2000

A través de prácticas tradicionales y expandidas del dibujo, de la observación de imágenes y la discusión de textos, el curso explora distintas relaciones entre cuerpo y dibujo. Busca desarrollar capacidades amplias de percepción, comprensión, representación, abstracción, expresión y presentación de lo corpóreo a través del dibujo.  

Se explorará la relación entre dibujo y cuerpo desde distintas manifestaciones del dibujo: como herramienta de interpretación, representación, señalamiento, delimitación, proyección, comprensión, pensamiento y conocimiento del mundo; y como herramienta de expresión, divagación, ensoñación y parte de la experiencia vital. Dentro de estas manifestaciones, se reflexionará sobre cómo el dibujo puede operar como índice, como proceso, como herramienta o como forma terminada.        

El curso se articula principalmente en dos ejes: 1) el dibujo de observación y 2) ejercicios que ponen en juego distintas relaciones entre el dibujo y el cuerpo, éste último entendido como un ente que se sitúa de manera específica espaciotemporalmente.  

Introducción y familiarización a dos de las técnicas pictóricas más versátiles de la tradición occidental, orientada desde aspectos instrumentales, históricos y simbólicos. 

-Instrumental: soportes e imprimaciones; herramientas y efectos del óleo y el acrílico. Herramientas sencillas sobre color, geometría, anatomía y composición. 

-Histórico: uso de estas técnicas de acuerdo con situaciones sociopolíticas precisas y análisis de casos puntuales, mostrando sus contextos particulares. 

-Simbólico: significado amplio e implicaciones sociológicas y fenomenológicas de los usos pasados y presentes de estas técnicas.

El cuerpo humano es el cuerpo que mejor conocemos dentro de los seres vivos. Todos los días por la mañana vemos nuestro cuerpo al bañarnos, al lavar nuestros dientes y al arreglarnos para ir a la escuela o al trabajo, y al terminar el día, lo último que volvemos a ver es nuestro cuerpo al acostarnos. En el trabajo o en la escuela vemos a los amigos y amigas, jugamos con ellos y hablamos con ellos. Vemos sus gestos y sus mañas corporales que hacen su lenguaje corporal, de ese modo los identificamos dentro de un grupo de personas. Por donde vayamos vemos seres humanos de diferentes tamaños, razas y género. Tenemos miles de imágenes de personas grabadas en nuestro cerebro, reconocemos la imagen básica de un ser humano compuesta por un par de ojos, un par de orejas, un par de brazos, un par de piernas, una nariz, una boca y los órganos sexuales, pero al momento de dibujarlos no podemos. ¿Por qué?

PARA ARQUITECTOS. El curso tiene como objetivo introducir al estudiante a la práctica del dibujo como herramienta para elaborar y describir una idea. Es un curso vital para artistas, arquitectos y diseñadores. Basados en la observación, el curso plantea la posibilidad de crear un lenguaje visual que permite analizar la forma, describir el espacio y ahondar en diversas técnicas de dibujo. Se estudiará la perspectiva, composición y anatomía combinadas con la imaginación, memoria e invención para ahondar en las posibilidades creativas y analíticas del dibujo. La primera parte del curso está enfocada al aprendizaje de conceptos y técnicas específicas al medio para luego aplicar estos conocimientos a temas de interés individual.

Fundamentos de Dibujo comienza con el desarrollo del dibujo como herramienta básica para la comprensión del espacio y el volumen, así como para su representación e interpretación.

También le ofrece al estudiante herramientas y elementos gráficos para que explore y desarrolle su capacidad creativa por medio del dibujo, yendo más allá de la simple descripción.

El lenguaje escultórico contemporáneo parte de una noción amplia de espacio y forma que constantemente se reconfigura y enriquece. Es quizás el área más amplia y versátil dentro de las artes plásticas contemporáneas, pasando del objeto a incluir el espacio y el tiempo, los medios electrónicos, sus estructuras y relaciones.

En este sentido, el taller comprende diversos modos de hacer que van desde procedimientos como la talla y la serialidad hasta incorporar la interdisciplinaridad, el lugar específico, e incluso, la relación con personas y las comunidades (según el interés del estudiante). 

El curso se acompaña de la observación y el estudio de referentes dentro de la Historia del Arte y la visita a talleres tanto de artistas como de técnicos en haceres específicos.

Este curso propone tanto una práctica de dibujo y observación, como un acercamiento y análisis crítico al objeto (cotidiano) entendido no sólo como un producto del “diseño industrial”; sino como el producto de una sociedad hiperconsumista, materialista, fetichista, “desechable”. Se estudiarán tanto los límites del dibujo como los límites del objeto, los marcos que los definen; y se pondrán a prueba la permeabilidad y flexibilidad de dichas definiciones. Se analizará el problema del consumo desmedido, la adquisición compulsiva de objetos y el coleccionismo (el gusto, la escogencia, el orden y la taxonomía). Así mismo, se tratarán las maneras de representación gráfica de los objetos que nos rodean hoy, en un acercamiento consciente al mundo del “dibujo publicitario”, es decir, a las vitrinas oficiales y no-oficiales del consumo. Finalmente, se llevará a cabo el diseño y/o montaje de un objeto capaz de dibujar, subrayando aún más las tensiones entre “dibujo” y “objeto” y con ellas las tensiones entre “obra de arte” y “objeto de producción serial”, entre “creador” y “bricolero” (este último término según la definición de Claude Levi-Strauss), y entre artes plásticas y teatro.

El taller pintura y cuerpo hace parte del ciclo intermedio del áreadeartesplásticas en elprograma de arte. Es un espacio donde seexplora el potencial de lapintura como un lenguajeen constante evolución,abierto al planteamiento de asuntos pertinentes par nuestrotiempo y como medio para hacer visible el pensamiento, la imaginación ylas emociones del artista. El cuerpo no solose usa como modelo o referente sino como campo de estudio que permite observar aspectos problemáticos y relevantes de nuestra cultura. Esta exploración parte deuna observación del cuerpo físico, a través de ejercicios con modelo, así como a una mirada crítica a referentes artísticos que permitan apreciar y compararlas idease imágenes sobre el cuerpo expresadas através de la pintura en diversos períodos y contextos.De igual forma se explora el tema involucrando otros medios que lo enriquecen. 

El curso Pintura y Objeto es un laboratorio de creación y reflexión en torno a los procesos y prácticas pictóricas con un interés especial en el objeto. Desde el bodegón hasta la instalación, los objetos han sido tema recurrente en el arte y en especial en la pintura.

El laboratorio propone, a partir de los conocimientos que poseen los participantes, un acercamiento crítico y objetivo a las prácticas pictóricas contemporáneas sin desconocer el contexto histórico en el cual se insertan.

PINTURA Y ESPACIO es un taller en el que se explora y se experimenta, por medio de la pintura y el color, el concepto de espacio: espacio como contenedor de las cosas (el universo en que toman forma las ideas, y donde los objetos, las cosas y los personajes pueden ser), y espacio como elemento protagónico (el espacio se vuelve “cosa”). Aquí es importante saber que la elaboración y manipulación del espacio están íntimamente ligadas al universo de la pintura, así como a la intención del estudiante y a sus emociones.

El objeto escultórico posee vínculos antropológicos profundos. Herbert Read habla del amuleto como el origen de la escultura objeto, enfatizando que en un objeto de este tipo se proyectan a nivel simbólico las creencias, los anhelos e incluso las necesidades del ser humano. Esta línea de desarrollo fue explorada insistentemente por los surrealistas y en general a lo largo del modernismo, pero también ha sido emulada en el arte contemporáneo, enfatizando la idea del objeto único como portador de significado personal. Pero también es cierto que el arte contemporáneo posee otra filiación inspirada en Marcel Duchamp y el ready-made. Esta vertiente señala al objeto existente, al objeto no artístico como receptor de una idea. Luego, el Pop continua la exploración del objeto de consumo y sus implicaciones sociales y culturales. Es de esta manera como el objeto escultórico contemporáneo se nutre de una historia diversa que le confiere amplias posibilidades expresivas y conceptuales. Su análisis, estudio y consideración dentro del ámbito social y cultural ofrece un espacio ideal para la exploración escultórica.

El curso introduce a los estudiantes en la discusión sobre la escultura pública a partir de la revisión tanto de las nociones de espacio actuales como de prácticas artísticas contemporáneas abordando esta problemática para luego dar paso al concepto de lo público y la relación arte-ciudad.

El grabado en todas sus facetas tradicionales, xilografía, grabado en metal, serigrafía, litografía, forma parte de la cadena evolutiva de los medios de expresión visual. La necesidad de reducir las escalas tonales a tramas ha permitido el nacimiento de todas las técnicas contemporáneas de reproducción impresa y electrónica. Es por eso por lo que el grabado es importante en la enseñanza de las disciplinas de reproducción y expresión artística.

El grabado en metal, por el amplio abanico de posibilidades expresivas y gradaciones tonales que ofrece, por la fuerza de su impresión sobre el papel, ha sido utilizado por grandes artistas para desarrollar propuestas plásticas personales, muchas veces cargadas políticamente. Durero, Rembrandt, Goya, Hogarth, Dix, Grosz, Picasso, Hockney, son unos pocos nombres. 

El grabado en metal no ha perdido fuerza como herramienta de expresión en el cada vez más variado mundo del arte del siglo XXI, dentro de una visión de “grabado expandido” que permite infinidad de hibridaciones con otros medios, como la fotografía, la impresión digital, la intervención directa, las otras técnicas de grabado, etc.…

Con las nuevas maneras de hacer grabado menos tóxicas, tanto para los artistas como para el medio ambiente, se abren además nuevas posibilidades técnicas y expresivas.

El curso aborda temas de la gráfica contemporánea, investigando y analizando conceptos tales como serialidad, repetición, fragmentación, tramas, retículas, huella; que brindarán al estudiante nuevas posibilidades creativas, para que pueda conformar y materializar sus ideas.

El curso da pautas y fundamenta a sus participantes en el manejo del complejo proceso del grabado a través de la experimentación y de la apropiación individual del mismo.

El taller teórico-práctico, pretende proveer al estudiante de los recursos técnico-conceptuales necesarios a ser utilizados para resolver problemas inherentes a su actividad profesional, específicamente en el campo de la gráfica, ya sea para representar, expresar o producir imágenes o ambientar objetos o espacios relacionados a su cotidianeidad.

Trabajando con la idea de que todo dibujo es abstracto, nos enfocaremos en el análisis del espacio tridimensional y el espacio imaginado para crear dibujos novedosos que nos ayuden a entender nuestro entorno y el mundo de lo imaginado. Éste será nuestro espacio, donde lo observado se une con lo imaginado para crear un lugar que oscila entre lo bidimensional y lo tridimensional, entre visto y lo no visto, entre lo real y lo abstracto.

 El dibujo es una herramienta indispensable para el artista plástico, ya que le permite plasmar una idea rápida y eficazmente. El dibujo revela la manera cómo funciona el cerebro permitiéndonos hacer representaciones bidimensionales de formas y espacios tridimensionales o de espacios imaginados. Para un buen dibujante el tener una noción clara del espacio y de los diferentes elementos que lo componen es fundamental para poder hacer un dibujo audaz y efectivo que sea fiel a sus ideas.

Este taller práctico propone explorar la relación cuerpo-escultura desde una perspectiva amplia que abarca desde la representación hasta la performatividad. El cuerpo es pensado no sólo en su materialidad, sino como una construcción cultural que lo convierte a la vez en objeto y en sujeto con capacidad de agencia en el tiempo y el espacio que lo contienen y lo habitan. Por otra parte la escultura se toma como un campo artístico expandido  que no se puede desligar ni del espacio ni de lo corporal.

El taller permite introducir al estudiante en el conocimiento de los elementos y conceptos propios de la forma y el volumen. El taller explora las diferentes posibilidades de representación tanto en el campo bidimensional, como en el tridimensional. El curso desarrolla la habilidad del estudiante, para plantear una idea como proyecto personal, y formalizarla en términos plásticos, como medio de comunicación

La materia permite dar un paso adelante de las bases técnica, es para aprender a expresarse. Una buena foto no es una imagen enfocada, sino una idea enfocada. El objetivo principal de este curso es despertar y madurar la capacidad de los estudiantes de hacer que sus ideas se conviertan en imágenes fotográficas.

Es un taller práctico de fotografía análoga y digital en que se hace un recorrido por las formas narrativas más comunes de la fotografía y se busca que los estudiantes, usando técnicas básicas, exploren y desarrollen su capacidad de contar sus propias historias.

Esta es una clase de naturaleza teórica práctica, diseñada con el objetivo de que puedan experimentar y aprender sobre las técnicas fotográficas del siglo XIX y también puedan desarrollar un proyecto de reflexión personal en torno a las problemáticas de la fotografía en el ámbito artístico contemporáneo.

“Retrato-Fotografía” es un curso que busca acercar al estudiante a la fotografía de retrato a nivel técnico, teórico e histórico.  De esta forma, a partir de una serie de ejercicios prácticos se busca que el estudiante pueda desarrollar una serie de propuestas personales a través de los sujetos a retratar en diálogo con la luz.

A partir de la revisión teórica de autores que han utilizado lo autobiográfico como sustancia en su trabajo, los estudiantes van a explorar el tema y realizar un proyecto en imágenes. Se busca que el estudiante desarrolle una actitud crítica y autoreflexiva sobre el medio fotográfico. El curso propicia la comprensión de lo fotográfico como un aglomerado de significados que acercan al estudiante a la práctica contemporánea de la imagen.

El curso ofrece a los estudiantes la oportunidad de descubrir las posibilidades de los medios de impresión  múltiples como una práctica contemporánea. Los estudiantes podrán experimentar técnica, como monotipos, impresión en relieve (xilografía), hueco grabado  y procesos litográficos. La clase incluirá demostraciones técnicas, discusiones teóricas  y críticas.

En este curso los estudiantes son introducidos a la litografía en piedra. A través de este proceso de impresión plana que es posible traducir las imágenes dibujadas a mano en grafito, o carboncillo y en múltiples capas de color. Se hace hincapié en la obtención de un conocimiento riguroso de las técnicas y los principios de la litografía a través de demostraciones de clase, proyectos individuales, de discusión y críticas. Con ejercicios específicos, el estudiante se enfrenta para resolver problemas de representación y composición. Introduce y enseña algunas de las técnicas de la litografiar en piedra y procedimientos indispensables para que pueda dimensionar el potencial que esta herramienta técnica y expresiva posee.

El desarrollo del grabado en relieve en los últimos años ha sido de suma importancia ya que a partir de las técnicas tradicionales ha empezado a desligarse de la formalidad que antes lo caracterizaba y se ha articulado con otros campos del arte para hacer así unas propuestas absolutamente interesantes e innovadoras. La técnica se convierte simplemente en un medio para hacer que se materialice una idea. Y dentro de la gran variedad de técnicas que ofrece el grabado en relieve, se abre un universo infinito para la labor creativa.

El curso conducirá al estudiante a explorar el potencial de representación artístico que tiene el medio fotográfico dentro de la producción creativa, analizando el trabajo de varios artistas y revisando distintas estrategias empleadas en la construcción de imágenes. El estudiante tendrá la oportunidad de investigar su propio tema de interés, explorándolo por medio de la realización de cuatro proyectos diferentes con el fin de elaborar un cuerpo de trabajo personal. Para este curso se espera que los estudiantes ya cuenten con nociones básicas de fotografía, que estén interesados en profundizar más allá de lo que involucra tomar una foto o documentar un hecho y que puedan trabajar de forma individual e intensiva en su práctica artística dentro y por fuera de clase.

El curso explora las distintas modalidades del enfoque experimental en el audiovisual. Se contextualizan históricamente las prácticas y estrategias expresivas, narrativas y poéticas con ejemplos provenientes de distintos géneros. Al mismo tiempo el estudiante trabaja en sus propios proyectos creativos en vídeo a través del aprendizaje simultáneo de técnicas digitales de edición y procesamiento digital de la imagen audiovisual.

Este curso parte de la experimentación del movimiento aplicado a la creación audiovisual. Se enfatizará en aspectos performáticos y corporales relacionados con el vídeo.

El curso promueve la búsqueda de nuevas formas de expresión digital basado en el aprendizaje y experimentación básica a través de la escritura de algoritmos. Este curso hace énfasis en el proceso de producción de scripts a través de la construcción de códigos en distintos lenguajes dentro del medio digital. Se analiza el medio digital. Se fortalecen procesos creativos que involucren la experimentación de la computación en los aspectos visuales, sonoros, narrativos,, interactivos y de programación.

Se introduce al estudiante a conceptos del arte sonoro, así como a la producción y edición digital y análoga del sonido. Se dará un contexto histórico de prácticas sonoras estrechamente vinculadas a procesos artísticos. El curso motivará la creación sonora como medio expresivo autónomo o en conjunción con otros medios visuales y performativos.

Taller teórico práctico planteado como espacio de reflexión y creación en relación con la producción de instalaciones audiovisuales. El mismo ofrece un marco referencial para entender esta práctica, desde una perspectiva histórica, enmarcada dentro del arte contemporáneo, pero a la vez desde la comprensión de conceptos tales como, espacio, tiempo, tecnología, dispositivo, narrativa, lenguaje, interactividad. El curso busca que el estudiante experimente con los nuevos medios electrónicos, la imagen y el sonido digital y desde allí pueda reflexionar en torno a las múltiples posibles articulaciones de estos para generar propuestas audiovisuales e interactivas personales, coherentes e innovadoras. A lo largo del curso se propondrán como referentes múltiples aproximaciones, artistas y obras.

En el arte contemporáneo (y en el de todos los tiempos) la reflexión acerca de los conceptos más generales (representación, tiempo, espacio) ha ocupado un lugar fundamental. Todos estos conceptos han sido objeto de una continua y profunda elaboración al interior de las matemáticas. El curso busca dar algunas indicaciones que ilustren cómo han sido desarrollados matemáticamente más allá de lo que generalmente se ve en el colegio. Aunque se darán algunos ejemplos de cómo las ideas matemáticas han sido tratadas por artistas, el curso se ocupará principalmente de presentar el contenido matemático para que los alumnos piensen las distintas formas de llevar a cabo proyectos artísticos que incorporen esas ideas.

El curso aborda algunos criterios definitorios del estatuto de la obra de arte y de la definición del arte “contemporáneo” (posterior a la segunda mitad del siglo XX). El estudiante  estudiará aspectos centrales de la práctica artística: la definición del arte y su transformación en el contexto reciente; el establecimiento de teorías comprensivas del arte con elevado poder descriptivo en el ámbito norteamericano en el siglo XX y XXI; la evaluación de la capacidad expositiva y comprensiva de algunas disciplinas estéticas cara a las transformaciones resultantes del trabajo, concepción y circulación de las obras de arte en la parte final del XX e inicial del XXI; la reflexión acerca del papel vinculante y a la vez excluyente de un régimen de creencias extendido acerca de lo que es el arte y de su diferencia con campos aparentemente contrarios.

El museo es un espacio que se produce tanto desde el lugar que se concibe (se representa), como desde la imagen que se tiene de él (lo que representa) y, claro está, la forma en que lo recorremos críticamente (cómo se practica). Por ello, pensar el lugar del museo como experiencia espacial implica entonces preguntarnos ¿desde qué lugar se concibe?, ¿qué tipo de relaciones se establecen con las obras que contiene?, ¿cómo se relaciona con el público y la ciudad que lo rodea?, ¿cómo lo recorre y lo consume críticamente el público que lo visita?

El curso está planteado a partir de las tres funciones principales de un museo; investigar, conservar y comunicar, la propuesta académica se fundamenta en clases teóricas, lecturas casos de estudios y trabajo práctico en instituciones museales. 

 A partir de charlas, magistrales, talleres didácticos,  visitas a instituciones y practicas académicas se pretende introducir al estudiante en las complejas dinámicas de una institución museal, lo que permitirá comprender la situación actual en el contexto colombiano, establecer diagnósticos sobre los diferentes elementos que lo componen y establecer estrategias para el trabajo a futuro, en otras palabras, pensar el museo.

Se trata de un curso en el que la aproximación a la crítica consiste en explorar distintos formatos de la crítica, su relación con lo público y las nuevas tecnologías: crítica en Internet, video columna de opinión, las distintas plataformas de circulación: portal en internet, blog personal, Facebook, Instagram, Twitter. Se trabajará a partir de visitas a exposiciones, análisis de situaciones del campo del arte, debates recurrentes, lectura de textos de varios archivos de crítica, así como entrevistas a artistas, curadores y críticos. Desde las primeras semanas se editará un portal en Internet donde se publicarán trabajos realizados en el curso. El curso contará con varios invitados y se programarán visitas a exposiciones.

El curso busca dar a los estudiantes herramientas para desarrollar un proyecto expositivo, que involucre un componente de producción de obras in situ, así como las operaciones logísticas y técnicas del caso. Evidenciar que en el proceso de montaje los significados son susceptibles de ser fabricados, expuestos y comunicados. Aprender a identificar la significación del objeto para articular un guión expositivo y familiarizarse con conceptos museográficos como la manipulación y el cuidado de las obras.

La ciudad y el espacio público se van a abordar como experiencia espacial y discursiva. Por ello el método a seguir es: 1. análisis y la reflexión sobre casos en que se establece una relación arte y espacio público. 2. Ejercicios y experiencias de intervención en el centro de Bogotá. 3. Desarrollo de una propuesta de intervención en el espacio público.

Se trabaja en torno a la noción de “lugar” en la ciudad. Es decir, en torno a su relación con la memoria, el patrimonio y construcción de públicos. Igualmente se verá cómo la intervención como alteración de flujos en el espacio público así como la ciudad como espacio de encuentro y conversación.

El curso tiene carácter práctico. Por ello se plantearán diversos ejercicios e intervenciones en lugares como el cruce de la carrera séptima con avenida Jiménez, el Parque de la Independencia y algunos monumentos no formales del centro de la ciudad.

Estudiar el mercado y el mundo del arte consiste en analizar cómo y donde ocurren las transacciones de las obras y quienes son los actores que animan esta escena.

El curso de Arte y Mercado propone a los estudiantes familiarizarse con sus especificidades y en particular con el mercado del arte contemporáneo. En efecto, el mercado del arte contemporáneo es un asunto de actualidad, espinoso, controvertido y, aunque hasta ahora está emergiendo en Colombia, tiene un impacto particular y concreto.

Por otra parte, ese curso propone a los estudiantes la comprensión de la dinámica del mercado del arte en su naturaleza proteiforme, con el fin de entender la sinergía de los diferentes actores y descifrar la lógica propia de este mercado. Mundialización, oferta y demanda, formación del valor artístico y creación de precio, fenómeno de especulación, “Star system”, coleccionismo, entre otros, serán los temas que se desarrollaran.

El taller elude la posibilidad de enseñanza y se centra en la experiencia del aprendizaje. Busca generar una práctica de la escritura centrada en la subjetividad y quiere despojar de pretensiones el ejercicio de teclear o garabatear sobre una hoja en blanco, sea real o virtual.

Este curso tiene como objeto explorar y recorrer estas exposiciones, conversar con sus artistas, curadores, críticos y otros actores del medio del arte. El curso tendrá como invitados 12 curadores y artistas de estos eventos, quienes dialogarán sobre su trabajo, la exposición y el proyecto curatorial. El curso tendrá una plataforma on line donde se publicarán entrevistas, opiniones y relatos de las visitas a las exposiciones.

El auge de la publicación digital, las plataformas de medios en línea, y los dispositivos móviles ha cambiado radicalmente la manera en que se ve la información, el arte y la cultura hoy en día -y a la vez ha inspirado nuevos usos e interpretaciones de los medios impresos. Artistas y productores culturales en diferentes partes del mundo están experimentando activamente con prácticas de publicación alternativas que evocan memorias análogas, documentan críticamente el presente, o reformulan el futuro del medio. Estas dinámicas contemporáneas examinan la sostenibilidad del medio impreso, proponen ejercicios de participación mediada y configuran nuevos espacios sociales para la difusión e intercambio de ideas.

Al tiempo que se aprecia la experimentación avanzada, al taller de Publicaciones le interesa el ejercicio de la escritura como vehículo de pensamiento y consignación de ideas. Por esto, el segundo componente del taller estará enfocado a usar las destrezas ejercitadas en las primeras semanas para configurar en grupo una publicación impresa con desarrollo temático.

El Arte y el Vestido es un seminario-taller para quienes quieran experimentar con formas alternativas de conceptualizar el diseño de vestuario. Hacer un vestido es esencialmente modelar un cuerpo, su naturaleza y sus posibilidades de movimiento y de relación con un contexto espacial y también social. Para este trabajo, ampliar la definición que se tiene del cuerpo para el que se diseña resulta en una ampliación también del campo de la reflexión y de la imaginación sobre el vestido y sobre el cuerpo. Y es en esta perspectiva del diseño donde convergen el Arte y el Vestido.

A partir de la exposición en el curso de temas como “Ropas sensoriales”, “El vestido como espacio flexible”, “El Surrealismo y la Moda”, “El vestido como hábitat”, “Estereotipos y permutaciones” , “El cuerpo desorganizado” , “El vestido como signo” y “Vestidos Reciclados”; los estudiantes explorarán conceptos y posibilidades para realizar un trabajo experimental de acuerdo a sus intereses y expresiones artísticas personales. Su aproximación al vestido podrá desarrollarse desde diversos medios de expresión como dibujo, fotografía y ensamblaje o directamente como producción de vestuario.

Esta asignatura busca una conciencia de la corporeidad a partir del autorreconocimiento, la memoria corporal, la respiración, el control de la energía en el tiempo/espacio, el reconocimiento de las emociones básicas en un plano físico, la inserción de un trabajo orgánico con lenguajes corporales a partir del estudio del performance y el arte de acción, la antropología teatral, el teatro postdramático, la voz, la presencia, etc.

Se busca desde la experiencia a través del cuerpo un vínculo directo con otras prácticas artísticas como la danza, la música, el teatro, el video, la instalación, el arte sonoro, la fotografía entre otros. El cuerpo en este curso es mediador de la imagen a partir de un proceso consciente en la propia práctica y el registro.

El curso permite al estudiante a comprender y aprehender, a través del dibujo, la posibilidad de concentrarse y tener más conciencia de sus diferentes estados; como sentir, escuchar y ver. Con esta herramienta, el dibujo sumi-e podrá escuchar el silencio, desconectarse de su entorno e introducir esta misma a sus actividades cotidianas.

Adicionalmente, el taller se articulara con el chi-kung. Con estos conocimientos se adquiere un espíritu positivo, por lo que el participante tiene la posibilidad de alcanzar una mayor conciencia de sí mismo, entrar en las profundidades de su ser y descubrir sus capacidades en las dimensiones espirituales, psicológicas y físicas.

El curso examina maneras diferentes y divergentes de fijar conceptualmente las características específicas de una imagen cinematográfica "pura" a través de dos dos puntos de vista desde los cuales es posible forjar un concepto de cinematograma "puro": el punto de vista de quien lo percibe, y el punto de vista de quien lo produce. Discutiremos textos de Benjamin y Bresson en defensa de la complicidad entre la pureza cinematográfica y la pureza de la acción repetitiva e irracional; textos de Snow, Conrad, Sharits y Frampton en defensa de una estrategia técnica y teórica radical del cine sin representación; textos de Deleuze y Rancière en defensa de un concepto pluralista y mestizo del cinematograma y de su historia.

Al tiempo que introduce los principales ejes teóricos y de debate que guían la gestión cultural a nivel internacional, esta materia busca desarrollar en los alumnos, desde la práctica y el contexto local, las competencias y las herramientas fundamentales para la proposición, gestión y evaluación de proyectos culturales desde una óptica crítica y propia.

Al tiempo que introduce los principales ejes teóricos y de debate que guían la gestión cultural a nivel internacional, esta materia busca desarrollar en los alumnos, desde la práctica y el contexto local, las competencias y las herramientas fundamentales para la proposición, gestión y evaluación de proyectos culturales desde una óptica crítica y propia

Desde la museología y con un enfoque crítico, esta clase busca aportar un marco histórico y teórico que explique el  por qué y para qué de  estas instituciones dentro de un marco nacional e internacional.

Este curso tiene como objeto proporcionar herramientas para que los estudiantes de arte conozcan qué opciones tienen para financiar sus proyectos, darle visibilidad a sus propuestas, diseñar un portafolio de su trabajo, crear espacios de encuentro y exposición, conocer a qué convocatorias puede aplicar actualmente y qué aspectos son decisivos al aplicar a una convocatoria.

Los materiales de arte sirven como herramientas para la expresión visual de emociones, ideas y puntos de vista. Adicionalmente, el color, la textura, loa forma y las demás cualidades de los materiales de arte provocan impulsos que nos permiten conocernos más profundamente. Este curso explora ambos manejos: el material artístico como herramienta de expresión y el menos explorado camino del material de arte como estímulo de autoconocimiento. Los estudiantes serán introducidos a diversos materiales de arte y serán invitados a expresar, por medio del material, lo que éste los incite a expresar, sin promover juicios estéticos.

El curso pretende que el estudiante aprenda a través de ejercicios específicos las particularidades de una técnica tan sencilla y compleja como la acuarela. El curso guiará al estudiante desde la aplicación del método tradicional, y un empleo correcto de los procesos hasta la exploración de ciertos aspectos de la práctica contemporánea.

El patrimonio cultural cada vez más se consolida como un campo de conocimiento marcado por diferentes problemáticas y tensiones que parten de su definición y que involucra diferentes actores, comunidades e intereses que lo definen. Desde esta perspectiva, el curso pretende introducir al estudiante en las definiciones generales de lo que constituye a nivel internacional y nacional el patrimonio cultural, haciendo especial énfasis en el patrimonio artístico, así como brindar herramientas que le permitan entender las implicaciones y dificultades que tiene el estudio de este tipo de obras y manifestaciones teniendo en cuenta el papel que juega la mirada del historiador del arte como especialista.

Cada vez que alguien se sienta a la mesa está contando la historia de su cultura. Lo que come, la compañía elegida, los utensilios que usa, el espacio de la mesa y la cocina, el tiempo empleado, son el relato más claro de los mestizajes de una región, de los cambios que ha experimentado.

Este curso propone acercarse a la cocina como experiencia artística y social, es decir, como un quehacer que depende más de la cultura, de los hábitos e inclinaciones de un grupo humano que de su mismo entorno o necesidades nutricionales, es por tanto la cocina un escenario político, tanto de convivencia como de conflicto. Se hará un recorrido por la cocina occidental, identificando en ella épocas históricas: una cocina del Renacimiento bastante distanciada de los usos medievales, una barroca, una cocina del siglo XIX que se debate entre los adelantos científicos y el sentimiento romántico y una del siglo XX, que está entre la vanguardia, la investigación y la recuperación de tradiciones ancestrales.

El curso ofrecerá a los estudiantes la experiencia de crear obras visuales a partir de conceptos y temas literarios. El acercamiento comparado entre la literatura y las artes visuales está organizado en torno a problemas claves para el estudio de estos dos lenguajes: la representación en obras de arte y en la literatura; narrativas pictóricas / narrativas literarias;  poéticas y poiéticas. Con estos conceptos y con las herramientas necesarias para el acercamiento al texto literario el estudiante podrá crear obras visuales pero también literarias que se constituyen por medio de imagen y texto, como la literatura infantil, el comic, el libro álbum.

El curso propone un recorrido a través de algunas de las numerosas prácticas artísticas que en la intersección entre el arte, la política y el activismo, se han manifestado en los últimos 30 años. Nociones de estética, participación, comunidad, redes y acción ciudadana que abordan la idea del arte como forma y proceso generador del cambio social.

El curso permite a los estudiantes desarrollar la capacidad de crítica: tener opiniones, interpretaciones y juicios sobre su trabajo y el de los demás. Podrán entender la visión histórica del arte y el gesto, su conceptualizacióny contextualización. Mediante ejercicios, talleres y tutorias los alumnos producirán una practica personal.

A nuestros días han llegado importantes objetos o manifestaciones materiales del hombre, realizados en épocas remotas. Este hecho no es fortuito.  Son muchas las causas que han permitido que hoy en día presenciemos objetos cerámicos milenarios, pinturas rupestres, tapices, murales y un sinnúmero de bienes que hacen parte importante de la historia del hombre.

El presente curso pretende abordar la conservación de una obra de arte, así como las causas que provocan su deterioro y en el caso del patrimonio cultural, su pérdida de valor y significado. Por otro lado, el curso se enfocará en la manera de evitar estos deterioros, particularmente tomando medidas relacionadas con el contexto y su incidencia, apuntando a la comprensión de cuáles son los riesgos y cuidados que se deben tener en la vida de una obra desde su creación, durante sus procesos de exhibición, montaje, manipulación, almacenamiento, embalaje y transporte. 

En ese sentido, se espera que los estudiantes logren un acercamiento a la conservación preventiva, como una forma de actuar y una postura ética de todos los profesionales que tienen relación con las artes y el patrimonio cultural, pero también, que desarrollen los conceptos, conocimientos, metodologías y técnicas propias del campo de la conservación preventiva, desde una perspectiva teórico-práctica.

Los documentales, más allá de retratar la realidad, son manifestaciones culturales que la reelaboran y están inmersos en el contexto y la vida social del director y sus sujetos. En esta medida son tanto el resultado de las decisiones personales del autor, como reflejo del momento histórico y social en el que se encuentra. El film ensayo o documental de ensayo apunta a crear un “cine pensante” en la doble acepción de la expresión: por un lado pensar sobre las sociedades y el ser humano contemporáneo, y por otro, pensar sobre el cine mismo como medio de expresión. Este tipo de documental se distancia del documental tradicional ya que deja de preocuparse por la problemática idea de la representación de la realidad y recorre caminos más decididamente creativos. Son documentales que, más que buscar retratar fielmente la realidad, quieren dejar claro un punto de vista de su autor y explorar las posibilidades expresivas del medio audiovisual.
La frontera entre el documental y la ficción es difusa; recordemos la definición de Bill Nichols del documental como una ficción en nada semejante a las demás; igualmente difusa es la separación entre documental y cine experimental, en la medida en que el primero se hace consciente y se aventura a explorar el medio que usa para la representación. Siguiendo estas líneas, el curso abordará el documental como una forma híbrida que recibe diversas influencias. Durante el semestre se analizarán producciones que, por ser difíciles de clasificar, se han dejado de lado al trazar la historia del documental clásico, pero que ofrecen alternativas interesantes y estimulantes para eso que ha venido a llamarse film ensayo.

Pocas prácticas involucran tan profundamente el sentido y la significación como las que están relacionadas con el arte. Ejercicios como la creación, la curaduría o la crítica implican proponer interpretaciones a otras personas alrededor de conocimientos y capacidades compartidas. Sin embargo, en muchos casos, los mecanismos de significación se desconocen, se estudian muy poco o se asumen irreflexivamente. Este curso se propone discutir cómo las interpretaciones de los demás, en vez de ser misterios individuales inaccesibles, son cosas que se pueden estudiar con el fin de hacer obras, curadurías y críticas mejores y más ricas; que cumplan conscientemente con los propósitos de quien las produce y que tengan resonancia en quienes las reciben. Para eso busca entrelazar los estudios y teorías basadas en la semiótica y las ciencias cognitivas contemporáneas, que centran fuertemente sus disciplinas en averiguar cómo funciona el sentido, con los problemas de la creación y la significación artística.

El curso hará un recorrido por diversos casos históricos donde el arte ha permeando otros espacios y sido un vehículo para llevar a temas individuales, sociales, culturales y políticos. ¿Cuáles fueron las vanguardias artísticas que intuyeron a esta apertura?, ¿En qué momento el arte empieza a estar presente en nuevos contextos como hospitales psiquiátricos, cárceles, centros de servicio social y escenarios de reparación?, ¿Qué factores motivan este uso? ¿Qué roles ocupa el artista en estas transformaciones? A partir de estos interrogantes se invita a los estudiantes a indagar sobre el alcance del recurso artístico, el papel de la creación y el contenido que albergan las imágenes. Los diversos componentes del pensamiento artístico llevan a sentir y comprender aspectos del individuo que de alguna manera nos tocan a todos. Al observar expresiones artísticas en diversos contextos, se pueden ver temas recurrentes y arquetipos comunes a todas las culturas y todos los tiempos; temas que tienden un puente entre lo universal y lo particular, entre lo interno y lo externo, lo visible y lo invisible. Temas que generan relaciones empáticas entre diversos grupos humanos.

Este taller estudia la evolución de las técnicas pictóricas desde un punto de vista científico y técnico. Está dirigido a artista, historiadores, diseñadores y arquitectos con interés en las técnicas pictóricas. 

El conocimiento de la evolución de las técnicas pictóricas desde un punto de vista científico es importante tanto para la comprensión de las obras patrimoniales como para su utilización en el campo de la creación artística.

El curso acerca a los estudiantes al campo del patrimonio cultural a través de tres ejes fundamentales, la investigación, la valoración y la creación a partir de la interpretación del patrimonio con la ejecución de prácticas artísticas. A partir de un enfoque teórico práctico los estudinates trabajarán en laboratorios para la adquisición de herramientas para la creación, la investigación y la difusión del patrimonio cultural.

En la última década, el patrimonio se ha ido desmarcando de las nociones más tradicionales cercanas a la idea de monumento, en las que los objetos y bienes de carácter “cultural” jugaban un rol central en la construcción y legitimación del pasado, amarrado a la conformación moderna de los estados nacionales por parte de unas élites. Considerando que el patrimonio ya no es solamente la objetivación de ciertos valores hegemónicos, es posible comprender por un lado, la diversidad de representaciones consideradas como patrimoniales, y por otro, cómo se ha constituido en un campo problemático de permanente tensión, en cuyo estudio convergen cada vez con más urgencia, diferentes miradas, teorías y métodos de distintas disciplinas. Ante un panorama tan complejo como el que exhibe el patrimonio cultural, el curso pretende acercar a los estudiantes a los conceptos fundamentales y necesarios para la comprensión de qué es y cómo se define, así como al debate actual en torno a la relación que debe establecer el patrimonio con los individuos y las comunidades, haciendo un énfasis en aquellas manifestaciones y bienes que se definen como artísticas, así como en los escenarios – como los museos por ejemplo – en los que se legitima la idea de lo patrimonial. En ese sentido, la asignatura aborda cómo ha sido la evolución de la idea de patrimonio cultural y cuáles son las problemáticas centrales con respecto a su definición, preservación y conservación en el ámbito de las políticas e instituciones culturales a nivel internacional y en el contexto colombiano.

Este taller propone introducir al alumno al quehacer documental mediante herramientas teóricas y prácticas propias de este género. Se introducirá con una reseña histórica del origen del documental, los tipos de investigaciones que existen para configurar personajes y crear universos dramáticos. Se analizarán diversos estilos de documentales. Se trabajará en la estructura narrativa para lograr crear un guion sólido de sus propias historias reales. 

La finalidad de este taller es explorar en la diversidad que se da en la realidad y buscar un punto de vista particular para crear historias con temáticas universales.  La idea es encontrar una mirada original, potenciar a personajes particulares y/o con historias únicas y explorar sus mundos. Mediante este ejercicio se ampliará la mirada como autores y, por consiguiente, la del espectador, abriendo un espacio a la reflexión, a la responsabilidad social de transmitir un mensaje y el diálogo.