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El patrimonio cultural cada vez más se consolida como un campo de conocimiento marcado por diferentes problemáticas y tensiones que parten de su definición y que involucra actores, comunidades e intereses que lo componen. Desde esta perspectiva, el curso pretende introducir al estudiante en las definiciones generales de lo que constituye a nivel internacional y nacional el patrimonio cultural, así como brindar herramientas que le permitan entender las implicaciones y dificultades que tiene el estudio de estas manifestaciones culturales teniendo en cuenta el papel que juegan las diferentes disciplinas y áreas de conocimiento en su estudio y valoración.

EL curso capacita al estudiante en la correcta utilización de equipos y las herramientas y de acuerdo con las normas de seguridad industrial y salud ocupacional y el reglamento a cada taller y laboratorio del Departamento.

EL curso capacita al estudiante en la correcta utilización de equipos  audiovisuales y su principio de funcionamiento básico.

EL curso capacita al estudiante en la correcta utilización de equipos  audiovisuales y su principio de funcionamiento avanzado.

El curso busca introducir a los participantes en las técnicas y destrezas del Torno Cerámico tales como el amasado, centrado, elevación de paredes, construcción de cilindros, conos, ánforas y formas abiertas, pegues y uniones, decoraciones exteriores, asas y tapas; simultáneamente, el programa abordará herramientas de DISEÑO y de orden conceptual que faculten la creación de piezas únicas en que se supere el aspecto utilitario hacia intereses artísticos y escultóricos.

El curso busca sensibilizar al estudiante respecto a la cerámica como medio de expresión artística y se dan a conocer los procesos técnicos básicos que permiten el desarrollo de procesos creativos para la construcción de proyectos individuales. El conocimiento del adecuado manejo del material, que obedece a dinámicas propias, se trabaja paralelamente a la planeación, el DISEÑO y el desarrollo conceptual. La temática conductora del curso es "El poder de transformación de los cuatro elementos: tierra, agua, aire y fuego" que sirve como punto de reflexión e investigación conceptual para la realización de propuestas plásticas.  

El curso explora de forma teórico-práctica la producción y lectura de la imagen fotográfica, buscando el dominio y el conocimiento de los principios del equipo fotográfico, las técnicas de revelado y la ampliación en blanco y negro. Así mismo, se analizará el efecto de la invención de la fotografía en diversas áreas de conocimiento.

El curso pretende abordar el fenómeno de la cultura visual contemporánea desde la visión fotográfica. Se trata de visitar los “lugares comunes” que la fotografía ha logrado instaurar en nuestra percepción de imágenes y aquellos que hoy se están gestando, las nuevas formas de ver el mundo que la superficie sensible ha creado, y que ya nos resultan tan habituales como nuestra propia visión. Cada uno de los "lugares comunes" se despliega a través de la historia y la actualidad de la práctica fotográfica recogiendo ejemplos, autores e imágenes. Se abre así un panorama de reflexión que abarca desde la fotografía de familia, la fotografía de prensa, los experimentos del arte contemporáneo, los usos científicos hasta los acontecimientos visuales en los medios y las creaciones de la imagen digital.

Este curso se propone hacer un recorrido cronológico por diferentes épocas y contextos de la historia del arte en los que el hombre se ha ocupado de manera especial en la representación del animal. Desde el propio nacimiento del arte rupestre paleolítico hasta las recientes experiencias y manipulaciones biogenéticas por parte de algunos artistas, más que agotar la infinidad de ejemplos, se trata de reflexionar sobre las diferentes miradas y motivaciones que conforman la imaginería animalista en el arte. Rito, mito, símbolo, ciencia, contemplación, explotación, identidad y alteridad se cruzan a lo largo y ancho de esta historia que va consignando la estrecha y tortuosa relación humana con los animales.

El eje central será la representación del cuerpo humano y su importancia a lo largo de la historia del arte y en diferentes culturas. A partir de esta revisión histórica el estudiante desarrolla su proyecto creativo el cual se apoya en lecturas seleccionadas. A nivel técnico, se consolidan los conocimientos adquiridos en el primer nivel y se profundizará en los acabados y superficies

El taller es un espacio para la comprensión, la reflexión práctica y la creación en torno al elemento que está en la base misma de la práctica fotográfica, a saber, la luz. Se ofrece al estudiante la posibilidad de utilizar sus conocimientos básicos para entender el problema de la luz como núcleo fundamental de la imagen fotográfica. A partir de este eje conceptual el estudiante emprende a lo largo de la asignatura un conocimiento profundo del lenguaje fotográfico, a la vez que reflexiona y experimenta en torno a sus formas de expresión y sus posibilidades. Además de los conceptos iniciales de manejo de luz natural y luz artificial, se ofrece un primer acercamiento a procesos experimentales, técnicas de estudio y de iluminación y uso del color. Todo esto acompañado de una reflexión conceptual dirigida a incrementar las habilidades de apreciación visual y percepción del papel de la luz en la estética de la imagen fotográfica.

El curso aborda problemas inherentes al pensamiento plástico bidimensional, fundamentalmente en lo que tiene que ver con dibujo y composición.
El dibujo es tanto una actividad como una forma de pensamiento que está presente en la base de todo proyecto bidimensional y es el origen y procedimiento más inmediato de la mayoría de los proyectos artísticos. El taller sensibiliza al estudiante a la práctica del dibujo, a través de ejercicios que consideren sus elementos fundamentales y que proyecten su aplicación al dibujo perceptual y/o representacional, que se puede hacer extensivo hasta cierto punto a todo el pensamiento bidimensional.

El taller está dividido en dos módulo: uno bidimensional y otro tridimensional pero ambos mantiene un dialogo paralelo con el módulo bidimensional que conforma la otra parte del Taller Básico.
El taller pretende ser una guía que ayude al estudiante a comprender y explorar varios de los senderos que hoy por hoy ofrece el lenguaje tridimensional dentro de las artes visuales.

El taller tiene como soporte lo digital. El estudiante aprenderá a administrar y manejar los recursos de manejo digital de la imagen, a administrar el color de sus fotos y a corregir errores que haya tenido en la toma o daños del material. También aprenderá a delimitar y desarrollar proyectos de fotografía documental y reportería, a buscar el momento decisivo en sus fotos, seleccionar el material, editarlo y presentarlo como un resultado final.

A través de ejercicios específicos, el estudiante enfrente y resuelva problemas de percepción, representación, escalas y composición inherentes al mundo de la ilustración científica. El curso introduce y enseña algunas de las técnicas y procedimientos indispensables para representar diferentes tipos de especímenes. El estudiante podrá reconocer la importancia de la ilustración científica en el estudio de las ciencias naturales y dimensionar el potencial que esta herramienta posee para hacer visible información que de otra manera sería casi imposible de mostrar.

Se ofrece, a través de recorridos por imágenes, un panorama de la actividad pictórica mundial desde mediados del siglo XX hasta nuestros días, reconociendo algunas de las ciudades de importancia para esta actividad artística así como de sus lógicas visuales generales.

Siendo la pintura un arte injustamente condenado a firmar su acta de defunción varias veces, su incapacidad para morir resulta asombrosa, más aun en la llamada era digital, rodeada de medios que le compiten tratando de igualar su capacidad de transmitir la temperatura, de hacer virtualmente posible percibir lo tangible y lo táctil de las cosas, fenómenos y personas del mundo. Lo cierto es que la pintura fue y es la reina de las artes, desde la época de las cavernas hasta su amplia práctica actual en la forma de Pintura automática, Pintura provisional o Pintura portátil– pasando por su liderazgo en la jerarquía de las academias de arte desde la época de Luis XIV hasta la llamada pintura Internacional o Apropiacionismo de hoy.

La teoría del arte surgida después del Formalismo trató de ver en la pintura una trampa que impedía la relación directa con el mundo y con el propio cuerpo del espectador de obras de arte, hasta el punto de enceguecerlo y excluirlo como sujeto contemplador. Con el tiempo hemos visto la ingenuidad de esta postura teórica –todavía tan influyente-, pues el propio cuerpo humano ¡tiene ojos! y el fenómeno visual implica la capacidad de visualizar, de percibir virtualidades que también son parte de la experiencia del cuerpo. Peor aún: la cultura mediática, totalmente virtualizada y ubicua es, simultáneamente, la experiencia pictórica más intensa del yo que conocemos.

Este curso consiste en una serie de charlas y proyecciones que rastrean la animación desde sus comienzos silenciosos a principios de 1900 al complejo panorama audiovisual contemporáneo. De cortos a largos, de lo comercial a lo artístico, de lo análogo a lo digital, esta clase examinará la evolución de la animación como medio de expresión y también analizará su impacto social, en especial la distorsión de lo que se considera “real”. Los estudiantes explorarán el trabajo de varios animadores y sus técnicas a través de ejercicios básicos “hands-on”.

El curso hace una introducción a estudiantes de arte a la ilustración como práctica profesional, entendida como un ejercicio de comunicación visual para proyectos de iniciativa personal o de aplicación comercial. A tarvés de la experimentación técnica más intuitiva, en diálogo permanente con un pensamiento visual y crítico, se intenta que cada estudiante pueda encontrar o afianzar su voz personal, reflejando una posición frente al mundo, que parta de un reconocimiento o apropación de lo local.

El curso se interesa en la evolución de la imagen fotográfica, como nuevo régimen de representación, visión y visibilidad del mundo a partir del siglo XIX. Se trata de abordar distintas problemáticas de la historia de la fotografía que condicionan tanto nuestras relaciones de uso y de percepción de la imagen, como la constitución del imaginario colectivo. El curso se articula alrededor de tres temáticas: las relaciones del poder con el medio fotográfico, la constitución de una práctica artística de la imagen fotosensible y el uso estratégico de la fotografía.

El curso permite  reconocer y  familiarizarse con los materiales involucrados en la preparación de los diferentes acabados cerámicos y la experimentación para llegar a la complementación de lenguajes plásticos que marcan un camino valido y posible para la realización y materialización de proyectos. La cerámica, considerada y re-posicionada dentro de los lenguajes plásticos contemporáneos, justifica el fortalecimiento de la  opción y parte de esto es el dominio y apropiación de los materiales involucrados en los procesos.

Una de las expectativas de los estudiantes de arte es la de encontrar soluciones técnicas para producir objetos tridimensionales. En nuestro contexto, las opciones de materiales en el mercado son muy limitadas. Supliendo esta carencia, el taller ofrece diferentes soluciones para alumnos de los talleres de tres  dimensiones que tengan la necesidad de experimentar con materiales y procesos de tecnologías contemporáneas. El curso propone una revisión de técnicas avanzadas de producción de moldes y vaciados en resinas más fáciles de usar y de menor toxicidad.

La tierra, más allá de ser el lugar físico en el cual surgieron y florecieron las culturas andinas fue la aliada natural de los pueblos. En ella dejaron las huellas a través de las cuales hemos podido conocer y comprender el destacado nivel de las culturas que fueron diezmadas con la invasión española.  El barro y la arcilla fueron la base de su cultura material; a través de este curso reconoceremos la tierra, el barro, el adobe y la cerámica siempre presentes en la historia de los Andes.  En un amplio y variado recorrido  partiendo de Lima, donde visitaremos colecciones de cerámica pre-colombina y talleres de ceramistas contemporáneos, y pasando por diferentes puntos arqueológicos clave de la Costa Norte peruana como Caral, Sechín y Chan-Chan, daremos una nueva y enriquecedora mirada al barro desde la historia, la antropología y el arte.  Esta observación cuidadosa, sin duda, refrescará la apreciación de nuestras culturas ancestrales y del barro mismo como el más humilde y a la vez poderoso de los elementos por su condición plástica y transformadora, de amplio espectro en su uso y aplicaciones.

El curso desarrolla en los estudiantes la capacidad de leer y decodificar imágenes y sonidos así como alfabetizar audiovisualmente a los estudiantes para que puedan ejercer con criterio su rol de espectador. Ofrece herramientas para que los alumnos puedan expresar ideas completas comparando las imágenes unitarias a las palabras y enseñándoles a crear frases audiovisuales mediante el concepto del montaje.

Por medio de un recorrido a través del fin de la modernidad y sus repercusiones; las vanguardias artísticas de finales del siglo XIX y principios del siglo XX, las teorías post-estructuralistas, la aparición y expansión de los medios masivos de comunicación, el triunfo de la alta tecnología en la década del ochenta y el reino de lo digital surgido en los noventa, se buscará la comprensión de estos modelos de pensamiento y expresión que enmarcan la cultura contemporánea.

 El Taller del Tiempo tiene como objetivo general la introducción práctica a una estética del tiempo en las artes. Explora procesos de creación en medios basados en la duración temporal y tiene como objetivo específico la experimentación intermedial entre ellos. Consta de dos módulos. El primer módulo parte de una introducción a los fundamentos del arte sonoro y sus formas de estructuración temporal. El segundo introduce al estudiante a experiencias estéticas basadas en transportes de significación poética en el tiempo haciendo énfasis en la noción de montaje aplicable tanto a la creación de secuencias audiovisuales como performativas

El taller de expresión experimental tiene como objetivo introducir a los estudiantes a formas de expresión con medios electrónicos a través de propuestas experimentales de narración e interacción. Se utilizarán, entre otras, herramientas audiovisuales, de conexión y virtuales que además podrán oscilar entre alta y baja tecnología. la reflexión sobre estos procesos técnicos sobrepasa el nivel puramente técnico para que el estudiante lo explore como medio de expresión.

Es un curso dedicado a generar conocimiento y reflexión sobre la historia del cine colombiano, entendido como una tradición que en su recorrido ha configurado un relato sobre el país. Dentro del curso, el cine colombiano se asume como un cruce de prácticas que involucra componentes artísticos, económicos y sociales relacionados con la historia del país, pero al mismo tiempo provisto de un desarrollo particular y específico.

Es indudable que estamos en una era audiovisual. El cine es uno de los medios de comunicación más influyentes en la cultura contemporánea. El advenimiento de la televisión y del video como formas comunicativas más próximas a la cotidianidad, en vez de relegarlo a un segundo plano, le han otorgado una nueva dimensión y han dotado de un mayor alcance al lenguaje audiovisual.
Por su parte, una buena parte de los productos audiovisuales son narrativos, es decir, constituyen un relato, y como tales, tienen unas reglas propias para ser realizados. Si bien su estatuto narrativo institucional parte de la estructura y la forma de la novela decimonónica, en su consolidación como nuevas artes desarrollan líneas propias de narración. Dichas maneras de narrar devienen de la combinación de diversos factores que, en compleja interdependencia, logran consolidar sellos específicos de tipos de narración. Así, se pueden entender como factores que inciden en un estilo narrativo el uso de los soportes tecnológicos propios de los diferentes formatos cinematográficos y audiovisuales, el tipo de sintaxis dada en el montaje, los diversos usos planimétricos y fotogénicos, las categorías de continuidad narrativa, las jerarquías espaciales, las selecciones musicales, y la misma porción de realidad que se elige para ser filmada, entre otros.

El curso se ocupará de la cuestión del cine en tanto arte, cuya función poética prima sobre la intención industrial y comercial. Para entender el concepto se ahondará en las ideas fundamentales de la estética cinematográfica y se repasará la historia del cine a partir de los movimientos estéticos que le han dado forma.

Tras hacer una introducción acerca del origen del cine, se hablará de la especificidad fílmica, el lenguaje cinematográfico y luego se recorrerán las diferentes corrientes estéticas que han dejado su huella en el campo fílmico, así como sus formas y géneros, sin olvidar sus partes. Se analizarán los nexos necesarios con los movimientos artísticos y los avances tecnológicos que han incidido en estos cambios estéticos.

A partir de la descripción y el análisis, se fomentará el estudio crítico de obras cinematográficas a nivel estético, así como la reflexión acerca de las incidencias estéticas en el propio desarrollo y creatividad.

Curso teórico práctico que pretende formar al estudiante en la construcción de un discurso audiovisual, comprensible, legible y decodificable por el espectador. En este curso el alumno aprenderá las coordenadas de construcción propias de la estructura fílmica y podrá transponer  las ideas y los conceptos en imágenes y sonidos. Después de este proceso, los alumnos adquirirán habilidades narrativas específicas, útiles para todas las manifestaciones artísticas. Como dice Yates, las relaciones espacio-temporales, siempre simbólicas, contienen metáforas fundamentales, ligadas a temas evidentemente humanos.

Los estudiantes aprenderán los fundamentos del arte digital y su desarrollo dentro un contexto histórico y teórico. Se introduce el computador como herramienta para hacer arte, reforzando el lenguaje visual de los estudiantes a través de una introducción práctica a la creación digital. Examinaremos el advenimiento de la imagen digital, partiendo de la fotografía, cine, animación y medios digitales en general. A través de la elaboración de varios proyectos a lo largo del semestre los estudiantes desarrollarán procesos conceptuales y habilidades de crítica constructiva.

En la realización de narrativas y piezas audiovisuales, el sonido constituye una valiosa materia prima que puede potenciar, acentuar y fortalecer el contenido gráfico y visual. En los últimos años, un diverso tipo de herramientas digitales han permitido el fácil acceso a procesos de edición y posproducción de sonido para la imagen, por medio de métodos de grabación, creación de efectos, composición, musicalización, mezcla e interacción. El curso hace una revisión de estas teorías y técnicas alrededor del fenómeno de la producción de sonido para la imagen, mediante proyectos de exploración sonoro-visual y talleres prácticos con múltiples aplicaciones en la realización audiovisual. Se revisarán las etapas de preproducción, producción y posproducción sonora, teniendo como referentes múltiples productos audiovisuales que permitan explorar las dimensiones estéticas en cuanto a forma y contenido.

Mirada al Cine Colombiano es un curso dedicado a generar conocimiento y pensamiento crítico sobre la historia y la estética del cine colombiano, entendido este último como una tradición que en sus recorridos, continuidades, rupturas y desvíos ha configurado un relato sobre el país. Dentro del curso, el cine colombiano se asume como un cruce de prácticas que involucra componentes artísticos, económicos y sociales relacionados con la historia del país, pero al mismo tiempo provisto de un desarrollo estético particular y específico. El curso de desarrolla en tres bloques que funcionan como guías, aunque el trayecto no es ni panorámico ni cronológico y admite el cruce de épocas y tradiciones que revelan tendencias que no tienen claramente un punto de partida o un cierre. El primer bloque se dedica a visualizar y propiciar un acercamiento reflexivo al cine silente colombiano (1915-1937), alternándolo con obras contemporáneas que demuestran cómo las agendas y narrativas del primer cine nacional retornan, son circulares. En el segundo se ofrece una amplia gama de materiales visuales y bibliográficos sobre la violencia y el conflicto social y político en el cine colombiano, representación que es uno de los discursos dominantes en las películas hechas en el país. Y en el tercero y último se hace un recorrido por otras tendencias, minoritarias o menos centrales, para dar cuenta de la variedad de temas y estilos en los que ha incursionado el cine nacional y dejar abierta la posibilidad de reenfoques tanto en las prácticas artísticas como en la investigación y el pensamiento crítico sobre el objeto del curso.

El curso desarrolla en los estudiantes, la capacidad de comprender discursos audiovisuales, a partir de la lectura y correcta decodificación de imágenes y sonidos. De la misma manera,“Alfabetiza” audiovisualmente a los estudiantes para que puedan ejercer con criterio su rol de espectador. El curso también ofrece herramientas para que los alumnos puedan expresar ideas completas, comparando las imágenes unitarias a las palabras y enseñándoles a crear frases audiovisuales mediante el concepto del montaje

¿Qué es el cine? Esta pregunta, breve pero nada sencilla, ha atravesado no solamente los más de cien años de producción cinematográfica, sino también la reflexión que en torno al séptimo arte se ha ido construyendo desde las primeras décadas del siglo XX. Esta pregunta y estas reflexiones han tratado de explicar la especificidad, lo propio, lo exclusivo de lo cinematográfico. Podemos en efecto afirmar que el cine es una representación social, que es una forma de entretenimiento, que es un medio de expresión artística, un lenguaje, un producto cultural, pero todavía no habremos dicho qué es y qué rasgo distintivo tiene que no sea también de la literatura, de las artes plásticas, del relato histórico o del análisis sociológico. El curso quiere por lo tanto, enfrentar el cine no en función o a partir de otras disciplinas, sino desde sus mismas particularidades y su específica forma de ser: como una introducción teórico / crítica a un hacer que conjuga imágenes y tiempos para producir un objeto inaprensible (puesto que “la imagen fija, o un fotograma reproducido, son simulacros que siguen dejando que la película se escape” como escribía Raymond Bellour en “Le texte introuvable”), esas imágenes en movimiento que quedan en la memoria del espectador.

Este curso aborda la historia de la fotografía a través de las ideas y acontecimientos puntuales que llevaron a la invención del aparato fotográfico desde el descubrimiento de las leyes de perspectiva en Florencia en el siglo XV hasta la consolidación de la invención del daguerrotipo ante la academia de la ciencia en agosto 19 de 1939. A partir de esto, se avanza por la fotografía característica del siglo XIX, de principios de siglo XX y contemporánea, usando imágenes centrales para la historia de la fotografía y de su pensamiento, y textos que examinan la compleja interacción desarrollada por la fotografía y el ser humano en los últimos 182 años. La idea de esta materia, es hacer un recorrido por todo aquello que produce o genera imágenes de manera industrial, accidental, casera o natural y que fue un aporte a la invención de la fotografía: la sombra, las superficies bruñidas, los lentes de cristal, el espejismo, los espejos semi-reflectivos y las extensiones mecánicas de hacer trazos, todo ello jugó su papel en la invención de la fotografía. Y una vez inventada, recorrer los principales puntos, en los dos siglos de uso de la fotografía, y analizar el significado de esta para nuestra imagen del mundo.

El curso plantea una reflexión a partir de diferentes temas que emergen de la relación entre el artista y la ciudad. Se tiene en cuenta especialmente, el carácter interdisciplinario de estas relaciones, en las cuales las propuestas artísticas, implican un vínculo directo con otras disciplinas como la arquitectura, literatura, filosofía, antropología y sociología. Estas relaciones se articulan en diferentes contextos socioculturales de la modernidad y contemporaneidad. Se hace especial énfasis en presentar estas experiencias desde un comienzo, como reflexiones que desde el arte conllevan un trabajo en equipo con una clara preocupación por el contexto circundante, en este caso, la ciudad.

Una educación tradicional del arte se enseña a pensar haciendo, pero cuando se hace pública la obra, existen condiciones que influyen sobre lo que se ha hecho, produciendo actos de lenguaje que se suman al lenguaje de la obra de arte. El espacio del arte no se trata solamente del ocupado por los objetos materiales, por el contrario, se trata de una construcción de carácter transaccional ocupada por procesos efímeros de interacción; una relación de fuerza entre dos situaciones y la distancia entre ellas. Las lecturas y los contenidos de este curso se reducen a identificar la distancia, la tensión y la confrontación entre espacios tanto físicos como mentales, para pensar el arte.

Este curso propone un recorrido cronológico por el arte y el cine a través de personajes, situaciones, obras de arte, películas y textos. La continua evolución de una técnica que logra capturar y reproducir imagen y sonido en el tiempo solo exagera una condición que siempre ha estado latente en cada ser humano: soñar. La ilusión de una escena narrada o la puesta en escena de una secuencia cinematográfica, son actos de lenguaje que surten un efecto onírico y pretenden que el espectador vea con el cerebro, imagine. Se espera, sobre todo, que el espacio de la clase sea un lugar para ejercitar una mirada atenta, despierta, que comprenda la imagen más allá de los clichés que dan las muletillas culturales y las trajinadas pautas del “maravilloso mundo del entretenimiento” (¿entretenerse de qué?). En un mundo donde la interpretación se impone sobre los hechos, y donde los usos y manipulaciones de la imagen son cada vez más sofisticados, un curso como este supone una apuesta para disminuir el analfabetismo visual, una suerte de educación estética y política: la clase será una puesta en escena de los poderes, individuales y colectivos, que intentan definir lo que es real a través del artificio de la imagen.

Tras la aparición de la imprenta de tipos y el afianzamiento del movimiento reformista, la fabricación y uso de imágenes constituyeron dos importantes áreas de la producción cultural en Europa y luego en Occidente. En la mayoría de casos, este proceso implicaba un claro interés de control y manipulación de enormes grupos humanos cada vez más inteligentes, más críticos y más sofisticados. En el mismo período la palabra “propaganda” comenzó a utilizarse como insulto contra las imágenes producidas por enemigos ideológicos de cualquier filiación. Este curso busca presentar y analizar la utilísima, pragmática o vergonzante relación –según la perspectiva desde que se mire-, entre arte y propaganda. Para lograrlo se concentrará en el examen de los vínculos institucionales presentes en la producción de imágenes artísticas –o firmadas por artistas-, los modos de administración que ellas o ellos han sufrido y su transformación en campañas de movilización religiosa-bélica, nacionalista-bélica, o comercial-bélica.

El taller busca explorar el espacio escénico a través del cuerpo y los sentidos. Cada sesión tendrá un fuerte componente físico que preparará a los estudiantes para improvisaciones en silencio y juegos teatrales. La observación del entorno y de la vida misma será un fuente principal para el desarrollo del curso. Las técnicas de movimiento tendrán como base la pedagogía del maestro francés Jacques Lecoq, al igual que la técnica de Viewpoints implementada por la directora americana Anne Bogart. A medida que avance el semestre se estudiará además la relación del espacio escénico con la pintura, la música y la poesía. Se hará énfasis en el vocabulario corporal adquirido para introducir a los estudiantes al juego del actor. De manera paralela se estudiará el teatro como forma artística. El grupo deberá asistir a tres presentaciones teatrales durante el semestre (a definir), sobre las que se entregarán 3 ensayos críticos a lo largo del semestre.

El taller es una introducción a los fundamentos del diseño de escenografía para teatro. A través de ejercicios y proyectos prácticos, se guiará a los estudiantes por las fases típicas del diseño de una pieza teatral, desde el acercamiento inicial al texto, pasando por la investigación y el desarrollo del diseño preliminar, para culminar con la presentación del diseño final. Se hará énfasis en la relación director-diseñador, y se dará una perspectiva histórica de la evolución del diseño en los distintos géneros teatrales

El taller busca explorar liberar el juego del actor a través de la máscara. El trabajo del semestre complementará lo estudiado en Taller de escenografía, requisito para tomar este curso. Se emprenderá un viaje de descubrimiento por diferentes máscaras a parpor las máscaras expresivas y larvarias y finaliza con situaciones de juego para medias máscaras a partir de la commmedia dell’arte. Se utilizarán máscaras profesionales diseñadas por Amleto Sartori junto a Lecoq, pero también cada estudiante deberá crear y construir su propia máscara en dos ocasiones durante el semestre. De manera paralela, se mantendrá el estudio del teatro como forma artística.

Este curso ofrece un recorrido por las múltiples maneras de relacionar el arte, la música y el sonido en el arte de Occidente durante los últimos 150 años. Aunque históricamente estas relaciones no son nuevas, el rápido avance de las tecnologías de grabación, reproducción y producción de sonido e imagen ha tenido un profundo efecto en la rapidez de su desarrollo.

La idea de disponer objetos, cosas, ideas y la actividad de agruparlas, manipularlas, reunirlas, estudiarlas, y mostrarlas mediante el formato de una  exposición es un sistema de conocimiento heredado. El modelo de mostrar –mediante una exposición- presente en el siglo XVIII se convertirá más adelante en una de las condiciones de la cultura occidental. El acto de hacer algo público -en cualquiera de sus formas-  y sobre todo en una exposición, es una estructura jerárquica que produce formas particulares y generales de comunicación y conocimiento pues hay implícito un acto de selección; algo se incluye y algo se excluye. En este punto radican las implicaciones y responsabilidades de fondo en la circulación de productos culturales, en este caso una exposición. A la hora de representar el mundo, los museos, sus colecciones y las exposiciones constituyen una visión enciclopédica que en parte ha determinando nuestra percepción.El curso permite acercar a los estudiantes a comprender cómo el formato expositivo, desde un principio de clasificación, moldea nuestra percepción del mundo, lo que implica fomentar especial atención a este. Percibir las exposiciones como un ejercicio estético y como forma de conocimiento que determina formas particulares de comunicación y de representación del mundo. Formar un público atento y crítico con respecto a las exposiciones.