2000

El curso hace una aproximación al dibujo en función del cuerpo humano, en sus dimensiones interior y exterior. Proporciona herramientas para la representación de la figura humana y explora al cuerpo como instrumento y agente dibujante.

Taller donde el estudiante aprende a manejar los materiales, procesos y conceptos de la pintura. Se investigan los principios y relaciones del color a través de la técnica del óleo. Este curso es prerrequisito para los demás cursos de pintura.

PARA ARQUITECTOS. Cada línea es la experiencia de su historia, es la sensación de su propia realización. El objetivo de este curso es que los estudiantes aprendan a analizar y a tener una relación más directa con el cuerpo y su entorno, a través del poder de su creatividad, intuición, intelecto y concepto, como herramientas propias para descubrir el dibujo.

PARA ARQUITECTOS. Curso enfocado al desarrollo del dibujo como herramienta vital para los artistas, arquitectos y diseñadores. El curso se centrará en el análisis del espacio tridimensional y la estructuración del mismo en un plano bidimensional. El objetivo del curso es ayudar a que el estudiante entienda el espacio que habita y la posición de los objetos dentro del mismo, para recrear este espacio en un plano bidimensional sin que este pierda credibilidad espacial, usando el dibujo como herramienta de expresión. Al finalizar el curso el estudiante tendrá un concepto claro de lo que es la perspectiva, la escala humana y tendrá consciencia de su entorno pudiendo representar sus ideas y percepciones tridimensionales de una manera efectiva.

El curso permite el desarrollo del dibujo como herramienta básica para la comprensión del espacio y el volumen, así como para su representación e interpretación. También le ofrece al estudiante herramientas y elementos gráficos para que explore y desarrolle su capacidad creativa por medio del dibujo, yendo más allá de la simple descripción. El curso termina con la manipulación del espacio y la forma por medio de la ilusión óptica y la anamorfosis, como manera de comprensión e interpretación del entorno.

Se podría afirmar que lo escultórico ocupa un lugar paradigmático en la mayoría de las prácticas artísticas contemporáneas. Ante la disolución de una definición o ¨campo de acción¨ fijo y reductivo, la escultura se mueve dentro de un territorio inestable que pareciera expandirse continuamente. Desde ese estado 'indeterminado' se exploran y redefinen procesos constituyentes de la estructura interna de lo tridimensional: la interacción con el lugar, el uso de materiales y técnicas diversas, la relación con el cuerpo y los conceptos que rigen su código semiótico. El curso permite estudiar los aportes de ciertos movimientos y las obras de algunos artistas de las últimas décadas es fundamental para encontrar respuestas, conexiones y nuevos significados con respecto a la práctica e intereses particulares.

Este curso propone tanto una práctica de dibujo y observación, como un acercamiento y análisis crítico al objeto (cotidiano) entendido no sólo como un producto del “diseño industrial”; sino como el producto de una sociedad hiperconsumista, materialista, fetichista, “desechable”. Se estudiarán tanto los límites del dibujo como los límites del objeto, los marcos que los definen; y se pondrán a prueba la permeabilidad y flexibilidad de dichas definiciones. Se analizará el problema del consumo desmedido, la adquisición compulsiva de objetos y el coleccionismo (el gusto, la escogencia, el orden y la taxonomía). Así mismo, se tratarán las maneras de representación gráfica de los objetos que nos rodean hoy, en un acercamiento conciente al mundo del “dibujo publicitario”, es decir, a las vitrinas oficiales y no-oficiales del consumo. Finalmente, se llevará a cabo el diseño y/o montaje de un objeto capaz de dibujar, subrayando aún más las tensiones entre “dibujo” y “objeto” y con ellas las tensiones entre “obra de arte” y “objeto de producción serial”, entre “creador” y “bricolero” (este último término según la definición de Claude Levi-Strauss), y entre artes plásticas y teatro.

El curso permite que el estudiante explore la pintura, herramienta de la imaginación, de los sentidos, del pensamiento. En la pintura se articulan conocimientos sensibles y racionales sobre el mundo. En este taller vamos a pintar, a ver pinturas, a conversar sobre pintura y a tomar una posición crítica con respecto a la historia de uno de los medios más cuestionados de los últimos dos siglos.

El taller pone en relación el estudio de diversos aspectos del cuerpo humano con la pintura como recurso expresivo. Los estudiantes buscan posibilidades creativas, técnicas y conceptuales para plantear una propuesta pictórica personal, ganando conciencia sobre el potencial y las limitaciones de la técnica. En el taller se revisa una pequeña historia del cuerpo en la pintura, construida desde la historia del arte, la ciencia y las ciencias sociales.

El curso Pintura y Objeto es un laboratorio de creación y reflexión en torno a los procesos y prácticas pictóricas con un interés especial en el objeto. Desde el bodegón hasta la instalación, los objetos han sido tema recurrente en el arte y en especial en la pintura.

El laboratorio propone, a partir de los conocimientos que poseen los participantes, un acercamiento crítico y objetivo a las prácticas pictóricas contemporáneas sin desconocer el contexto histórico en el cual se insertan.

El curso explora la superficie pictórica como condensador de hechos, tensiones y contradicciones culturales de este comienzo de siglo XXI, todos ellos inmersos en complejos intercambios sígnicos de alta velocidad. Se trata de identificar cuatro semióticas pictóricas globales, que no necesariamente dependen del plano para manifestarse, y son más bien ubicuas y omnipresentes, muchas veces mediatizadas, pero que para reconocerlas las obligaremos a integrarse al plano. Para ello repasaremos un buen número de temas aparentemente inconexos -como la pintura ilusionista tradicional, el Modernismo, el capitalismo avanzado o la cultura del micro-chip-, pero conectándolos al extractar sus respectivas retóricas y traducirlas al plano pictórico, de manera que sean entendidas como base alegórica de la mono-cultura global actual.

Taller experimental que permite al estudiante aproximarse al objeto tridimensional a partir de cuatro experiencias de trabajo, en las que le permitirán reflexionar acerca del valor y el uso de los objetos en un contexto determinado tomando como referentes casos puntuales de la historia de la escultura en el siglo XX. De esta manera la experimentación con los materiales, el ensamblaje de objetos y la creación de una colección le ampliarán el sentido y el análisis de las diversas posibilidades del mundo de los objetos.

El curso introduce a los estudiantes en la discusión sobre la escultura pública a partir de la revisión tanto de las nociones de espacio actuales como de prácticas artísticas contemporáneas abordando esta problemática para luego dar paso al concepto de lo público y la relación arte-ciudad.

El grabado en todas sus facetas tradicionales, xilografía, grabado en metal, serigrafía, litografía, forma parte de la cadena evolutiva de los medios. La necesidad de reducir las escalas tonales a tramas ha permitido el nacimiento de todas las formas contemporáneas de reproducción impresa y electrónica. Es por eso que el grabado es importante en la enseñanza de las técnicas de reproducción y expresión artística.

El curso aborda temas de la gráfica contemporánea, investigando y analizando conceptos tales como serialidad, repetición, fragmentación, tramas, retículas, huella; que brindarán al estudiante nuevas posibilidades creativas, para que pueda conformar y materializar sus ideas.

El curso da pautas y fundamenta a sus participantes en el manejo del complejo proceso del grabado a través de la experimentación y de la apropiación individual del mismo.

El taller teórico-práctico, pretende proveer al estudiante de los recursos técnico-conceptuales necesarios a ser utilizados para resolver problemas inherentes a su actividad profesional, específicamente en el campo de la gráfica, ya sea para representar, expresar o producir imágenes  o ambientar objetos o espacios relacionados a su cotidianeidad.

El curso se enfoca en  el análisis del espacio tridimensional y el espacio imaginado para crear dibujos novedosos que nos ayuden a entender nuestro entorno y el mundo de lo imaginado. En este espacio lo observado se une con la imaginado para crear un lugar que oscila entre lo bidimensional y lo tridimensional, entre visto y lo no visto, entre lo real y lo abstracto.

Este taller práctico propone explorar la relación cuerpo-escultura desde una perspectiva amplia que abarca desde la representación hasta la performatividad. El cuerpo es pensado no sólo en su materialidad, sino como una construcción cultural que lo convierte a la vez en objeto y en sujeto con capacidad de agencia en el tiempo y el espacio que lo contienen y lo habitan. Por otra parte la escultura se toma como un campo artístico expandido  que no se puede desligar ni del espacio ni de lo corporal.

El taller permite introducir al estudiante en el conocimiento de los elementos y conceptos propios de la forma y el volumen. El taller explora las diferentes posibilidades de representación tanto en el campo bidimensional, como en el tridimensional. El curso desarrolla la habilidad del estudiante, para plantear una idea como proyecto personal, y formalizarla en términos plásticos, como medio de comunicación

La materia permite dar un paso adelante de las bases técnica, es para aprender a expresarse. Una buena foto no es una imagen enfocada, sino una idea enfocada. El objetivo principal de este curso es despertar y madurar la capacidad de los estudiantes de hacer que sus ideas se conviertan en imágenes fotográficas.

Es un taller práctico de fotografía análoga y digital en que se hace un recorrido por las formas narrativas más comunes de la fotografía y se busca que los estudiantes, usando técnicas básicas, exploren y desarrollen su capacidad de contar sus propias historias.

Esta es una clase de naturaleza teórica práctica, diseñada con el objetivo de que puedan experimentar y aprender sobre las técnicas fotográficas del siglo XIX y también puedan desarrollar un proyecto de reflexión personal en torno a las problemáticas de la fotografía en el ámbito artístico contemporáneo.

El curso explora  las distintas modalidades del enfoque experimental en el audiovisual. Se contextualizan históricamente las prácticas y estrategias expresivas, narrativas y poéticas con ejemplos provenientes de distintos géneros. Al mismo tiempo el estudiante trabaja en sus propios proyectos creativos en video a través del aprendizaje simultáneo de técnicas digitales de edición y procesamiento digital de la imagen audiovisual.

El curso permite experimentar la técnica de animación 3D. Mediante la modelización escenarios, luces, cámaras, personajes, creación de movimiento, renderización y edición, los estudiantes desarrollan una propuesta propia de una animación experimental.

El curso promueve la búsqueda de nuevas formas de expresión digital basado en el aprendizaje y experimentación básica a través de la escritura de algoritmos. Este curso hace énfasis en el proceso de producción de scripts a través de la construcción de códigos en distintos lenguajes dentro del medio digital. Se analiza el medio digital. Se fortalecen procesos creativos que involucren la experimentación de la computación en los aspectos visuales, sonoros, narrativos,, interactivos y de programación.

Se introduce al estudiante a conceptos del arte sonoro así como a la producción y edición digital y análoga del sonido. Se dará un contexto histórico de prácticas sonoras estrechamente vinculadas a procesos artísticos. El curso motivará la creación sonora como medio expresivo autónomo o en conjunción con otros medios visuales y performativos

El objetivo de este taller es que se explore la instalación audiovisual (imagen-luz y sonido) en el espectro histórico y técnico más amplio posible, entendiéndola como un campo que se extiende desde sombras chinescas hasta los  mapeos en video. Para este fin se utilizara el rango más amplio posible de medios y dispositivos, esto incluye medios ópticos, fotográficos, análogos, digitales y electrónicos; por ejemplo, se pueden utilizar  desde proyectores de video hasta proyectores construidos en el curso. También se pensará la instalación como un medio  que puede ir desde lo íntimo hasta lo monumental, por ello se construirán instalaciones en distintas escalas, utilizando desde pantallas de dispositivos móviles y proyecciones sobre pequeños objetos  cotidianos, hasta proyecciones sobre edificaciones.

En el arte contemporáneo (y en el de todos los tiempos) la reflexión acerca de los conceptos más generales (representación, tiempo, espacio) ha ocupado un lugar fundamental. Todos estos conceptos han sido objeto de una continua y profunda elaboración al interior de las matemáticas. El curso busca dar algunas indicaciones que ilustren cómo han sido desarrollados matemáticamente más allá de lo que generalmente se ve en el colegio. Aunque se darán algunos ejemplos de cómo las ideas matemáticas han sido tratadas por artistas, el curso se ocupará principalmente de presentar el contenido matemático para que los alumnos piensen las distintas formas de llevar a cabo proyectos artísticos que incorporen esas ideas.

A  través de la lectura y análisis de una serie de autores, y de la escritura de textos, este curso buscará propiciar que esa extrañeza de la crítica sea algo afín a los estudiantes tanto para los que deciden hacer obra historia o gestión como para los que se sientan inclinados a poner en práctica la crítica de arte.

El curso busca dar a los estudiantes herramientas para desarrollar un proyecto expositivo, que involucre un componente de producción de obras in situ, así como las operaciones logísticas y técnicas del caso. Evidenciar que en el proceso de montaje los significados son susceptibles de ser fabricados, expuestos y comunicados. Aprender a identificar la significación del objeto para articular un guión expositivo y familiarizarse con conceptos museográficos como la manipulación y el cuidado de las obras.

La ciudad y el espacio público se van a abordar como experiencia espacial y discursiva. Por ello el método a seguir es: 1. análisis y la reflexión sobre casos en que se establece una relación arte y espacio público. 2. Ejercicios y experiencias de intervención en el centro de Bogotá. 3. Desarrollo de una propuesta de intervención en el espacio público.

Se trabaja en torno a la noción de “lugar” en la ciudad. Es decir, en torno a su relación con la memoria, el patrimonio y construcción de públicos. Igualmente se verá cómo la intervención como alteración de flujos en el espacio público así como la ciudad como espacio de encuentro y conversación.

El curso tiene carácter práctico. Por ello se plantearán diversos ejercicios e intervenciones en lugares como el cruce de la carrera séptima con avenida Jiménez, el Parque de la Independencia y algunos monumentos no formales del centro de la ciudad.

Estudiar el mercado y el mundo del arte consiste en analizar cómo y donde ocurren las transacciones de las obras y quienes son los actores que animan esta escena.

El curso de Arte y Mercado propone a los estudiantes familiarizarse con sus especificidades y en particular con el mercado del arte contemporáneo. En efecto, el mercado del arte contemporáneo es un asunto de actualidad, espinoso, controvertido y, aunque hasta ahora está emergiendo en Colombia, tiene un impacto particular y concreto.

Por otra parte, ese curso propone a los estudiantes la comprensión de la dinámica del mercado del arte en su naturaleza proteiforme, con el fin de entender la sinergía de los diferentes actores y descifrar la lógica propia de este mercado. Mundialización, oferta y demanda, formación del valor artístico y creación de precio, fenómeno de especulación, “Star system”, coleccionismo, entre otros, serán los temas que se desarrollaran.

El taller elude la posibilidad de enseñanza y se centra en la experiencia del aprendizaje. Busca generar una práctica de la escritura centrada en la subjetividad y quiere despojar de pretensiones el ejercicio de teclear o garabatear sobre una hoja en blanco, sea real o virtual.

Este curso tiene como objeto explorar y recorrer estas exposiciones, conversar con sus artistas, curadores, críticos y otros actores del medio del arte. El curso tendrá como invitados 12 curadores y artistas de estos eventos, quienes dialogarán sobre su trabajo, la exposición y el proyecto curatorial. El curso tendrá una plataforma on line donde se publicarán entrevistas, opiniones y relatos de las visitas a las exposiciones.

El auge de la publicación digital, las plataformas de medios en línea, y los dispositivos móviles ha cambiado radicalmente la manera en que se ve la información, el arte y la cultura hoy en día -y a la vez ha inspirado nuevos usos e interpretaciones de los medios impresos. Artistas y productores culturales en diferentes partes del mundo están experimentando activamente con prácticas de publicación alternativas que evocan memorias análogas, documentan críticamente el presente, o reformulan el futuro del medio. Estas dinámicas contemporáneas examinan la sostenibilidad del medio impreso, proponen ejercicios de participación mediada y configuran nuevos espacios sociales para la difusión e intercambio de ideas.

Al tiempo que se aprecia la experimentación avanzada, al taller de Publicaciones le interesa el ejercicio de la escritura como vehículo de pensamiento y consignación de ideas. Por esto, el segundo componente del taller estará enfocado a usar las destrezas ejercitadas en las primeras semanas para configurar en grupo una publicación impresa con desarrollo temático.

El Arte y el Vestido es un seminario-taller para quienes quieran experimentar con formas alternativas de conceptualizar el diseño de vestuario. Hacer un vestido es esencialmente modelar un cuerpo, su naturaleza y sus posibilidades de movimiento y de relación con un contexto espacial y también social. Para este trabajo, ampliar la definición que se tiene del cuerpo para el que se diseña resulta en una ampliación también del campo de la reflexión y de la imaginación sobre el vestido y sobre el cuerpo. Y es en esta perspectiva del diseño donde convergen el Arte y el Vestido.

A partir de la exposición en el curso de temas como “Ropas sensoriales”, “El vestido como espacio flexible”, “El Surrealismo y la Moda”, “El vestido como hábitat”, “Estereotipos y permutaciones” , “El cuerpo desorganizado” , “El vestido como signo” y “Vestidos Reciclados”; los estudiantes explorarán conceptos y posibilidades para realizar un trabajo experimental de acuerdo a sus intereses y expresiones artísticas personales. Su aproximación al vestido podrá desarrollarse desde diversos medios de expresión como dibujo, fotografía y ensamblaje o directamente como producción de vestuario.

Esta asignatura busca una conciencia de la corporeidad a partir del autorreconocimiento, la memoria corporal, la respiración, el control de la energía en el tiempo/espacio, el reconocimiento de las emociones básicas en un plano físico, la inserción de un trabajo orgánico con lenguajes corporales a partir del estudio del performance y el arte de acción, la antropología teatral, el teatro postdramático, la voz, la presencia, etc.

Se busca desde la experiencia a través del cuerpo un vínculo directo con otras prácticas artísticas como la danza, la música, el teatro, el video, la instalación, el arte sonoro, la fotografía entre otros. El cuerpo en este curso es mediador de la imagen a partir de un proceso consciente en la propia práctica y el registro.

El curso permite al estudiante a comprender y aprehender, a través del dibujo, la posibilidad de concentrarse y tener más conciencia de sus diferentes estados; como sentir, escuchar y ver. Con esta herramienta, el dibujo sumi-e podrá escuchar el silencio, desconectarse de su entorno e introducir esta misma a sus actividades cotidianas.

Adicionalmente, el taller se articulara con el chi-kung. Con estos conocimientos se adquiere un espíritu positivo, por lo que el participante tiene la posibilidad de alcanzar una mayor conciencia de sí mismo, entrar en las profundidades de su ser y descubrir sus capacidades en las dimensiones espirituales, psicológicas y físicas.

El curso examina maneras diferentes y divergentes de fijar conceptualmente las características específicas de una imagen cinematográfica "pura" a través de dos dos puntos de vista desde los cuales es posible forjar un concepto de cinematograma "puro": el punto de vista de quien lo percibe, y el punto de vista de quien lo produce. Discutiremos textos de Benjamin y Bresson en defensa de la complicidad entre la pureza cinematográfica y la pureza de la acción repetitiva e irracional; textos de Snow, Conrad, Sharits y Frampton en defensa de una estrategia técnica y teórica radical del cine sin representación; textos de Deleuze y Rancière en defensa de un concepto pluralista y mestizo del cinematograma y de su historia.

Al tiempo que introduce los principales ejes teóricos y de debate que guían la gestión cultural a nivel internacional, esta materia busca desarrollar en los alumnos, desde la práctica y el contexto local, las competencias y las herramientas fundamentales para la proposición, gestión y evaluación de proyectos culturales desde una óptica crítica y propia.

El curso propone una iniciación a la interpretación creativa (el arte de interpretar el arte) a partir de una serie de obras particularmente enigmáticas realizadas en medios y técnicas diferentes: pintura, escultura, ilustración, cómics, cine, readymade. Un ejercicio de ‘detectivismo cultural’ más allá de los modos de recepción habituales a la historia del arte (las atribuciones, las fechas, los estilos) reivindicando el imaginario como un capital inconsciente, colectivo.

Tácticas para documentar y confrontar es un curso teórico/practico que propone ejercicios que involucran comunidades o contextos específicos. En estos ejercicios intervienen  diferentes tipos de registro y soporte, así como  la exploración de metodologías de intervención y trabajo con material de archivo. Los ejercicios que integran el curso tienen el objetivo de suministrar a los estudiantes herramientas para la producción de obras con comunidades, obras site/specific, intervenciones urbanas, inserciones,  trabajos con objetos encontrados y trabajos con material de archivo.

El curso consta de cuatro ejes que corresponden a diferentes métodos de registro y documentación. Estos son: Dispositivo directo, Dispositivo oculto, Objeto encontrado, Objeto documentado.

Ante la falta de un aparato efectivo y claro para la producción del arte además de otros problemas como la falta de imaginación de las instuticiones, la burocracia y las burbujas económicas, digamos que él y la artista, que aquí los llamaremos “el pequeño hombre” o “la pequeña mujer”, acuden a la "gestión" para mantenerse en un sistema de suelo movedizo pero así mismo emocionante.

Bajo el grave peligro de ser confundida con la administración cultural o con la burocracia; o bien con el riesgo de alimentar el mito más barato del self (auto-superación, apoyo empresarial, etc,) la gestión como término se ha puesto en duda, y aquí está esta clase para preguntarse cómo formular un proyecto y cómo realizarlo, sin despojarlo de su potencial extraño y su promesa de distinción, que son finalmente lo que hace al arte, arte.

Desde la museología y con un enfoque crítico, esta clase busca aportar un marco histórico y teórico que explique el  por qué y para qué de  estas instituciones dentro de un marco nacional e internacional.

Este curso tiene como objeto proporcionar herramientas para que los estudiantes de arte conozcan qué opciones tienen para financiar sus proyectos, darle visibilidad a sus propuestas, diseñar un portafolio de su trabajo, crear espacios de encuentro y exposición, conocer a qué convocatorias puede aplicar actualmente y qué aspectos son decisivos al aplicar a una convocatoria.

Los materiales de arte sirven como herramientas para la expresión visual de emociones, ideas y puntos de vista. Adicionalmente, el color, la textura, loa forma y las demás cualidades de los materiales de arte provocan impulsos que nos permiten conocernos más profundamente. Este curso explora ambos manejos: el material artístico como herramienta de expresión y el menos explorado camino del material de arte como estímulo de autoconocimiento. Los estudiantes serán introducidos a diversos materiales de arte y serán invitados a expresar, por medio del material, lo que éste los incite a expresar, sin promover juicios estéticos.

El dibujo en aguadas, sea en una sola tinta o a todo color, es un medio de expresión y de investigación gráfica utilizado por artistas de la mayoría las culturas y épocas desde hace milenios.

El enorme abanico de posibilidades expresivas, que van desde la espontaneidad y despreocupación totales, desde lo caligráfico hasta las más cuidadosas y elaboradas construcciones  plásticas, hacen del dibujo en aguadas un mundo amplio y diverso. El curso permitirá familiarizar a los estudiantes con el dibujo en aguadas, sus técnicas, herramientas e historia.