contribuir al mejoramiento de las condiciones de vida, a la protección de los derechos y a ampliar la percepción que se tiene sobre este grupo humano.

El espacio de los cursos de Anteproyecto y Proyecto Final de Grado plantea una posible inversión de roles: el estudiante dirige el sentido de la clase y los profesores son sus lectores atentos (o asesores). Estos dos cursos comprenden un periodo de trabajo de un año, son un espacio académico que desborda la temporalidad del semestre y trasciende los objetivos precisos de una materia, un maestro o un área. El trabajo no está destinado a circular dentro de una clase, bajo la mirada de un único profesor o limitado a una entrega parcial: está destinado a ser un hecho público

El espacio de los cursos de Anteproyecto y Proyecto Final de Grado plantea una posible inversión de roles: el estudiante dirige el sentido de la clase y los profesores son sus lectores atentos (o asesores). Estos dos cursos comprenden un periodo de trabajo de un año, son un espacio académico que desborda la temporalidad del semestre y trasciende los objetivos precisos de una materia, un maestro o un área. El trabajo no está destinado a circular dentro de una clase, bajo la mirada de un único profesor o limitado a una entrega parcial: está destinado a ser un hecho público. Los cursos de Anteproyecto y Proyecto Final de Grado son un pretexto para que el estudiante haga un balance de su trayectoria y, a partir de su trabajo, muestre conciencia de adquisición de conocimientos, de exposición pública y de debate. 

Inscripción a Grado

Práctica formativa que le da la oportunidad al estudiante de trabajar en instituciones de carácter cultural. Los estudiantes podrán elegir entre una oferta de instituciones y asociaciones nacionales elegidas por Centro de Trayectoria Profesional de la Universidad. Tiene una duración de cuatro meses y una intensidad de 12 horas semanales.

Los estudiantes realizan prácticas investigativas directamente en una institución museal o educativa

Los estudiantes realizan prácticas de medio tiempo o tiempo completo directamente en una institución pública o privada.

Práctica formativa que le da la oportunidad al estudiante de trabajar en instituciones de carácter cultural. Los estudiantes podrán elegir entre una oferta de instituciones y asociaciones nacionales elegidas por el Departamento de Arte. Tiene una duración de cuatro meses y una intensidad de 12 horas semanales. Se puede cursar simultáneamente con otras materas.