2000

Este curso recorre la historia del grabado y sus propiedades como medio, así como su impacto sobre la definición del arte en Occidente. Al ocuparse de un medio considerado tradicionalmente como una de las ‘artes menores’, este curso propone una historia donde se enfatizan artistas y aspectos que generalmente quedan por fuera de las narrativas tradicionales del arte. Se parte de la premisa de que el grabado es un medio cuyas condiciones materiales (liviandad, reproductibilidad, economía) permitieron un espacio de exploración artística que resultó revolucionario en la conceptualización de la originalidad y del estatus moderno del artista, así como en la aparición de temáticas que no podían darse en obras de gran formato, tales como ciertas imágenes eróticas y políticas. 

Los temas abordados incluyen: la relación entre el original y la copia; las nociones de invención e imitación; la transición del manuscrito a la imprenta; el grabado como objeto estético; la reproducción de obras; las relaciones entre dibujo y grabado; las xilografías Ukiyo-e; el monotipo impresionista; la litografía y el afiche; xilografía y expresionismo; libros de artista; la gráfica en América Latina. Se hará especial énfasis en artistas que han trabajado el medio de manera innovadora: Mantegna, Schongauer, Durero, Rembrandt, Piranesi, Goya, Cassatt, Toulouse-Lautrec, Kollwitz, Warhol, entre otros. El seminario se complementa con visitas a talleres y colecciones de grabado en museos y bibliotecas de la ciudad.

Uno de los cambio más radicales en la historia del arte occidental fue la aparición del arte abstracto a comienzos del siglo XX. Hacia 1913, diferentes artistas empezaron a experimentar con lenguajes pictóricos y escultóricos no objetivos, es decir, lenguajes en los que la obra no establece ninguna relación directa o indirecta con los objetos de la realidad. Por el contrario, estas obras de arte consisten, por ejemplo, en pinturas de manchas de color o simples cuadros monocromáticos que no representan ninguna figura o evento claro tomado de la vida real. Qué significan estas piezas, aparentemente vacías de contenido? Qué puede decirnos un cuandro negro sobre fondo blanco? Por qué las manchas o rayones de Kandinsky o Pollock valen más que las que hace un niño de 2 años? Cuál es el valor histórico de estas obras de arte? A través de un recorrido por la historia del arte abstracto en el siglo XX, este curso espera ofrecer respuestas a estas preguntas. Para tal fin, se analizarán en detalle tanto las obras de arte como los textos escritos por los defensores de la abstracción. De este modo, se analizarán, por un lado, las innovaciones técnicas y los recursos formales y materiales propuestos por los diferentes artistas y, por otro lado, las teorías que soportan o justifican la utilización de tales recursos.

El curso ofrece una introducción a problemas fundamentales de la teoría del arte a partir del análisis detallado de cuatro grupos de problemas. A través de la discusión de textos filosóficos y teóricos, los asistentes se familiarizarán con algunas estrategias conceptuales y argumentativas que juegan un papel importante en discusiones contemporáneas en torno a las características, posibilidades y limitaciones de las prácticas artísticas y sus productos. Los cuatro grupos de problemas a discutir estarán estructurados en torno a grupos básicos cuyo dominio permitirá a los estudiantes abordar el análisis de obras o prácticas artísticas concretas a la luz de estrategias teóricas propias.

Este curso tiene como objetivo principal realizar una introducción a los estudios visuales como metodología critica de aproximación a la cultura visual. Se hará especial énfasis tanto en la construcción visual de lo social como en la construcción social de la visión; es decir, en la construcción dialéctica de la cultura visual y en la producción de significados culturales a través de la visualidad. Paralelamente se realizará una reflexión sobre la(s) epistemología(s) de lo visual y las posibilidades de producción de conocimiento desde lo visual. A lo largo del curso se destacaran los siguientes temas de análisis e investigación: Las relaciones entre historia del arte y estudios visuales, las posibilidades políticas y de interpretación que ofrecen los estudios visuales para el estudio de las prácticas artísticas, la función social y política del arte en la vida social, como por ejemplo, en vínculos entre academia y sociedad, entre otros; y por último, las prácticas estéticas como formas de crítica cultural donde la teoría, la investigación y las prácticas artísticas y culturales coexisten y se elaboran conjuntamente.

El curso proporciona a los estudiantes bases, tanto  teóricas como de  ejercitación práctica, que les aporten herramientas para abordar las problemáticas que están implícitas en la construcción del discurso histórico sobre el arte. Está concebido como una actividad teórico-práctica en torno al tema de archivos y fuentes para la escritura de la Historia del arte.

El patrimonio cultural cada vez más se consolida como un campo de conocimiento marcado por diferentes problemáticas y tensiones que parten de su definición y que involucra diferentes actores, comunidades e intereses que lo definen. Desde esta perspectiva, el curso pretende introducir al estudiante en las definiciones generales de lo que constituye a nivel internacional y nacional el patrimonio cultural, haciendo especial énfasis en el patrimonio artístico, así como brindar herramientas que le permitan entender las implicaciones y dificultades que tiene el estudio de este tipo de obras y manifestaciones teniendo en cuenta el papel que juega la mirada del historiador del arte como especialista.

El curso pretende hacer una visión de Dada y el Surrealismo como movimientos de vanguardia que transformaron la forma de aproximarse al arte y al mundo. Se exploran sus propuestas en diferentes campos de la expresión.

El estudio de lo que hoy llamamos arte colonial neogranadino tuvo su inicio a mediados del siglo XIX y ha contado con diferentes momentos de auge durante el siglo XX y especialmente en la actualidad, de tal manera que la comprensión que podamos tener de él está mediada por lo que estos estudios nos presentan. Teniendo como referente esta historiografía, el curso buscará que los estudiantes adquieran un conocimiento general de problemáticas relacionadas al arte plástico colonial neogranadino desde el siglo XVI a fines del siglo XVIII a través del estudio particular de obras, artistas y fenómenos propios del periodo. Se propone que el estudiante opere de forma crítica una cierta bibliografía y unos ejemplos particulares que le permitirán manejar un conocimiento general de lo que se conoce como arte colonial neogranadino y de su historiografía.

Problematizar los conceptos de Modernidad, Vanguardia y Nacionalismo a la luz de  los textos aparecidos en publicaciones periódicas de las décadas del 20 y comienzos del 30. La materia prima con la que se trabajará son los escritos polémicos que aportan publicaciones como Revista de avance, Martín Fierro, Universidad, Amauta, La Pluma, entre otras.

El curso propone un recorrido cronológico por la historia del arte español a través de obras, artistas y temas puntuales. Hace énfasis en los contextos históricos y geográficos de la producción artística de la Península ibérica. Partiendo del arte de las cavernas, el curso inicia en el arte prehistórico pasando por la producción de escultura y cerámica de tártaros, fenicios, griegos, íberos y celtas, teniendo en cuentas las diversas funciones del arte y sus sistemas de mecenazgo y la transformación de los espacios expositivos con la creación del museo. Así mismo, dedica unas clases a la producción de la Edad Media, profundizando en el Siglo de Oro español, conociendo a Goya y sus influencias en los siglo XIX y XX hasta la España contemporánea.

El curso de Historia del Arte europeo del siglo XIX propone un recorrido por el siglo partiendo de sus antecedentes a finales del siglo XVIII hasta su influencia en el siglo XX. El recorrido hace énfasis en los procesos estéticos, filosóficos y artísticos que ejercen la Revolución Francesa y los demás eventos políticos y filosóficos en el arte del siglo XIX. Partiendo del regreso al mundo clásico evidente en el Neoclasisismo, pasando por el alma de libertad y búsqueda del Romanticismo, el curso se concentra en elementos visuales que son un importante legado del arte en la época. Así mismo, el curso busca trabajar temas como son el viaje, los bocetos, los cuadernos, los apuntes y la influencia de la literatura en los artistas del momento. De la misma manera, se hace un profundo recorrido por los movimientos que cultivaron el nacimiento de un modelo como tal, Realismo, Impresionismo y Simbolismo, que permiten al estudiante entender el salto que da el arte hacia las Vanguardias del siglo XX.

La descentralización de las narrativas eurocéntricas y la multiculturalidad han permeado las escenas del arte contemporáneo a partir de la década de los años noventa. Hoy los espectadores del arte —coleccionistas, galeristas, críticos  e historiadores— encuentran un gran atractivo en las obras de artistas asiáticos, latinoamericanos y africanos. Dicha tendencia se ha manifestado en los estudios de la historia del arte, principalmente en el nivel técnico, sin embargo, estos cambios en el pensum educativo y los temas de investigación no se han diseminado más allá de las fronteras  de Europa y los Estados Unidos. Por lo general, la estructura institucional de la educacó6n de la historia del arte en Asia, América Latina, África y Oceanía no se ha ocupado en estudiar los contextos históricos y sociales del arte que tiene lugar fuera de Estados Unidos y de Europa. En América Latina, hasta la fecha han sido muy pocas las instituciones que ofrecen especializaciones en arte o cultura  de Asia Oriental. En ese sentido, este curso intenta promover en Colombia