ARTE - Arte

EL curso capacita al estudiante en la correcta utilización de equipos y las herramientas y de acuerdo con las normas de seguridad industrial y salud ocupacional y el reglamento a cada taller y laboratorio del Departamento.

EL curso capacita al estudiante en la correcta utilización de equipos  audiovisuales y su principio de funcionamiento básico.

EL curso capacita al estudiante en la correcta utilización de equipos  audiovisuales y su principio de funcionamiento avanzado.

La cerámica es una técnica fundamental en el desarrollo del conocimiento humano, desde una perspectiva histórica, revela evidencias para analizar la cultura material de los pueblos, su cosmogonía, flujos comerciales y económicos, usos y costumbres, pero sobre todo su visión estética. En el arte contemporáneo ocupa un lugar privilegiado como medio para apoyar búsquedas que exploran el espacio y la forma en lo escultórico y en el diseño industrial.

La cerámica como lenguaje reúne un abanico de posibilidades relacionadas con la creación y producción de formas que concentran en su cuerpo y superficie, la riqueza de procesos de modelado, construcción, acabado y transformación por el fuego.

El torno es parte importante del lenguaje cerámico y ha sido un protagonista central en los procesos arriba enunciados; el curso ofrecido por el departamento de arte busca, por lo tanto, fundamentar las condiciones y técnicas básicas para su conocimiento y uso como herramienta creativa.

La Cerámica ha marcado importantes momentos en la historia del arte, siendo la arcilla un  material de tal versatilidad que permite la elaboración de objetos con  nivel desde industrial hasta propuestas artísticas. : El renovado interés en  la cerámica dentro del ámbito de la plástica, justifica el fortalecimiento de la Opción, en la que a través de sus contenidos  se pretende  brindar herramientas para la configuración de propuestas plásticas, haciendo un recorrido por la técnica para llegar al objeto aunando elementos personales que impregnen los objetos elaborados, de alguna carga simbólica, al menos para quien los elabora.

El menosprecio que hasta ahora ha caracterizado a la mirada occidental sobre estos procesos ha desmeritado el gran valor y la versatilidad del material que corresponde a manifestaciones importantes dentro de nuestra historia. Durante el proceso de sensibilización para los neófitos en el tema, se llegará a la elaboración de los objetos sin reparar tanto en los conceptos, apegándose más a la experiencia fenomenológica de cada participante.

Durante el curso se concretarán propuestas objetuales sin profundizar demasiado en el campo conceptual ya que los rudimentos técnicos requieren de bastante tiempo.

Los estudiantes inscritos propondrán proyectos tri o bidimensionales que serán elaborados utilizando diferentes técnicas.

“Fotografía 1” es una asignatura que busca introducir al estudiante a los conceptos básicos de la fotografía, principalmente al manejo de cámara 35 mm analógica y a un uso adecuado del laboratorio para obtener así fotografías blanco y negro correctamente ampliadas en cuanto a exposición y contraste. También se realizarán unos ejercicios con menor intensidad relativos a la iluminación de estudio básica y a técnicas alternativas de manipulación de imagen analógica. Y por último se busca que, a través de proyección de referentes, lecturas y de la interacción misma con el profesor y compañeros, se genere una mirada y una reflexión crítica hacia la imagen fotográfica contemporánea.

El curso pretende abordar el fenómeno de la cultura visual contemporánea desde la visión fotográfica. Se trata de visitar los “lugares comunes” que la fotografía ha logrado instaurar en nuestra percepción de imágenes y aquellos que hoy se están gestando, las nuevas formas de ver el mundo que la superficie sensible ha creado, y que ya nos resultan tan habituales como nuestra propia visión. Cada uno de los "lugares comunes" se despliega a través de la historia y la actualidad de la práctica fotográfica recogiendo ejemplos, autores e imágenes. Se abre así un panorama de reflexión que abarca desde la fotografía de familia, la fotografía de prensa, los experimentos del arte contemporáneo, los usos científicos hasta los acontecimientos visuales en los medios y las creaciones de la imagen digital.

Este curso se propone hacer un recorrido cronológico por diferentes épocas y contextos de la historia del arte en los que el hombre se ha ocupado de manera especial en la representación del animal. Desde el propio nacimiento del arte rupestre paleolítico hasta las recientes experiencias y manipulaciones biogenéticas por parte de algunos artistas, más que agotar la infinidad de ejemplos, se trata de reflexionar sobre las diferentes miradas y motivaciones que conforman la imaginería animalista en el arte. Rito, mito, símbolo, ciencia, contemplación, explotación, identidad y alteridad se cruzan a lo largo y ancho de esta historia que va consignando la estrecha y tortuosa relación humana con los animales.

Cerámica 2 Figura Humana profundizará los conceptos adquiridos por algunos en el primer curso y enriquecerá para toda la experiencia en el trabajo con la arcilla como medio de expresión artística.  El eje central del curso utilizará el estudio y la representación del cuerpo humano y suimportancia a lo largo de la historia del arte como pretexto para profundizar en el trabajo y la comprensión de volúmenes escultóricos; de allí surgirán diversos temas de reflexión que con el apoyo de lecturas seleccionadas servirán como punto de partida para la construcción de propuestas utilizando las diferentes técnicas cerámicas.  La mirada y la reflexión acerca del propio cuerpo, así como la observación de obras de artistas que trabajen el tema serán herramientas importantes dentro del curso.

El taller de luz consiste en un espacio para la comprensión, la reflexión práctica y la creación en torno al elemento que está en la base misma de la práctica fotográfica, a saber, la luz. Se ofrece al estudiante la posibilidad de utilizar sus conocimientos básicos para entender el problema de la luz como núcleo fundamental de la imagen fotográfica. A partir de este eje conceptual el estudiante emprende a lo largo de la asignatura un conocimiento profundo del lenguaje fotográfico, a la vez que reflexiona y experimenta en torno a sus formas de expresión y sus posibilidades.  Además de los conceptos iniciales de manejo de luz natural y luz artificial, se ofrece un primer acercamiento a procesos experimentales, técnicas de estudio, de iluminación y uso del color. Todo esto acompañado de una reflexión conceptual dirigida a incrementar las habilidades de apreciación visual y percepción del papel de la luz en la estética de la imagen fotográfica.

El taller plantea la exploración de una serie de técnicas que le permita a la persona por un lado entender la noción clásica del dibujo (lápiz y papel) y por el otro, le ayude a ampliar y a sensibilizar de una forma más lúdica la mirada con relación al medio y a su entorno.

Para este curso se dispondrán en cada una de las clases problemas y ejercicios que estimulen y desafíen la percepción y los conocimientos dibujísticos del estudiante.

Este taller tiene como propósito hacer una introducción al manejo de los elementos formales básicos de la expresión bidimensional y desarrollar herramientas para usarlos. Esto se hará a través de una serie de ejercicios prácticos que propician tanto la experimentación como la reflexión sobre su uso y sus procesos. El objetivo fundamental es que los estudiantes adquieran una serie de herramientas formales que puedan ser utilizadas en el desarrollo de sus proyectos.

La clase introduce al estudiante al campo de la producción de imagen digital dentro del contexto de la creación artística. El curso abordará la fotografía desde aspectos históricos, conceptuales y técnicos, teniendo en cuenta su origen análogo para entender la transformación que se ha venido desarrollando del medio y su lenguaje. La primera parte del semestre estará enfocada en relacionarse con los equipos, las herramientas del laboratorio digital y proyectos guiados. La segunda parte del curso se centrará en la producción intensiva de imágenes por medio de la realización de proyectos independientes.

A través de ejercicios específicos, el estudiante enfrente y resuelva problemas de percepción, representación, escalas y composición inherentes al mundo de la ilustración científica. El curso introduce y enseña algunas de las técnicas y procedimientos indispensables para representar diferentes tipos de especímenes. El estudiante podrá reconocer la importancia de la ilustración científica en el estudio de las ciencias naturales y dimensionar el potencial que esta herramienta posee para hacer visible información que de otra manera sería casi imposible de mostrar.

Se ofrece, a través de recorridos por imágenes, un panorama de la actividad pictórica mundial desde mediados del siglo XX hasta nuestros días, reconociendo algunas de las ciudades de importancia para esta actividad artística así como de sus lógicas visuales generales.

Siendo la pintura un arte injustamente condenado a firmar su acta de defunción varias veces, su incapacidad para morir resulta asombrosa, más aun en la llamada era digital, rodeada de medios que le compiten tratando de igualar su capacidad de transmitir la temperatura, de hacer virtualmente posible percibir lo tangible y lo táctil de las cosas, fenómenos y personas del mundo. Lo cierto es que la pintura fue y es la reina de las artes, desde la época de las cavernas hasta su amplia práctica actual en la forma de Pintura automática, Pintura provisional o Pintura portátil– pasando por su liderazgo en la jerarquía de las academias de arte desde la época de Luis XIV hasta la llamada pintura Internacional o Apropiacionismo de hoy.

La teoría del arte surgida después del Formalismo trató de ver en la pintura una trampa que impedía la relación directa con el mundo y con el propio cuerpo del espectador de obras de arte, hasta el punto de enceguecerlo y excluirlo como sujeto contemplador. Con el tiempo hemos visto la ingenuidad de esta postura teórica –todavía tan influyente-, pues el propio cuerpo humano ¡tiene ojos! y el fenómeno visual implica la capacidad de visualizar, de percibir virtualidades que también son parte de la experiencia del cuerpo. Peor aún: la cultura mediática, totalmente virtualizada y ubicua es, simultáneamente, la experiencia pictórica más intensa del yo que conocemos.

Este curso consiste en una serie de charlas y proyecciones que rastrean la animación desde sus comienzos silenciosos a principios de 1900 al complejo panorama audiovisual contemporáneo. De cortos a largos, de lo comercial a lo artístico, de lo análogo a lo digital, esta clase examinará la evolución de la animación como medio de expresión y también analizará su impacto social, en especial la distorsión de lo que se considera “real”. Los estudiantes explorarán el trabajo de varios animadores y sus técnicas a través de ejercicios básicos “hands-on”.

Este curso consiste en una serie de charlas y proyecciones que rastrean la animación desde sus comienzos silenciosos a principios de 1900 al complejo panorama audiovisual contemporáneo. De cortos a largos, de lo comercial a lo artístico, de lo análogo a lo digital, esta clase examinará la evolución de la animación como medio de expresión y analizará su impacto. Los estudiantes explorarán el trabajo de varios animadores y sus técnicas a través de ejercicios básicos “hands-on”. 

El curso hace una introducción a estudiantes de arte a la ilustración como práctica profesional, entendida como un ejercicio de comunicación visual para proyectos de iniciativa personal o de aplicación comercial. A tarvés de la experimentación técnica más intuitiva, en diálogo permanente con un pensamiento visual y crítico, se intenta que cada estudiante pueda encontrar o afianzar su voz personal, reflejando una posición frente al mundo, que parta de un reconocimiento o apropación de lo local.

El curso se interesa en la evolución de la imagen fotográfica, como nuevo régimen de representación, visión y visibilidad del mundo a partir del siglo XIX. Se trata de abordar distintas problemáticas de la historia de la fotografía que condicionan tanto nuestras relaciones de uso y de percepción de la imagen, como la constitución del imaginario colectivo. El curso se articula alrededor de tres temáticas: las relaciones del poder con el medio fotográfico, la constitución de una práctica artística de la imagen fotosensible y el uso estratégico de la fotografía.

El curso permite  reconocer y  familiarizarse con los materiales involucrados en la preparación de los diferentes acabados cerámicos y la experimentación para llegar a la complementación de lenguajes plásticos que marcan un camino valido y posible para la realización y materialización de proyectos. La cerámica, considerada y re-posicionada dentro de los lenguajes plásticos contemporáneos, justifica el fortalecimiento de la  opción y parte de esto es el dominio y apropiación de los materiales involucrados en los procesos.

Una de las expectativas de los estudiantes de arte es la de encontrar soluciones técnicas para producir objetos tridimensionales. En nuestro contexto, las opciones de materiales en el mercado son muy limitadas. Supliendo esta carencia, el taller ofrece diferentes soluciones para alumnos de los talleres de tres  dimensiones que tengan la necesidad de experimentar con materiales y procesos de tecnologías contemporáneas. El curso propone una revisión de técnicas avanzadas de producción de moldes y vaciados en resinas más fáciles de usar y de menor toxicidad.

La tierra, más allá de ser el lugar físico en el cual surgieron y florecieron las culturas andinas fue la aliada natural de los pueblos. En ella dejaron las huellas a través de las cuales hemos podido conocer y comprender el destacado nivel de las culturas que fueron diezmadas con la invasión española.  El barro y la arcilla fueron la base de su cultura material; a través de este curso reconoceremos la tierra, el barro, el adobe y la cerámica siempre presentes en la historia de los Andes.  En un amplio y variado recorrido  partiendo de Lima, donde visitaremos colecciones de cerámica pre-colombina y talleres de ceramistas contemporáneos, y pasando por diferentes puntos arqueológicos clave de la Costa Norte peruana como Caral, Sechín y Chan-Chan, daremos una nueva y enriquecedora mirada al barro desde la historia, la antropología y el arte.  Esta observación cuidadosa, sin duda, refrescará la apreciación de nuestras culturas ancestrales y del barro mismo como el más humilde y a la vez poderoso de los elementos por su condición plástica y transformadora, de amplio espectro en su uso y aplicaciones.

El curso se interesa en la evolución de la imagen fotográfica, como nuevo régimen de representación, visión y visibilidad del mundo a partir del siglo XIX. Se trata de abordar distintas problemáticas de la historia de la fotografía que condicionan tanto nuestras relaciones de uso y de percepción de la imagen, como la constitución del imaginario colectivo. El curso se articula alrededor de tres temáticas: las relaciones del poder con el medio fotográfico, la constitución de una práctica artística de la imagen fotosensible y el uso estratégico de la fotografía

Entendiendo la Pintura como un lenguaje vigente de exploración e investigación, el curso se plantea como un espacio para que el estudiante explore y descubra a través de la práctica en el taller, y junto al apoyo de textos teóricos, el estrecho vínculo existente entre la pintura y el paisaje.

El curso pretende que el estudiante, a través de ejercicios específicos, se enfrente y resuelva problemas de percepción, representación, escalas y composición. Temas inherentes al mundo de la ilustración científica. Introduce y enseña algunas de las técnicas y procedimientos indispensables para representar diferentes tipos de especímenes.  Se espera que el estudiante se sensibilice frente a la práctica del dibujo, reconozca la importancia de la ilustración científica en el estudio de las ciencias naturales y pueda dimensionar el potencial que esta herramienta posee para hacer visible información que de otra manera sería casi imposible de mostrar. Es muy importante que el estudiante vea en eldibujo una manera de pensar, consignar, recodar, entender, crear y comunicar.

Lo que se busca con el curso es que los estudiantes puedan reconocer la estructura siempre cambiante o proteica de la pintura, a partir del haz o conjunto de relaciones hipervinculadas e hipervinculantes mediante la exploración sistemática de tres manifestaciones contemporáneas de este tipo (hipervínculos): la tecnología, la instalación y la performance.

El taller plantea una introducción a medios y herramientas que permitan la reflexión, exploración y expansión de la bidimensionalidad. A partir de una serie de técnicas y el empleo de materiales que le permita a la persona, por un lado, entender las posibilidades y complejidades que presenta la bidimensionalidad, la persona podrá vislumbrar formas de proceder recurrentes en la configuración de imágenes en el arte contemporáneo. Para este curso se dispondrán en cada una de las clases problemas y ejercicios que estimulen y desafíen la percepción, los conocimientos dibujísticos del estudiante y la creatividad al emplear materiales, técnicas y medios que potencien las cualidades de la bidimensionalidad. Luego en conjunto se reflexionará con ayuda de herramientas visuales y audiovisuales sobre los retos y encuentros que permitieron cada una de las propuestas.

Es una asignatura que busca introducir al estudiante a los conceptos básicos de la fotografía, principalmente al manejo de cámara 35 mm analógica y a un uso adecuado del laboratorio para obtener así fotografías blanco y negro correctamente ampliadas en cuanto a exposición y contraste. También se realizarán unos ejercicios con menor intensidad relativos a la iluminación de estudio básica y a técnicas alternativas de manipulación de imagen analógica. Y por último se busca que, a través de proyección de referentes, lecturas y de la interacción misma con el profesor y compañeros, se genere una mirada y una reflexión crítica hacia la imagen fotográfica contemporánea.

Este taller tiene como propósito hacer una exploración de los elementos formales básicos de la pintura y desarrollar herramientas para su manejo. Esto se hará a través de una serie de ejercicios prácticos que propician tanto la experimentación como la reflexión sobre su uso y sus procesos. El taller busca que los estudiantes se familiaricen con el medio, adquieran una serie de herramientas formales y a la vez, que exploren múltiples posibilidades conceptuales para desarrollar sus proyectos. Se pretende, desde este taller, entrar en dialogo o involucrar saberes y prácticas de otros talleres que los estudiantes estén llevando a cabo. Durante el semestre se buscará desarrollar un trabajo que cruce los ejercicios del taller de pintura con otro medio. 

Explora los conceptos fundacionales de la tridimensionalidad, entendiendo su funcionamiento y sus posibilidades expresivas, de manera que el estudiante amplíe sus capacidades perceptivas y analíticas. Mediante ejercicios puntuales y el trabajo con métodos escultóricos, tales como la adición, la sustracción y la solidificación, el estudiante entenderá de manera integral el funcionamiento de conceptos como materia, forma, estructura, volumen y espacio, entre otros. La asignatura busca fomentar la experimentación y creatividad del estudiante, familiarizándolo con los procesos y técnicas de la escultura contemporánea.

Como actividad acompañante de todas las culturas, este oficio es variado y complejo. El curso busca brindar herramientas y procesos técnicos básicos para que el estudiante se familiarice con la arcilla sus posibilidades y limitaciones. Se incentiva al estudiante a explorar y experimentar combinando conceptos del arte y de la artesanía, es decir integrar el trabajo conceptual y reflexivo con la experimentación y manipulación técnica tradicional para el desarrollo de proyectos creativos y propuestas de arte. 

El taller busca Introducir al estudiante en los conocimientos necesarios para desarrollar destrezas en el manejo del torno cerámico. El torno es una herramienta importante del lenguaje cerámico y ha sido un protagonista central en los procesos de producción de formas y en la creación de piezas tanto utilitarias como de proyección escultórica. En el arte actual, el torno ocupa un lugar privilegiado como instrumento para exploraciones espaciales y formales, escultóricas. También se trabaja la relación entre cuerpo y superficie.

Este curso de nivel avanzado se enfocar en desarrollar habilidades en el torno cerámico y el moldeado. Revisar conceptos sobre el significado de la utilidad y funcionalidad. El
concepto fundamental estar alrededor de la multiplicidad en la escultura e instalación. Se experimentar el duplicado, la copia, falsificación, repetición, edición, clonación, reproducción masiva, progresi n y otros conceptos afines. Para poder llevar a cabo estos modelos se ver en técnicas de cera perdida, moldes, vaciados y moldeado serial. También se estudiar n diversas clases de arcillas, horneado y acabados.

El curso se interesa en la evolución de la imagen fotográfica, como nuevo régimen de representación, visión y visibilidad del mundo a partir del siglo XIX. Se trata de abordar distintas problemáticas de la historia de la fotografía que condicionan tanto nuestras relaciones de uso y de percepción de la imagen, como la constitución del imaginario colectivo. El curso se articula alrededor de tres temáticas: las relaciones del poder con el medio fotográfico, la constitución de una práctica artística de la imagen fotosensible y el uso estratégico de la fotografía.

El objeto de estudio de este curso está en desarrollar una observación detallada con el fin de recopilar información específica del mundo natural y así poderla consignar a través del dibujo. Para desarrollar este tipo de observación en el estudiante se han diseñado una serie de ejercicios específicos además se enfrentará a situaciones donde tendrá que resolver problemas de percepción, representación, escalas y composición. Temas inherentes al mundo de la ilustración científica. En adición a esto, se enseñarán algunas de las técnicas y procedimientos indispensables para representar diferentes tipos de especímenes. También se espera que el estudiante se sensibilice frente a la práctica del dibujo, reconozca la importancia de la ilustración científica en el estudio de las ciencias naturales y pueda dimensionar el potencial que esta herramienta posee para hacer visible información que de otra manera sería casi imposible de mostrar. Finalmente, es de vital importancia que el estudiante vea en el dibujo una manera de pensar, consignar, recodar, entender, crear y comunicar

El dibujo en aguadas, sea en una sola tinta o a todo color, es un medio de expresión y de investigación gráfica utilizado por artistas de la mayoría las culturas y épocas desde hace milenios. El enorme abanico de posibilidades expresivas, como la espontaneidad y despreocupación totales, y desde lo caligráfico hasta las más cuidadosas y elaboradas construcciones plásticas, hacen del dibujo en aguadas un mundo amplio y diverso. El curso permitirá familiarizar a los estudiantes con el dibujo en aguadas, sus técnicas, herramientas e historia.

El eje central de este taller es el cuerpo humano. Tiene como objetivo comprender la evolución de la representación simbólica tridimensional del cuerpo humano a través de diferentes contextos históricos y culturales. La mirada y la reflexión acerca de la figura humana como elemento de estudio dará al estudiante herramientas para entender el rol que juega su cuerpo dentro de la identidad cultural. Se motiva al estudiante a que desarrolle nuevas posibilidades de representación, interpretación del cuerpo en la creación de piezas cerámicas. Experimentar diversas técnicas de moldeado y ensamblado. Los conceptos de escala, fragmento y acabado son parte del curso.

La pregunta sobre la apariencia, lo que parece ser, lo que palpamos, lo que se esconde y lo que se quiere mostrar son los ejes principales de este curso. Esto permite que el estudiante experimente diferentes maneras de desarrollar superficies y acabados. Se aprender en técnicas tradicionales como esmaltes y engobes. También se podrán crear revestimientos con diseños, decorados, impresiones, estampados o con la manipulaci n directa de la arcilla

El curso desarrolla en los estudiantes la capacidad de leer y decodificar imágenes y sonidos así como alfabetizar audiovisualmente a los estudiantes para que puedan ejercer con criterio su rol de espectador. Ofrece herramientas para que los alumnos puedan expresar ideas completas comparando las imágenes unitarias a las palabras y enseñándoles a crear frases audiovisuales mediante el concepto del montaje.

Por medio de un recorrido a través del fin de la modernidad y sus repercusiones; las vanguardias artísticas de finales del siglo XIX y principios del siglo XX, las teorías post-estructuralistas, la aparición y expansión de los medios masivos de comunicación, el triunfo de la alta tecnología en la década del ochenta y el reino de lo digital surgido en los noventa, se buscará la comprensión de estos modelos de pensamiento y expresión que enmarcan la cultura contemporánea.

El Taller del Tiempo hace una introducción a procesos de creación en medios basados en la duración temporal y busca propiciar la experimentación intermedial entre ellos. Consta de dos módulos que avanzan paralelamente durante el curso. El primer módulo propone una introducción a los fundamentos del arte sonoro y sus formas de estructuración temporal. El segundo módulo trabaja con principios de performance, video performance y video experimental desde el punto de vista de las poéticas del tiempo.

A partir de la presentación de diversas formas narrativas y de creación audiovisual, este taller muestra y experimenta posibilidades de creación artística a través de propuestas experimentales de narración y animación con medios electrónicos.

Animación 3D es un espacio de entendimiento, reflexión y creación de imagen tridimensional en relación con el movimiento, es un espacio que presenta posibilidades y herramientas para creación artística en medios electrónicos. Adicionalmente ambiciona ser un espacio, el cual, a partir de la exposición de conceptos y procesos tradicionales de la animación, los estudiantes conozcan los métodos de realización de productos animados en 3D, y así estimular la generación de propuestas de creación artística y construcción de imagen digital desde el universo en tres dimensiones.

Es un curso dedicado a generar conocimiento y reflexión sobre la historia del cine colombiano, entendido como una tradición que en su recorrido ha configurado un relato sobre el país. Dentro del curso, el cine colombiano se asume como un cruce de prácticas que involucra componentes artísticos, económicos y sociales relacionados con la historia del país, pero al mismo tiempo provisto de un desarrollo particular y específico.

Es indudable que estamos en una era audiovisual. El cine es uno de los medios de comunicación más influyentes en la cultura contemporánea. El advenimiento de la televisión y del video como formas comunicativas más próximas a la cotidianidad, en vez de relegarlo a un segundo plano, le han otorgado una nueva dimensión y han dotado de un mayor alcance al lenguaje audiovisual.
Por su parte, una buena parte de los productos audiovisuales son narrativos, es decir, constituyen un relato, y como tales, tienen unas reglas propias para ser realizados. Si bien su estatuto narrativo institucional parte de la estructura y la forma de la novela decimonónica, en su consolidación como nuevas artes desarrollan líneas propias de narración. Dichas maneras de narrar devienen de la combinación de diversos factores que, en compleja interdependencia, logran consolidar sellos específicos de tipos de narración. Así, se pueden entender como factores que inciden en un estilo narrativo el uso de los soportes tecnológicos propios de los diferentes formatos cinematográficos y audiovisuales, el tipo de sintaxis dada en el montaje, los diversos usos planimétricos y fotogénicos, las categorías de continuidad narrativa, las jerarquías espaciales, las selecciones musicales, y la misma porción de realidad que se elige para ser filmada, entre otros.

El curso se ocupará de la cuestión del cine en tanto arte, cuya función poética prima sobre la intención industrial y comercial. Para entender el concepto se ahondará en las ideas fundamentales de la estética cinematográfica y se repasará la historia del cine a partir de los movimientos estéticos que le han dado forma.

Tras hacer una introducción acerca del origen del cine, se hablará de la especificidad fílmica, el lenguaje cinematográfico y luego se recorrerán las diferentes corrientes estéticas que han dejado su huella en el campo fílmico, así como sus formas y géneros, sin olvidar sus partes. Se analizarán los nexos necesarios con los movimientos artísticos y los avances tecnológicos que han incidido en estos cambios estéticos.

A partir de la descripción y el análisis, se fomentará el estudio crítico de obras cinematográficas a nivel estético, así como la reflexión acerca de las incidencias estéticas en el propio desarrollo y creatividad.

Curso teórico práctico que pretende formar al estudiante en la construcción de un discurso audiovisual, comprensible, legible y decodificable por el espectador. En este curso el alumno aprenderá las coordenadas de construcción propias de la estructura fílmica y podrá transponer  las ideas y los conceptos en imágenes y sonidos. Después de este proceso, los alumnos adquirirán habilidades narrativas específicas, útiles para todas las manifestaciones artísticas. Como dice Yates, las relaciones espacio-temporales, siempre simbólicas, contienen metáforas fundamentales, ligadas a temas evidentemente humanos.

Los estudiantes aprenderán los fundamentos del arte digital y su desarrollo dentro un contexto histórico y teórico. Se introduce el computador como herramienta para hacer arte, reforzando el lenguaje visual de los estudiantes a través de una introducción práctica a la creación digital. Examinaremos el advenimiento de la imagen digital, partiendo de la fotografía, cine, animación y medios digitales en general. A través de la elaboración de varios proyectos a lo largo del semestre los estudiantes desarrollarán procesos conceptuales y habilidades de crítica constructiva.

En la realización de narrativas y piezas audiovisuales, el sonido constituye una valiosa materia prima que puede potenciar, acentuar y fortalecer el contenido gráfico y visual. En los últimos años, un diverso tipo de herramientas digitales han permitido el fácil acceso a procesos de edición y posproducción de sonido para la imagen, por medio de métodos de grabación, creación de efectos, composición, musicalización, mezcla e interacción. El curso hace una revisión de estas teorías y técnicas alrededor del fenómeno de la producción de sonido para la imagen, mediante proyectos de exploración sonoro-visual y talleres prácticos con múltiples aplicaciones en la realización audiovisual. Se revisarán las etapas de preproducción, producción y posproducción sonora, teniendo como referentes múltiples productos audiovisuales que permitan explorar las dimensiones estéticas en cuanto a forma y contenido.

Este curso ofrece un recorrido por las múltiples maneras de relacionar el arte, la música y el sonido en el arte de Occidente durante los últimos 150 años. Aunque históricamente estas relaciones no son nuevas, el rápido avance de las tecnologías de grabación, reproducción y producción de sonido e imagen ha tenido un profundo efecto en la rapidez de su desarrollo.

Mirada al Cine Colombiano es un curso dedicado a generar conocimiento y pensamiento crítico sobre la historia y la estética del cine colombiano, entendido este último como una tradición que en sus recorridos, continuidades, rupturas y desvíos ha configurado un relato sobre el país. Dentro del curso, el cine colombiano se asume como un cruce de prácticas que involucra componentes artísticos, económicos y sociales relacionados con la historia del país, pero al mismo tiempo provisto de un desarrollo estético particular y específico.

Desarrollar en los estudiantes la capacidad de comprender discursos audiovisuales, a partir de la lectura y correcta decodificación de imágenes y sonidos. “Alfabetizar” audiovisualmente a los estudiantes para que puedan ejercer con criterio su rol de espectador. Formar al público cinematográfico dando herramientas para que los alumnos puedan expresar ideas estructuradas sobre el discurso audiovisual, a partir de un paralelo entre el lenguaje audiovisual y el lenguaje verbal. 

Palabra>Frase>Discurso

Imagen>Escena>Película

¿Qué es el cine? Esta pregunta, breve pero nada sencilla, ha atravesado no solamente los más de cien años de producción cinematográfica, sino también la reflexión que en torno al séptimo arte se ha ido construyendo desde las primeras décadas del siglo XX. Esta pregunta y estas reflexiones han tratado de explicar la especificidad, lo propio, lo exclusivo de lo cinematográfico. Podemos en efecto afirmar que el cine es una representación social, que es una forma de entretenimiento, que es un medio de expresión artística, un lenguaje, un producto cultural, pero todavía no habremos dicho qué es y qué rasgo distintivo tiene que no sea también de la literatura, de las artes plásticas, del relato histórico o del análisis sociológico. El curso quiere por lo tanto, enfrentar el cine no en función o a partir de otras disciplinas, sino desde sus mismas particularidades y su específica forma de ser: como una introducción teórico / crítica a un hacer que conjuga imágenes y tiempos para producir un objeto inaprensible (puesto que “la imagen fija, o un fotograma reproducido, son simulacros que siguen dejando que la película se escape” como escribía Raymond Bellour en “Le texte introuvable”), esas imágenes en movimiento que quedan en la memoria del espectador.

El espacio académico pretende crear un lugar de experimentación artística con herramientas tecnológicas como lo son la realidad virtual, la realidad aumentada, videos inmersivos 360; con el propósito de generar experiencias Inmersivas y concebir posibilidades de creación. 

Se pretende generar un acercamiento conceptual, teórico y técnico, en donde los estudiantes podrán generar reflexiones alrededor de estas herramientas con las que podrán proponer proyectos artísticos.

El Taller del Tiempo explora los medios audiovisuales y la utilización del cuerpo en contextos artísticos enfatizando la experiencia temporal como herramienta expresiva y estética. De igual manera el taller ofrece fundamentos de gramática audiovisual, poéticas y narrativas experimentales en contextos audiovisuales a partir del uso creativo del espacio, las acciones del cuerpo y los objetos.

 

Este curso concentra su atención en el escuchar como acto investigativo y creativo, permitiéndole al estudiante abrir su conciencia hacía el fenómeno del sonido en relación con el cuerpo, el espacio, el entorno y reconocer sus potencialidades estéticas. El curso abarca aspectos filosóficos, físicos, fisiológicos y psicológicos de la experiencia sonora y se desarrollará de forma práctica y vivencial desde acciones específicas que le permitan al estudiante reencontrarse con las formas de sentir el sonido, de sonar en el cuerpo (resonancia) y con los distintos modos y situaciones en los que el sonido actúa. Se busca llevarlos a explorar los límites de la percepción sonora, en medios, espacios y situaciones no habituales expandiendo las posibilidades humanas de la percepción y la expresión a partir de lo sonoro.

El Taller básico de expresión experimental aborda principios de la narración audiovisual aplicados a la animación para acercar a los estudiantes a conceptos, técnicas y estrategias plásticas que les permitan tener una perspectiva crítica y reflexiva sobre los límites que definen la imagen en movimiento y el medio primordial en el que ésta se despliega, el tiempo.

El curso se ocupará de la intersección entre lenguajes escultóricos y del tiempo. Mediante el uso de recursos eléctricos, electrónicos y mecanismos simples, se desarrollarán objetos activados por movimiento, sonido y luz con el fin de complementar el potencial propio de los objetos tridimensionales con capacidades expresivas temporales como oscilación, ritmo, memoria y reactividad.

El curso genera conocimiento y pensamiento crítico sobre la historia y la estética del cine colombiano, entendido este último como una tradición que en sus recorridos, continuidades, rupturas y desvíos ha configurado un relato sobre el país. Dentro del curso, el cine colombiano se asume como un cruce de prácticas que involucra componentes artísticos, económicos y sociales relacionados con la historia del país, pero al mismo tiempo provisto de un desarrollo estético particular y específico. El curso se desarrolla en tres bloques que funcionan como guías, aunque el trayecto no es ni panorámico ni cronológico, y admite el cruce de épocas y tradiciones que revelan tendencias que no tienen claramente un punto de partida o un cierre. El primer bloque se dedica a visualizar y propiciar un acercamiento reflexivo al cine silente colombiano (1915-1937), alternándolo con obras contemporáneas que demuestran cómo las agendas y narrativas del primer cine nacional retornan, son circulares. En el segundo, se ofrece una amplia gama de materiales visuales y bibliográficos sobre la violencia y el conflicto social y político en el cine colombiano, representación que es uno de los discursos dominantes en las películas hechas en el país.

En el tercero y último, se hace un recorrido por otras tendencias, minoritarias o menos centrales, para dar cuenta de la variedad de temas y estilos en los que ha incursionado el cine nacional, y dejar abierta la posibilidad de reenfoques tanto en las prácticas artísticas como en la investigación y el pensamiento crítico sobre el objeto del curso.

El curso busca que los estudiantes desarrollen la capacidad de comprender discursos audiovisuales, a partir de la lectura y correcta decodificación de imágenes y sonidos. De la misma manera, “alfabetiza” audiovisualmente a los estudiantes para que puedan ejercer con criterio su rol de espectador. El curso también ofrece herramientas para que los alumnos puedan expresar ideas completas, comparando las imágenes unitarias con las palabras y les enseña a crear frases audiovisuales mediante el concepto del montaje.

Este curso aborda la historia de la fotografía a través de las ideas y acontecimientos puntuales que llevaron a la invención del aparato fotográfico desde el descubrimiento de las leyes de perspectiva en Florencia en el siglo XV hasta la consolidación de la invención del daguerrotipo ante la academia de la ciencia en agosto 19 de 1939. A partir de esto, se avanza por la fotografía característica del siglo XIX, de principios de siglo XX y contemporánea, usando imágenes centrales para la historia de la fotografía y de su pensamiento, y textos que examinan la compleja interacción desarrollada por la fotografía y el ser humano en los últimos 182 años. La idea de esta materia, es hacer un recorrido por todo aquello que produce o genera imágenes de manera industrial, accidental, casera o natural y que fue un aporte a la invención de la fotografía: la sombra, las superficies bruñidas, los lentes de cristal, el espejismo, los espejos semi-reflectivos y las extensiones mecánicas de hacer trazos, todo ello jugó su papel en la invención de la fotografía. Y una vez inventada, recorrer los principales puntos, en los dos siglos de uso de la fotografía, y analizar el significado de esta para nuestra imagen del mundo.

El curso plantea una reflexión a partir de diferentes temas que emergen de la relación entre el artista y la ciudad. Se tiene en cuenta especialmente, el carácter interdisciplinario de estas relaciones, en las cuales las propuestas artísticas, implican un vínculo directo con otras disciplinas como la arquitectura, literatura, filosofía, antropología y sociología. Estas relaciones se articulan en diferentes contextos socioculturales de la modernidad y contemporaneidad. Se hace especial énfasis en presentar estas experiencias desde un comienzo, como reflexiones que desde el arte conllevan un trabajo en equipo con una clara preocupación por el contexto circundante, en este caso, la ciudad.

La idea de disponer objetos, cosas, ideas y la actividad de agruparlas, manipularlas, reunirlas, estudiarlas, y mostrarlas mediante el formato de una  exposición es un sistema de conocimiento heredado. El modelo de mostrar –mediante una exposición- presente en el siglo XVIII se convertirá más adelante en una de las condiciones de la cultura occidental. El acto de hacer algo público -en cualquiera de sus formas-  y sobre todo en una exposición, es una estructura jerárquica que produce formas particulares y generales de comunicación y conocimiento pues hay implícito un acto de selección; algo se incluye y algo se excluye. En este punto radican las implicaciones y responsabilidades de fondo en la circulación de productos culturales, en este caso una exposición. A la hora de representar el mundo, los museos, sus colecciones y las exposiciones constituyen una visión enciclopédica que en parte ha determinando nuestra percepción.El curso permite acercar a los estudiantes a comprender cómo el formato expositivo, desde un principio de clasificación, moldea nuestra percepción del mundo, lo que implica fomentar especial atención a este. Percibir las exposiciones como un ejercicio estético y como forma de conocimiento que determina formas particulares de comunicación y de representación del mundo. Formar un público atento y crítico con respecto a las exposiciones.

Una educación tradicional del arte se enseña a pensar haciendo, pero cuando se hace pública la obra, existen condiciones que influyen sobre lo que se ha hecho, produciendo actos de lenguaje que se suman al lenguaje de la obra de arte. El espacio del arte no se trata solamente del ocupado por los objetos materiales, por el contrario, se trata de una construcción de carácter transaccional ocupada por procesos efímeros de interacción; una relación de fuerza entre dos situaciones y la distancia entre ellas. Las lecturas y los contenidos de este curso se reducen a identificar la distancia, la tensión y la confrontación entre espacios tanto físicos como mentales, para pensar el arte.

Este curso propone un recorrido cronológico por el arte y el cine a través de personajes, situaciones, obras de arte, películas y textos. La continua evolución de una técnica que logra capturar y reproducir imagen y sonido en el tiempo solo exagera una condición que siempre ha estado latente en cada ser humano: soñar. La ilusión de una escena narrada o la puesta en escena de una secuencia cinematográfica, son actos de lenguaje que surten un efecto onírico y pretenden que el espectador vea con el cerebro, imagine. Se espera, sobre todo, que el espacio de la clase sea un lugar para ejercitar una mirada atenta, despierta, que comprenda la imagen más allá de los clichés que dan las muletillas culturales y las trajinadas pautas del “maravilloso mundo del entretenimiento” (¿entretenerse de qué?). En un mundo donde la interpretación se impone sobre los hechos, y donde los usos y manipulaciones de la imagen son cada vez más sofisticados, un curso como este supone una apuesta para disminuir el analfabetismo visual, una suerte de educación estética y política: la clase será una puesta en escena de los poderes, individuales y colectivos, que intentan definir lo que es real a través del artificio de la imagen.

Tras la aparición de la imprenta de tipos y el afianzamiento del movimiento reformista, la fabricación y uso de imágenes constituyeron dos importantes áreas de la producción cultural en Europa y luego en Occidente. En la mayoría de casos, este proceso implicaba un claro interés de control y manipulación de enormes grupos humanos cada vez más inteligentes, más críticos y más sofisticados. En el mismo período la palabra “propaganda” comenzó a utilizarse como insulto contra las imágenes producidas por enemigos ideológicos de cualquier filiación. Este curso busca presentar y analizar la utilísima, pragmática o vergonzante relación –según la perspectiva desde que se mire-, entre arte y propaganda. Para lograrlo se concentrará en el examen de los vínculos institucionales presentes en la producción de imágenes artísticas –o firmadas por artistas-, los modos de administración que ellas o ellos han sufrido y su transformación en campañas de movilización religiosa-bélica, nacionalista-bélica, o comercial-bélica.

El patrimonio cultural cada vez más se consolida como un campo de conocimiento marcado por diferentes problemáticas y tensiones que parten de su definición y que involucra actores, comunidades e intereses que lo componen. Desde esta perspectiva, el curso pretende introducir al estudiante en las definiciones generales de lo que constituye a nivel internacional y nacional el patrimonio cultural, así como brindar herramientas que le permitan entender las implicaciones y dificultades que tiene el estudio de estas manifestaciones culturales teniendo en cuenta el papel que juegan las diferentes disciplinas y áreas de conocimiento en su estudio y valoración.

Los artistas hacen lo que hacen para que alguien lo vea. Es decir que el arte, si lo pensamos como lo que hacen los artistas, está destinado a un público. A partir de una revisión histórica de las exposiciones y sus manifestaciones iniciales, este curso plantea un diálogo entre los estudiantes –como espectadores- y la figura de la exposición, entendida como un discurso. Mediante la observación crítica, reflexiva, el pensamiento analítico, regido por una actitud curiosa, e impulsada por la experiencia emocional e intelectual de crear puentes de comprensión del formato expositivo desde su contexto, el curso brinda a los estudiantes herramientas para enfrentarse a las exposiciones de arte contemporáneo. Lo anterior implica también, entender el formato expositivo como un discurso político –es decir situado en un argumento- y al público como un agente que puede emitir una respuesta a dicho discurso. Contar con herramientas para entender el –aún hoy a veces ilógico, a veces incomprensible- mundo del arte contemporáneo, propicia también a la articulación analítica, de cómo nosotros, desde nuestra subjetividad, vemos no solo el arte sino desde una perspectiva más amplia, el mundo que habitamos.

El taller busca explorar el espacio escénico a través del cuerpo y los sentidos. Cada sesión tendrá un fuerte componente físico que preparará a los estudiantes para improvisaciones en silencio y juegos teatrales. La observación del entorno y de la vida misma será un fuente principal para el desarrollo del curso. Las técnicas de movimiento tendrán como base la pedagogía del maestro francés Jacques Lecoq, al igual que la técnica de Viewpoints implementada por la directora americana Anne Bogart. A medida que avance el semestre se estudiará además la relación del espacio escénico con la pintura, la música y la poesía. Se hará énfasis en el vocabulario corporal adquirido para introducir a los estudiantes al juego del actor. De manera paralela se estudiará el teatro como forma artística. El grupo deberá asistir a tres presentaciones teatrales durante el semestre (a definir), sobre las que se entregarán 3 ensayos críticos a lo largo del semestre.

El taller es una introducción a los fundamentos del diseño de escenografía para teatro. A través de ejercicios y proyectos prácticos, se guiará a los estudiantes por las fases típicas del diseño de una pieza teatral, desde el acercamiento inicial al texto, pasando por la investigación y el desarrollo del diseño preliminar, para culminar con la presentación del diseño final. Se hará énfasis en la relación director-diseñador, y se dará una perspectiva histórica de la evolución del diseño en los distintos géneros teatrales

El taller busca explorar liberar el juego del actor a través de la máscara. El trabajo del semestre complementará lo estudiado en Taller de escenografía, requisito para tomar este curso. Se emprenderá un viaje de descubrimiento por diferentes máscaras a parpor las máscaras expresivas y larvarias y finaliza con situaciones de juego para medias máscaras a partir de la commmedia dell’arte. Se utilizarán máscaras profesionales diseñadas por Amleto Sartori junto a Lecoq, pero también cada estudiante deberá crear y construir su propia máscara en dos ocasiones durante el semestre. De manera paralela, se mantendrá el estudio del teatro como forma artística.

Este es un laboratorio para actores y directores en el que se estudiará la Tragedia como género dramático desde sus inicios en la antigua Grecia, hasta y los problemas de su representación en la contemporaneidad. Los integrantes del curso trabajarán en proyectos semanales explorando los diferentes componentes del género, como el coro, la aparición de los dioses, y el uso de la palabra como vehículo, montando además escenas de los principales autores. Los grupos se dividirán entre actores y directores según el trabajo semanal. El curso comenzará con un estudio comparativo del mito de Orestes a partir las variaciones en las versiones de Esquilo, Sófocles y Eurípides. Luego se hará un estudio exhaustivo de la estructura dramática de Antígona, seguido de algunas obras de Eurípides como Las bacantes y Alcestis.

Mediante, lecturas, ejercicios dentro de las líneas del área y en particular ejercicios de escritura en diferentes medios (textos, videos, audio-guías, presentaciones), este curso expone a los estudiantes a las diferentes líneas del área. En paralelo los estudiantes escogen una o varias de esas líneas para asumir diferentes roles (artistas, curadores, gestores, conferencistas, críticos etc.) y trabajar en un proyecto grupal de una exposición evento de cierre de toda la experiencia del Ciclo Básico en todas las áreas y actividades del programa de pregrado. Se trata de un ejercicio de autonomía y libertad, pero contará con el apoyo y asesoría de los profesores.

Estos seminarios del Ciclo Avanzado tienen como objetivo fortalecer la reflexión escrita del estudiante en conexión a su propia obra investigando libremente las fuentes teóricas y referentes artísticos (disciplinares o interdisciplinares), mas afines a su trabajo, en cualquier campo del conocimiento. La metodología incluye la investigación activa y autónoma del estudiante de aquellos textos, autores u obras que mas se acerquen a sus intereses creativos al momento de cursar este Seminario, también incluye lecturas de textos propuestas por el profesor. El Seminario propone 3 entregas de reflexiones teóricas o de autorreflexión de su propia obra y 1 entrega en que el estudiante puede elegir si desea responder a las exploraciones teóricas del curso en obra, teniendo en cuenta una escritura expandida que se interpreta en su sentido mas amplio como grafía, es decir inscripción de huellas sobre soportes externos, tal como se conserva en los nombres de algunos medios como Foto-grafía (escritura de la luz), Seri-grafía (escritura sobre seda) o Video-grafía (escritura del ver), Cinemato-grafía (escritura del movimiento).

Los talleres técnicos son una modalidad versátil que permite al estudiante integrar puntualmente herramientas, tecnologías, materiales u oficios que no se trabajen en los talleres de los énfasis del programa. También posibilitará tener un espacio abierto a artistas invitados que dicten talleres de 8 semanas y dos créditos, que permitan al programa integrar técnicas y tecnologías que no estén contempladas en los otros talleres de los énfasis. Los contenidos técnicos de estos talleres no son permanentes y los profesores serán diferentes de semestre a semestre para conservar su dinamismo.

Este curso busca realizar una revisi n hist rica de las propuestas filos ficas en relaciónn alarte. El curso comienza con las ideas cl sicas de Plat n y Arist teles que siguen siendo un punto de referencia en el pensamiento moderno. El primer objetivo es estudiar lo que se conoce como estética. Despu s el curso se aproxima a aspectos centrales de la est tica del siglo XVIII y el problema del gusto a trav s de autores como Winckelmann, Huem y Kant y continúa con las propuestas que abrieron nuevas posibilidades de relación entre el arte y la filosofía como Schiller, Hegel y Nietzsche. La secci n final del curso termina con algunas aproximaciones de la est tica contempor nea basadas en los desaf os que impic para el pensamiento la aparici n de las artes no figurativas como las teor as de Worringer, y las ideas de Kandinsky y Klee y las propuestas de Gadamer en relaci n a la experiencia de las artes.

A través de prácticas tradicionales y expandidas del dibujo, de la observación de imágenes y la discusión de textos, el curso explora distintas relaciones entre cuerpo y dibujo. Busca desarrollar capacidades amplias de percepción, comprensión, representación, abstracción, expresión y presentación de lo corpóreo a través del dibujo.  

Se explorará la relación entre dibujo y cuerpo desde distintas manifestaciones del dibujo: como herramienta de interpretación, representación, señalamiento, delimitación, proyección, comprensión, pensamiento y conocimiento del mundo; y como herramienta de expresión, divagación, ensoñación y parte de la experiencia vital. Dentro de estas manifestaciones, se reflexionará sobre cómo el dibujo puede operar como índice, como proceso, como herramienta o como forma terminada.        

El curso se articula principalmente en dos ejes: 1) el dibujo de observación y 2) ejercicios que ponen en juego distintas relaciones entre el dibujo y el cuerpo, éste último entendido como un ente que se sitúa de manera específica espaciotemporalmente.  

Introducción y familiarización a dos de las técnicas pictóricas más versátiles de la tradición occidental, orientada desde aspectos instrumentales, históricos y simbólicos. 

-Instrumental: soportes e imprimaciones; herramientas y efectos del óleo y el acrílico. Herramientas sencillas sobre color, geometría, anatomía y composición. 

-Histórico: uso de estas técnicas de acuerdo con situaciones sociopolíticas precisas y análisis de casos puntuales, mostrando sus contextos particulares. 

-Simbólico: significado amplio e implicaciones sociológicas y fenomenológicas de los usos pasados y presentes de estas técnicas.

El cuerpo humano es el cuerpo que mejor conocemos dentro de los seres vivos. Todos los días por la mañana vemos nuestro cuerpo al bañarnos, al lavar nuestros dientes y al arreglarnos para ir a la escuela o al trabajo, y al terminar el día, lo último que volvemos a ver es nuestro cuerpo al acostarnos. En el trabajo o en la escuela vemos a los amigos y amigas, jugamos con ellos y hablamos con ellos. Vemos sus gestos y sus mañas corporales que hacen su lenguaje corporal, de ese modo los identificamos dentro de un grupo de personas. Por donde vayamos vemos seres humanos de diferentes tamaños, razas y género. Tenemos miles de imágenes de personas grabadas en nuestro cerebro, reconocemos la imagen básica de un ser humano compuesta por un par de ojos, un par de orejas, un par de brazos, un par de piernas, una nariz, una boca y los órganos sexuales, pero al momento de dibujarlos no podemos. ¿Por qué?

PARA ARQUITECTOS. El curso tiene como objetivo introducir al estudiante a la práctica del dibujo como herramienta para elaborar y describir una idea. Es un curso vital para artistas, arquitectos y diseñadores. Basados en la observación, el curso plantea la posibilidad de crear un lenguaje visual que permite analizar la forma, describir el espacio y ahondar en diversas técnicas de dibujo. Se estudiará la perspectiva, composición y anatomía combinadas con la imaginación, memoria e invención para ahondar en las posibilidades creativas y analíticas del dibujo. La primera parte del curso está enfocada al aprendizaje de conceptos y técnicas específicas al medio para luego aplicar estos conocimientos a temas de interés individual.

Fundamentos de Dibujo comienza con el desarrollo del dibujo como herramienta básica para la comprensión del espacio y el volumen, así como para su representación e interpretación.

También le ofrece al estudiante herramientas y elementos gráficos para que explore y desarrolle su capacidad creativa por medio del dibujo, yendo más allá de la simple descripción.

El lenguaje escultórico contemporáneo parte de una noción amplia de espacio y forma que constantemente se reconfigura y enriquece. Es quizás el área más amplia y versátil dentro de las artes plásticas contemporáneas, pasando del objeto a incluir el espacio y el tiempo, los medios electrónicos, sus estructuras y relaciones.

En este sentido, el taller comprende diversos modos de hacer que van desde procedimientos como la talla y la serialidad hasta incorporar la interdisciplinaridad, el lugar específico, e incluso, la relación con personas y las comunidades (según el interés del estudiante). 

El curso se acompaña de la observación y el estudio de referentes dentro de la Historia del Arte y la visita a talleres tanto de artistas como de técnicos en haceres específicos.

Este curso propone tanto una práctica de dibujo y observación, como un acercamiento y análisis crítico al objeto (cotidiano) entendido no sólo como un producto del “diseño industrial”; sino como el producto de una sociedad hiperconsumista, materialista, fetichista, “desechable”. Se estudiarán tanto los límites del dibujo como los límites del objeto, los marcos que los definen; y se pondrán a prueba la permeabilidad y flexibilidad de dichas definiciones. Se analizará el problema del consumo desmedido, la adquisición compulsiva de objetos y el coleccionismo (el gusto, la escogencia, el orden y la taxonomía). Así mismo, se tratarán las maneras de representación gráfica de los objetos que nos rodean hoy, en un acercamiento consciente al mundo del “dibujo publicitario”, es decir, a las vitrinas oficiales y no-oficiales del consumo. Finalmente, se llevará a cabo el diseño y/o montaje de un objeto capaz de dibujar, subrayando aún más las tensiones entre “dibujo” y “objeto” y con ellas las tensiones entre “obra de arte” y “objeto de producción serial”, entre “creador” y “bricolero” (este último término según la definición de Claude Levi-Strauss), y entre artes plásticas y teatro.

El taller pintura y cuerpo hace parte del ciclo intermedio del áreadeartesplásticas en elprograma de arte. Es un espacio donde seexplora el potencial de lapintura como un lenguajeen constante evolución,abierto al planteamiento de asuntos pertinentes par nuestrotiempo y como medio para hacer visible el pensamiento, la imaginación ylas emociones del artista. El cuerpo no solose usa como modelo o referente sino como campo de estudio que permite observar aspectos problemáticos y relevantes de nuestra cultura. Esta exploración parte deuna observación del cuerpo físico, a través de ejercicios con modelo, así como a una mirada crítica a referentes artísticos que permitan apreciar y compararlas idease imágenes sobre el cuerpo expresadas através de la pintura en diversos períodos y contextos.De igual forma se explora el tema involucrando otros medios que lo enriquecen.

El curso Pintura y Objeto es un laboratorio de creación y reflexión en torno a los procesos y prácticas pictóricas con un interés especial en el objeto. Desde el bodegón hasta la instalación, los objetos han sido tema recurrente en el arte y en especial en la pintura.

El laboratorio propone, a partir de los conocimientos que poseen los participantes, un acercamiento crítico y objetivo a las prácticas pictóricas contemporáneas sin desconocer el contexto histórico en el cual se insertan.

PINTURA Y ESPACIO es un taller en el que se explora y se experimenta, por medio de la pintura y el color, el concepto de espacio: espacio como contenedor de las cosas (el universo en que toman forma las ideas, y donde los objetos, las cosas y los personajes pueden ser), y espacio como elemento protagónico (el espacio se vuelve “cosa”). Aquí es importante saber que la elaboración y manipulación del espacio están íntimamente ligadas al universo de la pintura, así como a la intención del estudiante y a sus emociones.

El objeto escultórico posee vínculos antropológicos profundos. Herbert Read habla del amuleto como el origen de la escultura objeto, enfatizando que en un objeto de este tipo se proyectan a nivel simbólico las creencias, los anhelos e incluso las necesidades del ser humano. Esta línea de desarrollo fue explorada insistentemente por los surrealistas y en general a lo largo del modernismo, pero también ha sido emulada en el arte contemporáneo, enfatizando la idea del objeto único como portador de significado personal. Pero también es cierto que el arte contemporáneo posee otra filiación inspirada en Marcel Duchamp y el ready-made. Esta vertiente señala al objeto existente, al objeto no artístico como receptor de una idea. Luego, el Pop continua la exploración del objeto de consumo y sus implicaciones sociales y culturales. Es de esta manera como el objeto escultórico contemporáneo se nutre de una historia diversa que le confiere amplias posibilidades expresivas y conceptuales. Su análisis, estudio y consideración dentro del ámbito social y cultural ofrece un espacio ideal para la exploración escultórica.

El curso introduce a los estudiantes en la discusión sobre la escultura pública a partir de la revisión tanto de las nociones de espacio actuales como de prácticas artísticas contemporáneas abordando esta problemática para luego dar paso al concepto de lo público y la relación arte-ciudad.

El grabado en todas sus facetas tradicionales, xilografía, grabado en metal, serigrafía, litografía, forma parte de la cadena evolutiva de los medios de expresión visual. La necesidad de reducir las escalas tonales a tramas ha permitido el nacimiento de todas las técnicas contemporáneas de reproducción impresa y electrónica. Es por eso por lo que el grabado es importante en la enseñanza de las disciplinas de reproducción y expresión artística.

El grabado en metal, por el amplio abanico de posibilidades expresivas y gradaciones tonales que ofrece, por la fuerza de su impresión sobre el papel, ha sido utilizado por grandes artistas para desarrollar propuestas plásticas personales, muchas veces cargadas políticamente. Durero, Rembrandt, Goya, Hogarth, Dix, Grosz, Picasso, Hockney, son unos pocos nombres. 

El grabado en metal no ha perdido fuerza como herramienta de expresión en el cada vez más variado mundo del arte del siglo XXI, dentro de una visión de “grabado expandido” que permite infinidad de hibridaciones con otros medios, como la fotografía, la impresión digital, la intervención directa, las otras técnicas de grabado, etc.…

Con las nuevas maneras de hacer grabado menos tóxicas, tanto para los artistas como para el medio ambiente, se abren además nuevas posibilidades técnicas y expresivas.

El curso aborda temas de la gráfica contemporánea, investigando y analizando conceptos tales como serialidad, repetición, fragmentación, tramas, retículas, huella; que brindarán al estudiante nuevas posibilidades creativas, para que pueda conformar y materializar sus ideas.

El curso da pautas y fundamenta a sus participantes en el manejo del complejo proceso del grabado a través de la experimentación y de la apropiación individual del mismo.

El taller teórico-práctico, pretende proveer al estudiante de los recursos técnico-conceptuales necesarios a ser utilizados para resolver problemas inherentes a su actividad profesional, específicamente en el campo de la gráfica, ya sea para representar, expresar o producir imágenes o ambientar objetos o espacios relacionados a su cotidianeidad.

Trabajando con la idea de que todo dibujo es abstracto, nos enfocaremos en el análisis del espacio tridimensional y el espacio imaginado para crear dibujos novedosos que nos ayuden a entender nuestro entorno y el mundo de lo imaginado. Éste será nuestro espacio, donde lo observado se une con lo imaginado para crear un lugar que oscila entre lo bidimensional y lo tridimensional, entre visto y lo no visto, entre lo real y lo abstracto. 

 El dibujo es una herramienta indispensable para el artista plástico, ya que le permite plasmar una idea rápida y eficazmente. El dibujo revela la manera cómo funciona el cerebro permitiéndonos hacer representaciones bidimensionales de formas y espacios tridimensionales o de espacios imaginados. Para un buen dibujante el tener una noción clara del espacio y de los diferentes elementos que lo componen es fundamental para poder hacer un dibujo audaz y efectivo que sea fiel a sus ideas.

Este taller práctico propone explorar la relación cuerpo-escultura desde una perspectiva amplia que abarca desde la representación hasta la performatividad. El cuerpo es pensado no sólo en su materialidad, sino como una construcción cultural que lo convierte a la vez en objeto y en sujeto con capacidad de agencia en el tiempo y el espacio que lo contienen y lo habitan. Por otra parte la escultura se toma como un campo artístico expandido  que no se puede desligar ni del espacio ni de lo corporal.

El taller permite introducir al estudiante en el conocimiento de los elementos y conceptos propios de la forma y el volumen. El taller explora las diferentes posibilidades de representación tanto en el campo bidimensional, como en el tridimensional. El curso desarrolla la habilidad del estudiante, para plantear una idea como proyecto personal, y formalizarla en términos plásticos, como medio de comunicación

La materia permite dar un paso adelante de las bases técnica, es para aprender a expresarse. Una buena foto no es una imagen enfocada, sino una idea enfocada. El objetivo principal de este curso es despertar y madurar la capacidad de los estudiantes de hacer que sus ideas se conviertan en imágenes fotográficas.

Es un taller práctico de fotografía análoga y digital en que se hace un recorrido por las formas narrativas más comunes de la fotografía y se busca que los estudiantes, usando técnicas básicas, exploren y desarrollen su capacidad de contar sus propias historias.

Esta es una clase de naturaleza teórica práctica, diseñada con el objetivo de que puedan experimentar y aprender sobre las técnicas fotográficas del siglo XIX y también puedan desarrollar un proyecto de reflexión personal en torno a las problemáticas de la fotografía en el ámbito artístico contemporáneo.

“Retrato-Fotografía” es un curso que busca acercar al estudiante a la fotografía de retrato a nivel técnico, teórico e histórico.  De esta forma, a partir de una serie de ejercicios prácticos se busca que el estudiante pueda desarrollar una serie de propuestas personales a través de los sujetos a retratar en diálogo con la luz.

A partir de la revisión teórica de autores que han utilizado lo autobiográfico como sustancia en su trabajo, los estudiantes van a explorar el tema y realizar un proyecto en imágenes. Se busca que el estudiante desarrolle una actitud crítica y autoreflexiva sobre el medio fotográfico. El curso propicia la comprensión de lo fotográfico como un aglomerado de significados que acercan al estudiante a la práctica contemporánea de la imagen.

El curso ofrece a los estudiantes la oportunidad de descubrir las posibilidades de los medios de impresión  múltiples como una práctica contemporánea. Los estudiantes podrán experimentar técnica, como monotipos, impresión en relieve (xilografía), hueco grabado  y procesos litográficos. La clase incluirá demostraciones técnicas, discusiones teóricas  y críticas.

En este curso los estudiantes son introducidos a la litografía en piedra. A través de este proceso de impresión plana que es posible traducir las imágenes dibujadas a mano en grafito, o carboncillo y en múltiples capas de color. Se hace hincapié en la obtención de un conocimiento riguroso de las técnicas y los principios de la litografía a través de demostraciones de clase, proyectos individuales, de discusión y críticas. Con ejercicios específicos, el estudiante se enfrenta para resolver problemas de representación y composición. Introduce y enseña algunas de las técnicas de la litografiar en piedra y procedimientos indispensables para que pueda dimensionar el potencial que esta herramienta técnica y expresiva posee.

El desarrollo del grabado en relieve en los últimos años ha sido de suma importancia ya que a partir de las técnicas tradicionales ha empezado a desligarse de la formalidad que antes lo caracterizaba y se ha articulado con otros campos del arte para hacer así unas propuestas absolutamente interesantes e innovadoras. La técnica se convierte simplemente en un medio para hacer que se materialice una idea. Y dentro de la gran variedad de técnicas que ofrece el grabado en relieve, se abre un universo infinito para la labor creativa.

El curso conducirá al estudiante a explorar el potencial de representación artístico que tiene el medio fotográfico dentro de la producción creativa, analizando el trabajo de varios artistas y revisando distintas estrategias empleadas en la construcción de imágenes. El estudiante tendrá la oportunidad de investigar su propio tema de interés, explorándolo por medio de la realización de cuatro proyectos diferentes con el fin de elaborar un cuerpo de trabajo personal. Para este curso se espera que los estudiantes ya cuenten con nociones básicas de fotografía, que estén interesados en profundizar más allá de lo que involucra tomar una foto o documentar un hecho y que puedan trabajar de forma individual e intensiva en su práctica artística dentro y por fuera de clase.

El taller Dibujo del cuerpo se basa en la exploración y la experimentación desde distintas relaciones entre dibujo y cuerpo. Se parte de la premisa de que el dibujo surge desde el cuerpo, que está situado espacio-temporalmente de manera específica, y se configura como una extensión de éste. El dibujo se constituye como una herramienta directamente conectada con lo que significa habitar el mundo desde el cuerpo: percibirlo desde los sentidos, desplazarse en él, dejar huella, analizarlo, soñar, representarlo, expresar y hacerse consciente de ser afectado y parte de él. Como señala Emma Dexter, dibujar es parte de lo que significa ser humano. El curso se estructura desde dos ejes fundamentales: el dibujo de observación y los proyectos experimentales. Abarca posibilidades de mediación desde las herramientas tradicionales de dibujo hasta la práctica expandida. Además de explorar la relación entre cuerpo y dibujo usando este último como herramienta de percepción, pensamiento, interpretación, representación, señalamiento, delimitación, proyección, expresión, divagación y ensoñación; el taller propone también una reflexión sobre las dimensiones del dibujo como índice, proceso, herramienta o forma terminada. En su calidad de instrumento para la exploración del mundo y nuestra relación con él, la práctica constante del dibujo constituye un ejercicio fundamental para desarrollar capacidades de investigación centrales en la práctica artística.

El taller Dibujo del cuerpo se basa en la exploración y la experimentación desde distintas relaciones entre dibujo y cuerpo. Se parte de la premisa de que el dibujo surge desde el cuerpo, que está situado espacio-temporalmente de manera específica, y se configura como una extensión de éste. El dibujo se constituye como una herramienta directamente conectada con lo que significa habitar el mundo desde el cuerpo: percibirlo desde los sentidos, desplazarse en él, dejar huella, analizarlo, soñar, representarlo, expresar y hacerse consciente de ser afectado y parte de él. Como señala Emma Dexter, dibujar es parte de lo que significa ser humano. El curso se estructura desde dos ejes fundamentales: el dibujo de observación y los proyectos experimentales. Abarca posibilidades de mediación desde las herramientas tradicionales de dibujo hasta la práctica expandida. Además de explorar la relación entre cuerpo y dibujo usando este último como herramienta de percepción, pensamiento, interpretación, representación, señalamiento, delimitación, proyección, expresión, divagación y ensoñación; el taller propone también una reflexión sobre las dimensiones del dibujo como índice, proceso, herramienta o forma terminada. En su calidad de instrumento para la exploración del mundo y nuestra relación con él, la práctica constante del dibujo constituye un ejercicio fundamental para desarrollar capacidades de investigación centrales en la práctica artística.

Desde la idea de que toda percepción podría convertirse en dibujo, se hace un análisis del espacio tridimensional y bidimensional, creando dibujos que ayuden al estudiante a entender su entorno y su mundo imaginario, donde lo observado se une con lo imaginado para crear un lugar que oscila entre lo bidimensional y lo tridimensional, entre lo visto y lo no visto, entre lo real y lo abstracto.

Por una parte, el taller de Dibujo y Objeto se enmarca en una larga tradición artística que nos relaciona con el género del bodegón, pero por otra busca reflexionar sobre nuestra relación contemporánea con los objetos materiales y cotidianos que nos rodean. Se trata de generar espacios de creación a través de la observación, el análisis y la representación de aquellos instrumentos, utensilios, objetos de consumo, de valor y de afecto que pueblan nuestro imaginario cultural y que tienen las connotaciones más diversas. A través del dibujo los consideramos desde sus aspectos formales, simbólicos, estéticos y afectivos. En el curso, no solo se trata de representar los objetos de una manera convencional o académica, sino que hay espacio para interpretarlos, y para dibujar también de manera más experimental con ellos como herramienta, o sobre ellos como soporte.

Este taller hace parte del ciclo intermedio del área de artes plásticas en el programa de arte en el que se explora el potencial de la pintura como lenguaje para hacer visible su pensamiento, experiencias y emociones. El objetivo de este ciclo es PROFUNDIZAR, lo que  en PYC implica examinar la materialidad de la pintura, (sus medios, procesos técnicos, recursos expresivos y  prácticas). Además, se exploran los conceptos y preceptos relacionados con la pintura y el cuerpo, en momentos claves de su desarrollo. El taller  presenta un ambiente propicio para que cada estudiante, realice obras cuestionando el  cuerpo como metáfora, como instrumento o como modelo. Los ejercicios pictóricos le  permiten reformular distintas tradiciones, así como explorar las tendencias que se derivan de la figuración, abstracción, pintura de acción, performance, etc.  

PINTURA Y ESPACIO es un taller en el que se explora y se experimenta, por medio de la pintura y el color, con el concepto de espacio: espacio de la tela como contenedor de cosas y eventos, y espacio como elemento protagónico (espacio ilusorio y tridimensional).  Aquí es importante saber que la elaboración y manipulación del espacio están íntimamente ligadas al universo de la pintura:  la composición, la atmósfera y el conjunto,  el manejo del color y la expresividad de la pintura, son elementos esenciales al momento  de pensar en términos de pintura, y lograr así una propuesta que vaya más allá de la mera representación.

Laboratorio de creación y reflexión en torno a los procesos y prácticas pictóricas con un interés especial en el objeto. Desde el bodegón hasta la instalación, los objetos han sido tema recurrente en el arte y en especial en la pintura. Propone, a partir de los  conocimientos que poseen los participantes, un acercamiento crítico y objetivo a las prácticas pictóricas contemporáneas sin desconocer el contexto histórico en el cual se insertan.

Se asume el cuerpo como eje de estudio y reflexión desde diversos ámbitos: el físico y sus vínculos sicológicos y existenciales, y el histórico y su relación con el cuerpo social y su comprensión simbólica. El estudiante propone desde la escultura, utilizando materiales convencionales o siendo performativo.

Se aborda el tema de la construcción de la memoria colectiva y su vínculo con la idea de trascendencia. Se profundiza en el estudio del espacio público desde una perspectiva contemporánea, donde se articulan el tema del uso y las connotaciones simbólicas, sociales y políticas del lugar. Se incentiva al estudiante a concebir y desarrollar intervenciones artísticas que activen y cuestionen las concepciones de lo público.

El curso ofrece una inmersión en la práctica fotográfica enfocada en conceptos y herramientas que lleven a entender lo que significa producir una serie de fotografías. El taller propone un  entrenamiento de la mirada para reconocer la fotografía como un medio de documentación, exploración artística y expresión personal. Se profundizará en la  apropiación de la cámara fotográfica y  de las diferentes formas de captura en blanco y negro y color, edición, post-producción y reproducción. El estudiante estudiará procesos,  materiales, formatos y dimensiones para abrir paso a la búsqueda de una temática de  interés y así fortalecer las decisiones que se toman a la hora de escoger la técnica que  mejor se ajuste al tema.

El taller ofrece la posibilidad de hacer un reconocimiento de las diferentes líneas que se han representado en el arte como lo son el espacio, el sujeto y el objeto. Esto con el fin de entrenar al  estudiante a proponer proyectos donde la conceptualización, la interpretación y el dominio técnico del medio, sean un requisito fundamental para crear nuevos  significados y discursos. Desde estrategias documentales hasta llegar a la construcción de  la imagen en estudio, el curso pretende exponer interrelaciones no evidentes que hay entre espacio, sujeto y objeto para que puedan ser  convertidas en un ensayo fotografía.

El taller introducirá a los estudiantes a diferentes estrategias y métodos empleados por artistas en la fotografía contemporánea, para proponer proyectos de largo plazo enfocados en la interpretación de ideas para la creación. El curso ofrecerá una atmósfera adecuada de investigación y creación para que el estudiante afronte problemáticas y preocupaciones provenientes de intereses personales y convertirlos en trabajos fotográficos que demuestren complejidad a nivel visual, técnico y conceptual.

El grabado en todas sus facetas tradicionales, xilografía, grabado en metal, serigrafía, litografía, forma parte de la cadena evolutiva de los medios de expresión visual. La necesidad de reducir las escalas tonales a tramas ha permitido el nacimiento de todas las técnicas contemporáneas de reproducción impresa y electrónica. Es por eso que el grabado es importante en la enseñanza de las disciplinas de reproducción y expresión artística. El grabado en metal, por el amplio abanico de posibilidades expresivas y gradaciones tonales que ofrece, por la fuerza de su impresión sobre el papel, ha sido utilizado por grandes artistas para desarrollar propuestas plásticas personales, muchas veces cargadas políticamente. Durero, Rembrandt, Goya, Hogarth, Dix, Grosz, Picasso, Hockney, son unos pocos nombres.  El grabado en metal no ha perdido fuerza como herramienta de expresión en el cada vez más variado mundo del arte del siglo XXI dentro de una visión de “grabado expandido” que permite infinidad de hibridaciones con otros medios, como la fotografía, la impresión digital, la intervención directa, las otras técnicas de grabado, etc... Con las nuevas maneras de hacer grabado menos tóxicas, tanto para los artistas como para el medio ambiente, se abren además nuevas posibilidades técnicas y expresivas.  

La serigrafía se ha utilizado comercialmente desde los años veinte, pero tiene sus orígenes como una de las formas de impresión más antigua, después de la impresión directa con la mano sobre una superficie. Con el uso de un esténcil o plantilla. Este método usado por  los chinos alrededor del 500 A.C. floreció durante la Dinastía Sung. (960-1299). Creando patrones con pequeños  recortes para hacer estampados sobre la seda. Luego se conoció en Europa a través de los intercambios comerciales, llego ser muy usada a finales del siglo  XIX e inicios del XX. Primero comenzó a ser utilizado por los artistas en los años 30 en Norte América y el término "serigrafía" se utilizó inicialmente para denotar la impresión de un artista, en contraposición con el trabajo comercial. Ha sido ampliamente utilizado por los artistas como una técnica de grabado desde la década de 1950. Con el desarrollo  del material plástico permitió que los plantillas cambiaran de ser de papel a líquidos plástico a base de agua bloqueando el paso de las pinturas a base de aceite.  El término "serigrafía" (seda se utilizó originalmente para la malla) también se utiliza comúnmente para describir la técnica, especialmente en América. Como esta técnica ha sido utilizada desde el registro de la vida cotidiana, diseño de patrones, como medio de  comunicar masivamente las ideas. Fue un medio muy importante en la distribución de  imágenes e información en diferentes movimientos civiles a lo largo del siglo XX. Por esta razón es muy importante el estudio y aprendizaje de esta técnica para conocer su impacto a nivel social y artístico.

Curso de nivel avanzado donde se expone al estudiante a proponer y resolver problemáticas que le permitan ahondar en la investigación y el desarrollo conceptual y formal de un proyecto en el campo de la gráfica. Se parte de que los medios de impresión  son una práctica contemporánea válida, teniendo así la oportunidad de experimentar con la impresión en relieve, las monotipias, la  impresión digital, los procesos de  transferencia/copiadora e imágenes digitales, hasta lograr comprender que la diversidad de medios logra materializar una idea. 

El estudiante aprenderá diferentes técnicas dentro del grabado en relieve como son; el linograbado, la xilografía a la fibra y a la contra fibra, la xilografía al estilo europeo y al estilo japonés, método  reductivo, método de puzzle, trabajo sobre láminas de PVC y aglomerados de madera (policromías). También se experimenta con diferentes procesos  de impresión y se reflexiona en torno a la  imagen sintética.Fomentará el interés hacia la investigación histórica y técnica. Así como el uso de medios mixtos. 

En este curso se explorarán los límites entre la fotografía tradicional como representación pictórica y la producción de imágenes informadas por los territorios de la abstracción. El objetivo principal del taller es comprender los alcances de la experimentación con fotografía y medios relacionados (video e imagen en movimiento) y su importancia en la innovación en el contexto del arte. Se abordarán técnicas y métodos fotográficos no convencionales al igual que la intervención y la manipulación, por medio de la realización de proyectos donde el resultado final puede ser incierto. Se aprovecharán los errores técnicos para transformarlos en estrategias visuales donde los procesos de producción pueden llegar a ser más relevantes que el resultado final de las imágenes. Adicionalmente se revisarán momentos significativos de la fotografía y trabajos de fotógrafos y artistas que han expandido los límites del medio a nivel técnico y conceptual.

Este taller es un espacio para asumir el dibujo, no solo como una práctica estética, sino a la vez, como un formato de construcción de pensamiento. Con la intención, que el estudiante a través de  procesos experimentales, logre crear conexiones con sus propios intereses y proyectos, cruce los límites del dibujo académico, se apropie de la noción de dibujo expandido y, finalmente, contemple al espectador como posible agente activador  de sus dibujos, para una debida contextualización de su trabajo en el ámbito del arte  contemporáneo

Este curso hace un breve recorrido por la historia del libro como obra de arte, pasa por el conocimiento de diversos soportes, como tablillas de arcilla, rollo de papiro, manuscritos iluminados medievales, invención de la imprenta, libros animados para niños del siglo XIX, hasta llegar a los libros de artista actuales de impresión digital. También se aprenden diferentes técnicas de encuadernación y desarrollan habilidades en el manejo de materiales como papeles, géneros y pieles. Se hará énfasis en que el estudiante agrupe sus ideas secuencialmente dentro de un formato de libro. Podrá crear libros tradicionales, experimentar con libros de artista únicos o alterar y reconstruir libros ya existentes.

En este curso el estudiante trabajará la litografía en piedra y en placa de aluminio. Es un proceso de impresión plana que captura los gestos y movimiento de imágenes dibujadas a mano en lápiz litográfico. Se hace hincapié en la obtención de un conocimiento riguroso de las técnicas y los principios de la litografía a través de demostraciones de clase. Con ejercicios específicos, el estudiante tendrá que resolver problemas de representación, composición y color. El estudiante podrá dimensionar el potencial expresivo que esta técnica posee para desarrollar un lenguaje individual.

Parte del estudio de la escultura objetual y del análisis y el entendimiento del objeto dentro del campo de la cultura contemporánea. Busca que el estudiante desarrolle piezas escultóricas que diluciden y revelen relaciones entre el objeto y el contexto, cuestionando sus vínculos con el individuo y la sociedad.

La instalación es una experiencia estética que formula relaciones inmersivas entre la obra, el espacio y el espectador. Esta ecuaci n propone conexiones perceptuales que dependen  de las características del lugar y de los medios a utilizar. El estudiante desarrolla trabajos basados en el entendimiento de la especificidad del lugar y su activación, hasta llegar a un montaje coherente.

Se busca abrir espacios y posibilidades para la pintura en la mente del estudiante Entendiendo la pintura como un planteamiento bidimensional sujeto a unos limites que no son otros que los de su propia forma. Se propondr n ejercicios que buscan ampliar la idea de la pintura que puedan, en un futuro, llevar al estudiante a profundizar en ellos y crear nuevos proyectos. Se busca abrir la mente del estudiante a las distintas posibilidades de la pintura. Se vera por medio de ejemplos como la idea tradicional de la pintura se ha ido modificando en los ultimos 50 años, dando esto lugar a posibilidades nuevas de expresion dentro de esta disciplina.

El curso explora las distintas modalidades del enfoque experimental en el audiovisual. Se contextualizan históricamente las prácticas y estrategias expresivas, narrativas y poéticas con ejemplos provenientes de distintos géneros. Al mismo tiempo el estudiante trabaja en sus propios proyectos creativos en vídeo a través del aprendizaje simultáneo de técnicas digitales de edición y procesamiento digital de la imagen audiovisual.

Este curso parte de la experimentación del movimiento aplicado a la creación audiovisual. Se enfatizará en aspectos performáticos y corporales relacionados con el vídeo.

El curso promueve la búsqueda de nuevas formas de expresión digital basado en el aprendizaje y experimentación básica a través de la escritura de algoritmos. Este curso hace énfasis en el proceso de producción de scripts a través de la construcción de códigos en distintos lenguajes dentro del medio digital. Se analiza el medio digital. Se fortalecen procesos creativos que involucren la experimentación de la computación en los aspectos visuales, sonoros, narrativos,, interactivos y de programación.

Se introduce al estudiante a conceptos del arte sonoro, así como a la producción y edición digital y análoga del sonido. Se dará un contexto histórico de prácticas sonoras estrechamente vinculadas a procesos artísticos. El curso motivará la creación sonora como medio expresivo autónomo o en conjunción con otros medios visuales y performativos.

Instalación Audiovisual es un taller teórico-práctico planteado como espacio de reflexión y creación en relación con la producción de instalaciones artísticas audiovisuales. Este taller ofrece un marco referencial para entender esta práctica, desde una perspectiva histórica, enmarcada dentro del contexto del arte contemporáneo, pero también desde la comprensión de conceptos tales como, espacio, tiempo, dispositivo, narrativa, montaje, tecnología, interactividad, experiencia. El curso busca que el estudiante, a partir de las herramientas adquiridas, experimente con los nuevos medios electrónicos, el montaje cinematográfico, la imagen y el sonido digital, para generar propuestas audiovisuales e interactivas personales, coherentes e innovadoras.

El objetivo de este taller es explorar la relación entre la producción audiovisual y diferentes espacios tridimensionales. La instalación audiovisual (imagen-luz / sonido / espacio) es un campo del arte que integra el espacio a la obra como parte fundamental de su experiencia. Se explora un espectro histórico y técnico lo más amplio posible, para entender la instalación como un campo que se extiende desde p ej. Las sombras chinescas hasta el videomapping. Se estudiarán medios y dispositivos ópticos, fotográficos, análogos, digitales y electrónicos. También se pensará la instalación como un medio que puede ir desde lo íntimo hasta lo monumental, por ello se construirán instalaciones en distintas escalas, utilizando desde pantallas de dispositivos móviles y proyecciones sobre pequeños objetos cotidianos, hasta intervenciones sobre espacios arquitectónicos.\

El curso propone un acercamiento práctico a las técnicas actuales de composición digital y una introducción a trabajos de artistas visuales contemporáneos que desarrollan prácticas híbridas, trabajando con imagen fija, video y 3D para crear resultados que en algunos casos pueden ser utilizados en proyectos audiovisuales, performances en vivo o instalaciones; empleando técnicas  como matte painting, chroma y rotoscopiado, el curso explora las herramientas más recientes empleadas en la postproducción hoy y que ha permitido a los cineastas y realizadores de video crear la ilusión de un entorno que no está presente en el lugar de rodaje. Históricamente, los pintores Mate y los técnicos del cine han utilizado diversas técnicas para combinar imágenes “pintadas” con imágenes filmadas con el objetivo de crear ambientes que de otro modo sería imposible o muy costoso de filmar. El Mate Painting se utiliza en el video y en los efectos especiales de cine para combinar dos o más elementos de la imagen en una sola imagen final para crear la ilusión de que todos esos elementos son partes de la misma.

Este taller dará a conocer los conceptos básicos de animación y distintas técnicas de elaboración de dibujos cuadro a cuadro para la creación de movimiento con base en los principios de sincronización y espaciado, entre otros. La Animación 2D tradicionalmente está relacionada con el dibujo animado, se promoverá en cada estudiante la búsqueda de una estética propia a través de la creación de personajes y/o escenarios ya sea para producciones abstractas o narrativas. Se analizarán referentes de artistas que han utilizado o utilicen la animación 2D como técnica. Se entenderá que la realización de una animación es un proceso que implica diferentes etapas de preproducción, producción y posproducción que usualmente involucran otras disciplinas y medios creativos.

La complejidad y variedad que implica la construcción de imágenes movimiento para animación en la actualidad, permite crear procesos mixtos que involucren distintos niveles de trabajo que van desde la animación que utiliza soportes, materiales, herramientas y procesos plásticos en 2D, la traducción por rotos copia de imágenes grabadas en video, hasta la construcción de imágenes totalmente digitales en 3D. Esto permite pensar la animación experimental como una encrucijada donde se pueden encontrar y explorar todo tipo de procesos de producción de imágenes animadas construidas a través de procesos mixtos o selectivos. En este taller el estudiante propondrá y desarrollará un corto de animación de un tema, historia o idea con la técnica que le interese o podrá crear combinando diferentes tipos de animación a la búsqueda de formas alternativas de expresión audiovisual animada.

El curso busca que el estudiante conozca sobre técnicas y tecnologías para la producción de proyectos de creación del campo del arte sonoro. Se estudiarán los principios físicos, electroacústicos y de transducción del sonido, así como las posibilidades prácticas de la  edición y procesamiento del sonido, mediante su captura, fijación, edición, reproducción, especialización e interactivación. Se  explorarán los procesos de tránsito del sonido analógico al sonido digital y los procesos de codificación, decodificación y transcodificación del sonido. El estudiante podrá además utilizar los conocimientos adquiridos en este curso en la producción y postproducción de audio para instalaciones sonoras, obras en performance, obras audiovisuales o conciertos de música experimental. Los problemas teóricos y prácticos apuntarán a la experimentación por parte de los estudiantes, procurando generar una reflexión acerca de las posibilidades de estas técnicas en la creación  artística con medios electroacústicos, así como de las variaciones que sufre el sonido y su significado a partir de su procesamiento y transforación.

El curso se orientará a la creación de proyectos artísticos basados en las nociones de modelo y simulación. Mediante el uso de plataformas de software, el estudiante se ocupará de crear una representación de sistemas como conjuntos estructurados de datos (modelo) y de sus procesos como conjuntos estructurados de instrucciones (simulación).  Dentro de las estrategias de comunicación de estos espacios artificiales se examinarán la realidad aumentada y virtual, visualización de información y otros lenguajes e interfaces audiovisuales. El curso se acompañará de  reflexiones teóricas sobre la relación de estas  estrategias creativas con tradiciones narrativas, de ficción y de descripción visual y sonora del espacio.

El curso funcionará como un taller práctico cuyo objetivo fundamental será acercar al estudiante a la comprensión de la lógicas y procedimientos de la electrónica como modelos para procesos creativos. Entendiendo la electrónica como una forma particular de representación, se desarrollarán ejercicios técnicos y proyectos creativos que se  ocupen de problemas de energía e información en relación con el espacio. Mediante el uso complementario de sensores y actuadores, el estudiante aprovechará las capacidades  que tiene la electrónica para captar y controlar diversos tipos de energía e información.

Por cuerpo sonoro se entiende el “objeto” o conjunto de objetos, o la acción o conjunto de acciones mediante y a través de los cuales se produce, resuena, amplifica, y proyecta el sonido o evento vibratorio. Los ejercicios se enfocan en la concepción y creación de eventos y procesos “performativos” para crear situaciones y experiencias sonoras “insitu”. Se explorará la creación de estas situaciones en espacios cerrados y abiertos (públicos). También será un espacio de experimentación con la voz, el cuerpo y el espacio.

La puesta en escena audiovisual como la interacción temporal compleja de espacio, iluminación, gestualidad corporal, voz y movimientos de cámara forman parte del campo experimental de este  curso. En este contexto se estudiarán distintos enfoques para dirigir actores frente a la cámara y crear ambientes lumínicos. El curso incluye la lectura y  experimentación de planteamientos teóricos  en torno a la escena de creadores como Meyerhold, Schlemmer, Stanislavski, Marinetti, Artaud, Brecht, Grotowski y otros teóricos  del cine y el teatro. Durante la clase el estudiante debe estar preparado para escribir,  dirigir, improvisar en grupo y actuar en escenas audiovisuales desarrolladas a partir de los conceptos y procesos trabajados durante el curso.

El arte y la ciencia se presentan en el panorama cultural contemporáneo como proyectos opuestos o al menos, con objetivos divergentes. Sin embargo, son varias las características que tienen en  común como prácticas de conocimiento: desde valores como la curiosidad, la imaginación y el escepticismo hasta el grado de institucionalización y profesionalización que las rigen hoy, pasando por una larga serie de formas de pensamiento, tecnologías,  éticas y procedimientos. Este curso se ocupará de comprender la ciencia como un conjunto de procedimientos antes que uno de  conocimientos. Mediante la revisión y  análisis de referentes artísticos y el desarrollo de proyectos creativos, los estudiantes comprenderán las particularidades del método científico y establecerán paralelos entre recursos propios de la ciencia y algunas estrategias del arte contemporáneo.

El taller se ocupará del estudio, desde una perspectiva científica, de algunas manifestaciones del mundo físico sobre los que construyen diversos medios y lenguajes artísticos: óptica, color, vibración, electromagnetismo y de otros que, de formas más o menos evidentes, afectan cualquier producción artística, como la luz, la gravedad y la  temperatura. El estudiante, a través de aproximaciones teóricas y prácticas, ganará una perspectiva analítica de los fundamentos materiales y energéticos de los objetos y lenguajes artísticos.

El curso busca desarrollar proyectos escénicos audiovisuales, sonoros, performativos, de artes vivas, danza o teatro, que involucren un trabajo general de conceptualización, preproducción, producción y puesta en escena. Por medio de la integración de uno o varios  equipos interdisciplinarios el curso propone llevar a cabo durante el semestre todos los pasos para la creación y estreno de un proyecto escénico. A diferencia de los talleres  orientados a ejercicios puntuales, este es un taller enfocado en la producción de un proyecto consolidado que se desarrolla colectivamente durante todo el semestre. Una de las ideas de este curso es la posibilidad de trabajar con grupos de arte sonoro, música, danza, teatro, etc., apoyándose en las habilidades y competencias de los estudiantes; (guion, dirección de arte, desarrollo audiovisual, producción, etc.)

El principal objetivo de este curso es otorgarle al estudiante las herramientas necesarias para la estructuración y posterior visualización de un guion para el desarrollo de una producción audiovisual,  ya sea tradicional o experimental. Se le darán al estudiante herramientas para que pueda estructurar dramáticamente una historia pensando en imágenes, sonidos y personajes. Se busca que el estudiante desarrolle habilidades narrativas  partiendo desde la concepción de una idea hasta la escritura de un borrador y posteriormente su traducción a un storyboard en el cual se  logren transmitir tanto la idea narrativa como la gramática audiovisual . Comprenderá el Storyboard como la planificación a través de dibujos de los planos  principales de una película que lo que al mismo tiempo incluye aspectos técnicos y artísticos .  Tanto el guión como el storyboard son herramientas claves que articulan desde la dirección hasta  el post producción un proyecto audiovisual  tanto para animación como para video. 

Animación 3D es un espacio de comprensión, reflexión y creación de la imagen tridimensional en relación con el movimiento. Es un tipo de animación que expande las posibilidades y herramientas para la creación artística en medios electrónicos. A partir de la exposición de conceptos y procesos tradicionales de la animación, los estudiantes conocerán los métodos de realización de productos animados en 3D, estimulando la generación de propuestas de creación artística y construcción de imagen digital en tres dimensiones. El curso busca desarrollar en el estudiante el conocimiento teórico y técnico para la creación de animación en tres dimensiones, comprendiendo los procesos de producción, y los diferentes roles posibles para la creación de un proyecto de animación 3D mediante la vinculación y exploración de diversas tecnologías de software de 3D.

El video experimental sitúa sus prácticas en la zona limítrofe del audiovisual convencional. Buscando su expresión, a través de una fuerza centrífuga que lo aleja del centro y del lugar seguro de las convenciones, procesos de producción y reproducción habituales del medio audiovisual para abrirse a la exploración del mismo. En concordancia con el sufijo ex que en latín significa (hacia fuera, hacia el exterior, más allá), se trata de un tipo de video marcado por su desplazamiento hacia lo exterior, un poco más allá del audiovisual convencional y sin embargo no tan allá como para perder su relación con el mismo. Podríamos llamar este tipo de video un Ex-video en el sentido de experimental pero también en el sentido de indicar un cierto tipo de video artístico que se pregunta por la naturaleza del audiovisual mismo. En este curso se exploran distintos ejemplos del enfoque experimental en el audiovisual. Se contextualizan históricamente las prácticas y estrategias expresivas, narrativas y poéticas con ejemplos artísticos provenientes de distintos momentos de la exploración de este medio. Al mismo tiempo el estudiante trabaja en sus propios proyectos creativos en video a través del aprendizaje simultáneo de técnicas digitales de edición y procesamiento digital de la imagen audiovisual.

El curso examina las diferentes formas en las que la narración se ha hecho presente en la creación artística haciendo un énfasis en lo que hoy conocemos como narrativas audiovisuales y/o multimediales. Se explorarán estructuras lineales, no lineales y multilineales partiendo tanto de medios narrativos tradicionales como la literatura y el cine, a la vez también se propone un acercamiento a la arqueología de medios y una exploración de las diferentes expresiones audiovisuales expandidas que se han construido durante la historia de la humanidad. El enfoque primario del curso se dirige hacia la comprensión y utilización de estos recursos como deconstructores de significado; para ello se estudiarán un considerable número de obras literarias y audiovisuales que han planteado estructuras alternativas. Al mismo tiempo se adquirirán conocimientos técnicos y prácticos necesarios para la producción de proyectos experimentales.

Este curso se ocupará del desarrollo de proyectos artísticos que incorporen y aprovechen los recursos y lógicas propias de la programación y la electrónica digital para la creación de objetos físicos de escala cercana a la del cuerpo y de la mano. En el desarrollo de estos proyectos creativos se trabajará en torno a nociones de control, lógica, percepción, interacción y gesto. El estudiante afianzará sus habilidades de programación y de diseño e implementación de circuitos electrónicos y se introducirán procesos de prototipado digital de objetos y mecanismos.

El taller plantea una exploración del papel que cumplen la dirección de arte y el diseño del espacio escenográfico en proyectos audiovisuales, de artes vivas o escénicos. La dirección de arte crea conceptos visuales que abarcan la escenografía, la ambientación, la utilería, el maquillaje, el vestuario entre otros aspectos que definen el concepto visual de un proyecto.A través de ejercicios y proyectos prácticos, se guiará a los estudiantes por las fases típicas del diseño de una propuesta de dirección de arte y/o escenográfica, estos proyectos pueden abarcar puestas en escena multimediales, shows en vivo o piezas audiovisuales (videoclip, videoarte, animación, etc). Se busca que los estudiantes logren una mayor comprensión del papel que desempeña el concepto de dirección artística de una producción y puedan asumir la responsabilidad que conlleva el rol, el cual requiere de diálogos que habitualmente se dan con directores, productores y realizadores para llevar un concepto visual a buen término. También afinarán las destrezas necesarias para desarrollar y finalizar una obra que incluya el desarrollo en la práctica de una propuesta específica de dirección de arte y escenografía.

Este curso parte del aprendizaje de algunos elementos claves de distintas técnicas de composición del movimiento corporal en el espacio y el tiempo. Aprender a componer el movimiento en las dimensiones espacio-temporales tiene un papel fundamental en el trabajo en vivo o en el manejo de actores para medios audiovisuales. Un artista que trabaje en medios temporales en la actualidad debe poder saber desde su propio cuerpo cómo crear un tipo de movimiento que tenga un valor simbólico, expresivo o dramático en contextos artísticos. Partiendo de preguntas como ¿Que podemos crear en torno a la relación entre imagen-movimiento propia del audiovisual y el movimiento de los cuerpos en el performance?, y ¿En que sentido se pueden complementar a nivel narrativo, poético, escénico o de documentación? El curso permitirá al estudiante el aprendizaje de fundamentos útiles para trabajar en proyectos performativos en vivo para espacios escénicos y públicos y proyectos que impliquen documentación de acciones o vídeo performance, ya sea como ejecutor o coordinador.

La información es una noción recientemente formalizada, pero de gran relevancia en prácticas científicas y artísticas contemporáneas, hasta el punto de generar desplazamientos en los paradigmas de varios campos. El curso se ocupará de la reflexión en torno a la información y sus nociones relacionadas: datos y conocimiento. Mediante el aprendizaje y uso de estrategias estadísticas, de recopilación, gestión, análisis y visualización de información; el estudiante desarrollará proyectos que permitan enriquecer conceptual y metodológicamente prácticas artísticas de orientación narrativa, descriptiva y documental. Así mismo, se revisarán manifestaciones artísticas de carácter informacional con el fin de dar una perspectiva histórica al problema.

El taller se ocupará del examen de diversas teorías sobre la percepción humana desde perspectivas filosóficas, fisiológicas y psicológicas. Se estudiarán las formas particulares como la mente y el cuerpo interactúan con estímulos para dar sentido a elementos fundamentales del arte como el espacio, la forma, la escala, el color, el movimiento o el sonido. El estudiante desarrollará proyectos creativos que señalen y aprovechen las particularidades, contingencias y limitaciones de la percepción humana con el fin de comprender y refinar sus propias habilidades perceptivas y expresivas.

Se experimentarán las posibilidades de la dimensión espacial del sonido partiendo desde los sonidos propios del lugar y la lectura patrimonial identitaria y ecológica y pasando por los espacios diseñados para el acontecimiento sonoro. La elaboración de pensamiento creativo estará guiado por una continua revisión de la relación: sonido del espacio, espacio del sonido. Se trabajará en la identificación y apropiación de los recursos sonoros del lugar a partir de las formas del espacio y de la vibración, y en el diseño y moldeo de la espacialidad sonora del acontecimiento creando recorridos, límites, fronteras, territorios y marcas sonoras y arquitecturas sonoras.

Este curso hace énfasis en el proceso de creación a través de la construcción con base en lo computacional y los códigos escritos en lenguajes propios de este medio. Se promueve la búsqueda de nuevas formas de expresión artística, basado en el aprendizaje y experimentación básica con software y algoritmos. Lo computacional como herramienta y como medio de expresión artística y su relación con otros medios artísticos. Se fortalecen procesos creativos que involucren en simultaneidad aspectos visuales, sonoros, narrativos y de programación. El estudiante comprenderá que a través de la práctica y del conocimiento de los conceptos básicos propios de la creación computacional puede expresarse artísticamente en un ambiente virtual con herramientas de programación. El estudiante experimentará el desarrollo de propuestas artísticas con base en medios computacionales, narración no lineal y formas distintas de interacción. El estudiante comprenderá el código computacional como una forma de creación artística.

El curso examina las diferentes formas en las que la narración se ha hecho presente en la creación artística haciendo un énfasis en lo que hoy conocemos como narrativas audiovisuales y/o multimediales. Se explorarán estructuras lineales, no lineales y multilineales partiendo tanto de medios narrativos tradicionales como la literatura y el cine, a la vez también se propone un acercamiento a la arqueología de medios y una exploración de las diferentes expresiones audiovisuales expandidas que se han construido durante la historia de la humanidad. El enfoque primario del curso se dirige hacia la comprensión y utilización de estos recursos como deconstructores de significado; para ello se estudiarán un considerable número de obras literarias y audiovisuales que han planteado estructuras alternativas. Al mismo tiempo se adquirirán conocimientos técnicos y prácticos necesarios para la producción de proyectos experimentales.

El curso funcionará como un taller práctico cuyo objetivo fundamental será acercar al estudiante a la comprensión de la lógicas y procedimientos de la electrónica como modelos para procesos creativos. Entendiendo la electrónica como una forma particular de representación, se desarrollarán ejercicios técnicos y proyectos creativos que se ocupen de problemas de energía e información en relación con el espacio. Mediante el uso complementario de sensores y actuadores, el estudiante aprovechará las capacidades que tiene la electrónica para captar y controlar diversos tipos de energía e información.

El objeto de estudio es la física del evento vibratorio, las fuerzas que lo posibilitan, y los medios donde se propaga para su apropiación con fines estéticos poéticos artísticos. Busca que el estudiante se acerque al trabajo con distintos materiales, soportes, las herramientas y técnicas para dar forma a la experiencia sonora a partir de la creación de objetos sonoros y esculturas sonoras que comprenden la especificidad espacio de emplazamiento o el acontecimiento que lo acoge.

En el arte contemporáneo (y en el de todos los tiempos) la reflexión acerca de los conceptos más generales (representación, tiempo, espacio) ha ocupado un lugar fundamental. Todos estos conceptos han sido objeto de una continua y profunda elaboración al interior de las matemáticas. El curso busca dar algunas indicaciones que ilustren cómo han sido desarrollados matemáticamente más allá de lo que generalmente se ve en el colegio. Aunque se darán algunos ejemplos de cómo las ideas matemáticas han sido tratadas por artistas, el curso se ocupará principalmente de presentar el contenido matemático para que los alumnos piensen las distintas formas de llevar a cabo proyectos artísticos que incorporen esas ideas.

El curso aborda algunos criterios definitorios del estatuto de la obra de arte y de la definición del arte “contemporáneo” (posterior a la segunda mitad del siglo XX). El estudiante  estudiará aspectos centrales de la práctica artística: la definición del arte y su transformación en el contexto reciente; el establecimiento de teorías comprensivas del arte con elevado poder descriptivo en el ámbito norteamericano en el siglo XX y XXI; la evaluación de la capacidad expositiva y comprensiva de algunas disciplinas estéticas cara a las transformaciones resultantes del trabajo, concepción y circulación de las obras de arte en la parte final del XX e inicial del XXI; la reflexión acerca del papel vinculante y a la vez excluyente de un régimen de creencias extendido acerca de lo que es el arte y de su diferencia con campos aparentemente contrarios.

El museo es un espacio que se produce tanto desde el lugar que se concibe (se representa), como desde la imagen que se tiene de él (lo que representa) y, claro está, la forma en que lo recorremos críticamente (cómo se practica). Por ello, pensar el lugar del museo como experiencia espacial implica entonces preguntarnos ¿desde qué lugar se concibe?, ¿qué tipo de relaciones se establecen con las obras que contiene?, ¿cómo se relaciona con el público y la ciudad que lo rodea?, ¿cómo lo recorre y lo consume críticamente el público que lo visita?

El curso está planteado a partir de las tres funciones principales de un museo; investigar, conservar y comunicar, la propuesta académica se fundamenta en clases teóricas, lecturas casos de estudios y trabajo práctico en instituciones museales. 

 A partir de charlas, magistrales, talleres didácticos,  visitas a instituciones y practicas académicas se pretende introducir al estudiante en las complejas dinámicas de una institución museal, lo que permitirá comprender la situación actual en el contexto colombiano, establecer diagnósticos sobre los diferentes elementos que lo componen y establecer estrategias para el trabajo a futuro, en otras palabras, pensar el museo.

Se trata de un curso en el que la aproximación a la crítica consiste en explorar distintos formatos de la crítica, su relación con lo público y las nuevas tecnologías: crítica en Internet, video columna de opinión, las distintas plataformas de circulación: portal en internet, blog personal, Facebook, Instagram, Twitter. Se trabajará a partir de visitas a exposiciones, análisis de situaciones del campo del arte, debates recurrentes, lectura de textos de varios archivos de crítica, así como entrevistas a artistas, curadores y críticos. Desde las primeras semanas se editará un portal en Internet donde se publicarán trabajos realizados en el curso. El curso contará con varios invitados y se programarán visitas a exposiciones.

El curso busca dar a los estudiantes herramientas para desarrollar un proyecto expositivo, que involucre un componente de producción de obras in situ, así como las operaciones logísticas y técnicas del caso. Evidenciar que en el proceso de montaje los significados son susceptibles de ser fabricados, expuestos y comunicados. Aprender a identificar la significación del objeto para articular un guión expositivo y familiarizarse con conceptos museográficos como la manipulación y el cuidado de las obras.

La ciudad y el espacio público se van a abordar como experiencia espacial y discursiva. Por ello el método a seguir es: 1. análisis y la reflexión sobre casos en que se establece una relación arte y espacio público. 2. Ejercicios y experiencias de intervención en el centro de Bogotá. 3. Desarrollo de una propuesta de intervención en el espacio público.

Se trabaja en torno a la noción de “lugar” en la ciudad. Es decir, en torno a su relación con la memoria, el patrimonio y construcción de públicos. Igualmente se verá cómo la intervención como alteración de flujos en el espacio público así como la ciudad como espacio de encuentro y conversación.

El curso tiene carácter práctico. Por ello se plantearán diversos ejercicios e intervenciones en lugares como el cruce de la carrera séptima con avenida Jiménez, el Parque de la Independencia y algunos monumentos no formales del centro de la ciudad.

Estudiar el mercado y el mundo del arte consiste en analizar cómo y donde ocurren las transacciones de las obras y quienes son los actores que animan esta escena.

El curso de Arte y Mercado propone a los estudiantes familiarizarse con sus especificidades y en particular con el mercado del arte contemporáneo. En efecto, el mercado del arte contemporáneo es un asunto de actualidad, espinoso, controvertido y, aunque hasta ahora está emergiendo en Colombia, tiene un impacto particular y concreto.

Por otra parte, ese curso propone a los estudiantes la comprensión de la dinámica del mercado del arte en su naturaleza proteiforme, con el fin de entender la sinergía de los diferentes actores y descifrar la lógica propia de este mercado. Mundialización, oferta y demanda, formación del valor artístico y creación de precio, fenómeno de especulación, “Star system”, coleccionismo, entre otros, serán los temas que se desarrollaran.

El taller elude la posibilidad de enseñanza y se centra en la experiencia del aprendizaje. Busca generar una práctica de la escritura centrada en la subjetividad y quiere despojar de pretensiones el ejercicio de teclear o garabatear sobre una hoja en blanco, sea real o virtual.

Este curso tiene como objeto explorar y recorrer estas exposiciones, conversar con sus artistas, curadores, críticos y otros actores del medio del arte. El curso tendrá como invitados 12 curadores y artistas de estos eventos, quienes dialogarán sobre su trabajo, la exposición y el proyecto curatorial. El curso tendrá una plataforma on line donde se publicarán entrevistas, opiniones y relatos de las visitas a las exposiciones.

El auge de la publicación digital, las plataformas de medios en línea, y los dispositivos móviles ha cambiado radicalmente la manera en que se ve la información, el arte y la cultura hoy en día -y a la vez ha inspirado nuevos usos e interpretaciones de los medios impresos. Artistas y productores culturales en diferentes partes del mundo están experimentando activamente con prácticas de publicación alternativas que evocan memorias análogas, documentan críticamente el presente, o reformulan el futuro del medio. Estas dinámicas contemporáneas examinan la sostenibilidad del medio impreso, proponen ejercicios de participación mediada y configuran nuevos espacios sociales para la difusión e intercambio de ideas.

Al tiempo que se aprecia la experimentación avanzada, al taller de Publicaciones le interesa el ejercicio de la escritura como vehículo de pensamiento y consignación de ideas. Por esto, el segundo componente del taller estará enfocado a usar las destrezas ejercitadas en las primeras semanas para configurar en grupo una publicación impresa con desarrollo temático.

El Arte y el Vestido es un seminario-taller para quienes quieran experimentar con formas alternativas de conceptualizar el diseño de vestuario. Hacer un vestido es esencialmente modelar un cuerpo, su naturaleza y sus posibilidades de movimiento y de relación con un contexto espacial y también social. Para este trabajo, ampliar la definición que se tiene del cuerpo para el que se diseña resulta en una ampliación también del campo de la reflexión y de la imaginación sobre el vestido y sobre el cuerpo. Y es en esta perspectiva del diseño donde convergen el Arte y el Vestido.

A partir de la exposición en el curso de temas como “Ropas sensoriales”, “El vestido como espacio flexible”, “El Surrealismo y la Moda”, “El vestido como hábitat”, “Estereotipos y permutaciones” , “El cuerpo desorganizado” , “El vestido como signo” y “Vestidos Reciclados”; los estudiantes explorarán conceptos y posibilidades para realizar un trabajo experimental de acuerdo a sus intereses y expresiones artísticas personales. Su aproximación al vestido podrá desarrollarse desde diversos medios de expresión como dibujo, fotografía y ensamblaje o directamente como producción de vestuario.

Esta asignatura busca una conciencia de la corporeidad a partir del autorreconocimiento, la memoria corporal, la respiración, el control de la energía en el tiempo/espacio, el reconocimiento de las emociones básicas en un plano físico, la inserción de un trabajo orgánico con lenguajes corporales a partir del estudio del performance y el arte de acción, la antropología teatral, el teatro postdramático, la voz, la presencia, etc.

Se busca desde la experiencia a través del cuerpo un vínculo directo con otras prácticas artísticas como la danza, la música, el teatro, el video, la instalación, el arte sonoro, la fotografía entre otros. El cuerpo en este curso es mediador de la imagen a partir de un proceso consciente en la propia práctica y el registro.

El curso permite al estudiante a comprender y aprehender, a través del dibujo, la posibilidad de concentrarse y tener más conciencia de sus diferentes estados; como sentir, escuchar y ver. Con esta herramienta, el dibujo sumi-e podrá escuchar el silencio, desconectarse de su entorno e introducir esta misma a sus actividades cotidianas.

Adicionalmente, el taller se articulara con el chi-kung. Con estos conocimientos se adquiere un espíritu positivo, por lo que el participante tiene la posibilidad de alcanzar una mayor conciencia de sí mismo, entrar en las profundidades de su ser y descubrir sus capacidades en las dimensiones espirituales, psicológicas y físicas.

El curso examina maneras diferentes y divergentes de fijar conceptualmente las características específicas de una imagen cinematográfica "pura" a través de dos dos puntos de vista desde los cuales es posible forjar un concepto de cinematograma "puro": el punto de vista de quien lo percibe, y el punto de vista de quien lo produce. Discutiremos textos de Benjamin y Bresson en defensa de la complicidad entre la pureza cinematográfica y la pureza de la acción repetitiva e irracional; textos de Snow, Conrad, Sharits y Frampton en defensa de una estrategia técnica y teórica radical del cine sin representación; textos de Deleuze y Rancière en defensa de un concepto pluralista y mestizo del cinematograma y de su historia.

Al tiempo que introduce los principales ejes teóricos y de debate que guían la gestión cultural a nivel internacional, esta materia busca desarrollar en los alumnos, desde la práctica y el contexto local, las competencias y las herramientas fundamentales para la proposición, gestión y evaluación de proyectos culturales desde una óptica crítica y propia.

Al tiempo que introduce los principales ejes teóricos y de debate que guían la gestión cultural a nivel internacional, esta materia busca desarrollar en los alumnos, desde la práctica y el contexto local, las competencias y las herramientas fundamentales para la proposición, gestión y evaluación de proyectos culturales desde una óptica crítica y propia

Desde la museología y con un enfoque crítico, esta clase busca aportar un marco histórico y teórico que explique el  por qué y para qué de  estas instituciones dentro de un marco nacional e internacional.

Este curso tiene como objeto proporcionar herramientas para que los estudiantes de arte conozcan qué opciones tienen para financiar sus proyectos, darle visibilidad a sus propuestas, diseñar un portafolio de su trabajo, crear espacios de encuentro y exposición, conocer a qué convocatorias puede aplicar actualmente y qué aspectos son decisivos al aplicar a una convocatoria.

Los materiales de arte sirven como herramientas para la expresión visual de emociones, ideas y puntos de vista. Adicionalmente, el color, la textura, loa forma y las demás cualidades de los materiales de arte provocan impulsos que nos permiten conocernos más profundamente. Este curso explora ambos manejos: el material artístico como herramienta de expresión y el menos explorado camino del material de arte como estímulo de autoconocimiento. Los estudiantes serán introducidos a diversos materiales de arte y serán invitados a expresar, por medio del material, lo que éste los incite a expresar, sin promover juicios estéticos.

El curso pretende que el estudiante aprenda a través de ejercicios específicos las particularidades de una técnica tan sencilla y compleja como la acuarela. El curso guiará al estudiante desde la aplicación del método tradicional, y un empleo correcto de los procesos hasta la exploración de ciertos aspectos de la práctica contemporánea.

El patrimonio cultural cada vez más se consolida como un campo de conocimiento marcado por diferentes problemáticas y tensiones que parten de su definición y que involucra diferentes actores, comunidades e intereses que lo definen. Desde esta perspectiva, el curso pretende introducir al estudiante en las definiciones generales de lo que constituye a nivel internacional y nacional el patrimonio cultural, haciendo especial énfasis en el patrimonio artístico, así como brindar herramientas que le permitan entender las implicaciones y dificultades que tiene el estudio de este tipo de obras y manifestaciones teniendo en cuenta el papel que juega la mirada del historiador del arte como especialista.

Cada vez que alguien se sienta a la mesa está contando la historia de su cultura. Lo que come, la compañía elegida, los utensilios que usa, el espacio de la mesa y la cocina, el tiempo empleado, son el relato más claro de los mestizajes de una región, de los cambios que ha experimentado.

Este curso propone acercarse a la cocina como experiencia artística y social, es decir, como un quehacer que depende más de la cultura, de los hábitos e inclinaciones de un grupo humano que de su mismo entorno o necesidades nutricionales, es por tanto la cocina un escenario político, tanto de convivencia como de conflicto. Se hará un recorrido por la cocina occidental, identificando en ella épocas históricas: una cocina del Renacimiento bastante distanciada de los usos medievales, una barroca, una cocina del siglo XIX que se debate entre los adelantos científicos y el sentimiento romántico y una del siglo XX, que está entre la vanguardia, la investigación y la recuperación de tradiciones ancestrales.

El curso ofrecerá a los estudiantes la experiencia de crear obras visuales a partir de conceptos y temas literarios. El acercamiento comparado entre la literatura y las artes visuales está organizado en torno a problemas claves para el estudio de estos dos lenguajes: la representación en obras de arte y en la literatura; narrativas pictóricas / narrativas literarias;  poéticas y poiéticas. Con estos conceptos y con las herramientas necesarias para el acercamiento al texto literario el estudiante podrá crear obras visuales pero también literarias que se constituyen por medio de imagen y texto, como la literatura infantil, el comic, el libro álbum.

El curso propone un recorrido a través de algunas de las numerosas prácticas artísticas que en la intersección entre el arte, la política y el activismo, se han manifestado en los últimos 30 años. Nociones de estética, participación, comunidad, redes y acción ciudadana que abordan la idea del arte como forma y proceso generador del cambio social.

El curso permite a los estudiantes desarrollar la capacidad de crítica: tener opiniones, interpretaciones y juicios sobre su trabajo y el de los demás. Podrán entender la visión histórica del arte y el gesto, su conceptualizacióny contextualización. Mediante ejercicios, talleres y tutorias los alumnos producirán una practica personal.

A nuestros días han llegado importantes objetos o manifestaciones materiales del hombre, realizados en épocas remotas. Este hecho no es fortuito.  Son muchas las causas que han permitido que hoy en día presenciemos objetos cerámicos milenarios, pinturas rupestres, tapices, murales y un sinnúmero de bienes que hacen parte importante de la historia del hombre.

El presente curso pretende abordar la conservación de una obra de arte, así como las causas que provocan su deterioro y en el caso del patrimonio cultural, su pérdida de valor y significado. Por otro lado, el curso se enfocará en la manera de evitar estos deterioros, particularmente tomando medidas relacionadas con el contexto y su incidencia, apuntando a la comprensión de cuáles son los riesgos y cuidados que se deben tener en la vida de una obra desde su creación, durante sus procesos de exhibición, montaje, manipulación, almacenamiento, embalaje y transporte. 

En ese sentido, se espera que los estudiantes logren un acercamiento a la conservación preventiva, como una forma de actuar y una postura ética de todos los profesionales que tienen relación con las artes y el patrimonio cultural, pero también, que desarrollen los conceptos, conocimientos, metodologías y técnicas propias del campo de la conservación preventiva, desde una perspectiva teórico-práctica.

Los documentales, más allá de retratar la realidad, son manifestaciones culturales que la reelaboran y están inmersos en el contexto y la vida social del director y sus sujetos. En esta medida son tanto el resultado de las decisiones personales del autor, como reflejo del momento histórico y social en el que se encuentra. El film ensayo o documental de ensayo apunta a crear un “cine pensante” en la doble acepción de la expresión: por un lado pensar sobre las sociedades y el ser humano contemporáneo, y por otro, pensar sobre el cine mismo como medio de expresión. Este tipo de documental se distancia del documental tradicional ya que deja de preocuparse por la problemática idea de la representación de la realidad y recorre caminos más decididamente creativos. Son documentales que, más que buscar retratar fielmente la realidad, quieren dejar claro un punto de vista de su autor y explorar las posibilidades expresivas del medio audiovisual.
La frontera entre el documental y la ficción es difusa; recordemos la definición de Bill Nichols del documental como una ficción en nada semejante a las demás; igualmente difusa es la separación entre documental y cine experimental, en la medida en que el primero se hace consciente y se aventura a explorar el medio que usa para la representación. Siguiendo estas líneas, el curso abordará el documental como una forma híbrida que recibe diversas influencias. Durante el semestre se analizarán producciones que, por ser difíciles de clasificar, se han dejado de lado al trazar la historia del documental clásico, pero que ofrecen alternativas interesantes y estimulantes para eso que ha venido a llamarse film ensayo.

Pocas prácticas involucran tan profundamente el sentido y la significación como las que están relacionadas con el arte. Ejercicios como la creación, la curaduría o la crítica implican proponer interpretaciones a otras personas alrededor de conocimientos y capacidades compartidas. Sin embargo, en muchos casos, los mecanismos de significación se desconocen, se estudian muy poco o se asumen irreflexivamente. Este curso se propone discutir cómo las interpretaciones de los demás, en vez de ser misterios individuales inaccesibles, son cosas que se pueden estudiar con el fin de hacer obras, curadurías y críticas mejores y más ricas; que cumplan conscientemente con los propósitos de quien las produce y que tengan resonancia en quienes las reciben. Para eso busca entrelazar los estudios y teorías basadas en la semiótica y las ciencias cognitivas contemporáneas, que centran fuertemente sus disciplinas en averiguar cómo funciona el sentido, con los problemas de la creación y la significación artística.

El curso hará un recorrido por diversos casos históricos donde el arte ha permeando otros espacios y sido un vehículo para llevar a temas individuales, sociales, culturales y políticos. ¿Cuáles fueron las vanguardias artísticas que intuyeron a esta apertura?, ¿En qué momento el arte empieza a estar presente en nuevos contextos como hospitales psiquiátricos, cárceles, centros de servicio social y escenarios de reparación?, ¿Qué factores motivan este uso? ¿Qué roles ocupa el artista en estas transformaciones? A partir de estos interrogantes se invita a los estudiantes a indagar sobre el alcance del recurso artístico, el papel de la creación y el contenido que albergan las imágenes. Los diversos componentes del pensamiento artístico llevan a sentir y comprender aspectos del individuo que de alguna manera nos tocan a todos. Al observar expresiones artísticas en diversos contextos, se pueden ver temas recurrentes y arquetipos comunes a todas las culturas y todos los tiempos; temas que tienden un puente entre lo universal y lo particular, entre lo interno y lo externo, lo visible y lo invisible. Temas que generan relaciones empáticas entre diversos grupos humanos.

Este taller estudia la evolución de las técnicas pictóricas desde un punto de vista científico y técnico. Está dirigido a artista, historiadores, diseñadores y arquitectos con interés en las técnicas pictóricas. 

El conocimiento de la evolución de las técnicas pictóricas desde un punto de vista científico es importante tanto para la comprensión de las obras patrimoniales como para su utilización en el campo de la creación artística.

El curso acerca a los estudiantes al campo del patrimonio cultural a través de tres ejes fundamentales, la investigación, la valoración y la creación a partir de la interpretación del patrimonio con la ejecución de prácticas artísticas. A partir de un enfoque teórico práctico los estudinates trabajarán en laboratorios para la adquisición de herramientas para la creación, la investigación y la difusión del patrimonio cultural.

En la última década, el patrimonio se ha ido desmarcando de las nociones más tradicionales cercanas a la idea de monumento, en las que los objetos y bienes de carácter “cultural” jugaban un rol central en la construcción y legitimación del pasado, amarrado a la conformación moderna de los estados nacionales por parte de unas élites. Considerando que el patrimonio ya no es solamente la objetivación de ciertos valores hegemónicos, es posible comprender por un lado, la diversidad de representaciones consideradas como patrimoniales, y por otro, cómo se ha constituido en un campo problemático de permanente tensión, en cuyo estudio convergen cada vez con más urgencia, diferentes miradas, teorías y métodos de distintas disciplinas. Ante un panorama tan complejo como el que exhibe el patrimonio cultural, el curso pretende acercar a los estudiantes a los conceptos fundamentales y necesarios para la comprensión de qué es y cómo se define, así como al debate actual en torno a la relación que debe establecer el patrimonio con los individuos y las comunidades, haciendo un énfasis en aquellas manifestaciones y bienes que se definen como artísticas, así como en los escenarios – como los museos por ejemplo – en los que se legitima la idea de lo patrimonial. En ese sentido, la asignatura aborda cómo ha sido la evolución de la idea de patrimonio cultural y cuáles son las problemáticas centrales con respecto a su definición, preservación y conservación en el ámbito de las políticas e instituciones culturales a nivel internacional y en el contexto colombiano.

Curso dirigido a Estudiantes de Arte, Diseño, Lenguas y Cultura, y Antropología Mamuy amøneipe manakucha srap, kitrøp, pichip amøneiken chuampatøkucha. Nuestravida, nuestro camino siempre nos invita a tejer a enrollar y desenrollar en todo tiempo y espacio. En este espacio aprenderemos técnicas ancestrales de tejido mientras se hace una  introducción al pensamiento de la milenaria cultura Misak y a su lengua materna llamada Namtrik. Se trabajará de la mano de una profesora Misak y una profesora (artista) mestiza.  El pueblo Misak está ubicado geográficamente al suroccidente de Colombia, departamento del Cauca Municipio de Silvia. Hijos del agua y de la palabra que mantiene viva su tradición la lengua y el vestido y su forma de vida, pensamiento y  sabiduría, los identifica como pueblos originarios que han habitado estas tierras.  El Namtrik y el chumbe Misak nos ayudaran a conocer esta cultura milenaria de nuestro territorio andino y nos  brindara bases y herramientas para repensar la vida y el entorno para entender un poco la crisis que se vive actualmente y de alguna forma logar una  reconexión con la Madre Tierra.

Este taller propone introducir al alumno al quehacer documental mediante herramientas teóricas y prácticas propias de este género. Se introducirá con una reseña histórica del origen del documental, los tipos de investigaciones que existen para configurar personajes y crear universos dramáticos. Se analizarán diversos estilos de documentales. Se trabajará en la estructura narrativa para lograr crear un guion sólido de sus propias historias reales. 

La finalidad de este taller es explorar en la diversidad que se da en la realidad y buscar un punto de vista particular para crear historias con temáticas universales.  La idea es encontrar una mirada original, potenciar a personajes particulares y/o con historias únicas y explorar sus mundos. Mediante este ejercicio se ampliará la mirada como autores y, por consiguiente, la del espectador, abriendo un espacio a la reflexión, a la responsabilidad social de transmitir un mensaje y el diálogo.

Se trata de un curso que consiste en explorar cómo la producción de obra y discurso se relacionan con lo público y las nuevas tecnologías: visibilidad en Internet, construcción de públicos y las distintas plataformas de circulación: portal en internet, blog personal, Facebook, Instagram, Twitter. Se trabajará a partir de visitas a exposiciones, análisis de situaciones del campo del arte, debates recurrentes, lectura de textos de varios archivos de crítica, así como entrevistas a artistas, curadores y críticos. Desde las primeras semanas se editará un portal en Internet donde se publicarán trabajos realizados en el curso.

Los muñecos son metáforas a través de las cuales se pueden expresar los sentimientos y
pensamientos mas profundos, pueden servir de objetos transicionales, habitan espacios
tangibles para proyectar o contener sentimientos y pensamientos, son vehículos de
proyección en un espacio de juego, una obra de teatro, una ceremonia religiosa o una
manifestación. Este curso tiene una práctica intensiva grupal, d de hacer títeres, marionetas
y muñecos para ser mostrados dentro y fuera de la clase en actividades programadas que
tienen lugar por dentro y por fuera del campus.

Un proyecto cultural, cualquiera que sea su naturaleza necesita de un hacedor. Como sujeto
que altera realidades, el hacedor es alguien que hace cosas y antes de hacerlas necesita
preguntarse por motivos, contextos, significados, realidades y ante todo preguntarse
porque hace aquello que hace. La palabra gestión involucra complejas redes de producción,
que van desde lo institucional a lo transnacional y de lo interpersonal a lo estético. Este
curso parte de introducir a los estudiantes los principales ejes teóricos que funcionan
alrededor de un hacer: que en este caso será llamado “gestión cultural”. Esta clase
desarrollará competencias y dará herramientas fundamentales para la formulación, gestión
y evaluación de proyectos culturales desde una óptica crítica y propia. En este espacio
haremos un recuento sobre maneras de entender la gestión cultural desde casos concretos,
mezclados con nociones prácticas lo que motivará a los estudiantes a generar proyectos
propios donde puedan poner en práctica lo aprendido.

En el siglo XVIII en el viejo continente, puntualmente en Alemania, en el municipio de Gotinga, se decide sustituir la palabra cátedra por la palabra seminario. Esto con el fin de demostrar que investigar y aprender no necesitan de un intermediario, pues un seminario es en esencia un grupo de personas que se enseña cosas los unos a los otros.  Este taller abordará, desde la figura del seminario un aspecto teórico la relación entre el  formato curatorial y sus potenciales prácticas colaborativas en relación a otras disciplinas. Desde una posición abierta y dispuesta a la experimentación, al taller propone difuminar los límites de la dicotomía entre los territorios que autorizan el conocimiento (el profesor, el texto académico, etc.) y la vida, la experiencia. Es también una invitación a asumir la investigación como una herramienta de curiosidad y de exploración, sin ser un  lugar seguro, con reglas y metodologías estables y más bien contemplarlo como un lugar donde cabe y donde es posible hacer cruces entre los elementos más dispares: un mercado, una red social, una telenovela bajo una metodología cercana a la de la cultura visual, donde se encarna la criticalidad, como un modo de vivir en el mundo. 

Este taller estudia la evolución de las técnicas pictóricas desde un punto de vista científico
y técnico. Está dirigido a artistas, historiadores, diseñadores y arquitectos con interés en las
técnicas tradicionales de las artes (pictóricas, tejidos, cerámica, etc).El conocimiento de la evolución de las técnicas desde un punto de vista científico, es importante tanto para la
comprensión de las obras patrimoniales como para su utilización en el campo de la creación
artística

Este es un espacio resistirse a la cultura del desecho, a la cultura de producción en masa, al
consumo pasivo, a la cultura masiva, a reclamar nuestro tiempo para usar las manos en otra
cosa que no sea la pantalla de un móvil, a bordar, tejer, remendar, coser, a conectarnos con
la intuición más que con los discursos. Es un llamado a reivindicar los oficios con hilos, a
celebrarlos y mantenerlos vivos en la intimidad de los momentos de soledad, en nuestros
parches y en la academia, este costurero es un espacio para la reconexión y también es un
espacio de diálogo, de aprendizaje y de resistencia activa.

Este curso es un espacio para hacer murales, grafitis y arte callejero, la actividad será
individual, grupal y colectiva, una comunidad temporal que interactúa con otras
comunidades y aprovecha la cita del espacio de la clase para moverse por dentro pero sobre
todo por fuera de la universidad.

En este taller los estudiantes escriben y publican lo que escriben. La escritura se centra en la palabra, en lecturas y ejercicios de escritura que le permitan al estudiante tener un hábito y una práctica creativa con el lenguaje. A la par de este ejercicio, los estudiantes en el taller adquieren un conocimiento práctico de diferentes herramientas de diseño y usan medios impresos y virtuales para publicar lo que escriben.

Estudiar el mercado y el mundo del arte consiste en analizar cómo y donde ocurren las transacciones de las obras y quienes son los actores que animan esta escena. El curso de propone a los estudiantes, por una lado familiarizarse con las especificidades de mercado de arte contemporáneo; un asunto de actualidad, espinoso y controvertido con un impacto particular y concreto. Por otro lado, el taller propone entrar a profundidad en la construcción de sentido, cómo se constituye la posibilidad de significar, teniendo como campo de estudio la relación entre obra de arte y valor de cambio, recorriendo desde el arte nociones propias de la economía y el mercado, tales como propiedad, valor de cambio/valor de uso, objeto y mercancía, todo esto, ya no sólo desde un ámbito del llamado mercado del arte, sino desde el problema de producción de sentido.

La palabra curaduría, o el presente participio del verbo curar, hace referencia a la actividad de seleccionar, organizar objetos dentro de la gramática de una exposición. La evolución de la figura del curador, desde hace unas décadas, se ha convertido en uno de los interrogantes de la función social del arte, sobre todo, de la función de la curaduría como discurso  profesional. La práctica curatorial ha sido definida como un acto que envuelve una selección, una decisión, una traducción, donde los gestos visuales se resisten a traducirse a un texto, de generar asociaciones o captar el invisible espacio de contingencia entre entidades, obras o sujetos. La curaduría como disciplina, se encuentra aún en una etapa  primaria, maleable, que usa y adapta códigos y estructuras heredadas. Si tomamos la curaduría como una actividad que re-lee la obra de arte, como un medio para poner en tela de juicio una idea cuya razón de existencia está tal vez centrada en el lenguaje, se puede  leer una exposición como la posibilidad de explorar alrededor de otras posibilidades,  círculos concéntricos que están a la vez rodeados de posibilidades que presentan una  lectura específica a un público interesado de la manera más fuerte posible, de una manera  que refuerza o extienda la obra. El acto de hacer algo público, en cualquiera de sus formas y sobre todo en exposiciones que responden a estructuras jerárquicas y que producen  formas de comunicación particulares y generales, ofrece la posibilidad de mirar a la  exposición como una herramienta  ideológica. No hay un método o límite definido ni por rol ni por herencia de la curaduría como práctica, a pesar de la proliferación de cursos en estudios curatoriales hace no más de 20 años. Estos preceptos hacen preguntas a la construcción de las exposiciones como medios y a la producción de significados y valores implícitas en estas.

En el siglo XVIII en el viejo continente, puntualmente en Alemania, en el municipio de Gotinga, se decide sustituir la palabra cátedra por la palabra seminario. Esto con el fin de demostrar que investigar y aprender no necesitan de un intermediario, pues un seminario es en esencia un grupo de personas que se enseña cosas los unos a los otros.  Este taller abordará, desde la figura del seminario un aspecto teórico la relación entre el  formato curatorial y sus potenciales prácticas colaborativas en relación a otras disciplinas. Desde una posición abierta y dispuesta a la experimentación, al taller propone difuminar los límites de la dicotomía entre los territorios que autorizan el conocimiento (el profesor, el texto académico, etc.) y la vida, la experiencia. Es también una invitación a asumir la investigación como una herramienta de curiosidad y de exploración, sin ser un  lugar seguro, con reglas y metodologías estables y más bien contemplarlo como un lugar donde cabe y donde es posible hacer cruces entre los elementos más dispares: un mercado, una red social, una telenovela bajo una metodología cercana a la de la cultura visual, donde se encarna la criticalidad, como un modo de vivir en el mundo. 

Este curso aprovecha la potencialidad del trabajo Interdisciplinario para generar cursos en conjunto con docentes y estudiantes de otros programas, para convertirse en un espacio donde bajo un ambiente de taller potencien cruces sobre materias y temas transversales y complementarios. La interacción con programas como diseño, arquitectura, ingeniería, derecho, antropología, periodismo, medicina, biología y tantos otros permiten pensar que esta clase, desde la apertura que permite el arte, está en sintonía con el espíritu interdisciplinario.

El objetivo de este taller es explorar la relación entre la producción audiovisual y diferentes espacios tridimensionales. La instalación audiovisual (imagen-luz / sonido / espacio) es un campo del arte que integra el espacio a la obra como parte fundamental de su experiencia. Se explora un espectro histórico y técnico lo más amplio posible, para entender la instalación como un campo que se extiende desde p ej. Las sombras chinescas hasta el videomapping. Se estudiarán medios y dispositivos ópticos, fotográficos, análogos, digitales y electrónicos. También se pensará la instalación como un medio que puede ir desde lo íntimo hasta lo monumental, por ello se construirán instalaciones en distintas escalas, utilizando desde pantallas de dispositivos móviles y proyecciones sobre pequeños objetos cotidianos, hasta intervenciones sobre espacios arquitectónicos.

El curso pretende dar a los estudiantes un contacto directo con las complejidades del territorio, la ciudad y sus habitantes explorando herramientas del arte para avanzar en la justicia social en diferentes ámbitos, así mismo se hará un recuento histórico y una reflexión en torno al arte político, la propaganda y el activismo. El curso se enmarca dentro del concepto de artivismo, una palabra que combina arte y activismo, el artivismo se ha desarrollado en los años recientes a través de los llamados artivistas, individuos que tratan de transformar la sociedad a través del arte.

Este taller explora el uso de medios cinematográficos como el documental y de géneros como el ensayo audiovisual para que los estudiantes tengan una comprensión de estos espacios como canales para la expresión de sus ideas y los conciban como herramienta de  escritura, expresión y comunicación para las diferentes líneas del Área de Proyectos. El taller parte de ejercicios de  observación, proyecciones, ejercicios prácticos y desarrollo de proyectos individuales.

El presente curso pretende acercar a los estudiantes al campo del patrimonio cultural a través de tres ejes fundamentales, la investigación, la valoración y la creación a partir de la interpretación del patrimonio con la ejecución de prácticas artísticas. ¿Cómo se relaciona el arte con todos estos testimonios materiales e inmateriales del pasado? ¿Cómo puede el arte aportar a la investigación, valoración y apropiación social del  patrimonio cultural? El curso tendrá un enfoque teórico práctico con laboratoriostendientes la adquisición de herramientas para la creación, la investigación y la  difusión del patrimonio cultural.

El curso aborda conservación de una obra de arte así como las causas que provocan su deterioro y en el caso del patrimonio cultural, su pérdida de valor y significado. Por otro lado el curso se  enfocará en la manera de evitar estos deterioros, particularmente  tomando medidas relacionadas con el contexto y su incidencia, apuntando a la comprensión de cuáles son los riesgos y cuidados  que se deben tener en la vida de una obra desde su creación, durante sus procesos de exhibición, montaje, manipulación, almacenamiento, embalaje y transporte.

El Taller se centra en una serie de caminatas por el territorio local, urbano, rural y natural (caminos reales, páramos etc). Los recorridos a pie permiten una observación lenta y detallada de este territorio patrimonial, de manera que el caminar se convierte en un medio de apropiación y conocimiento. Los resultados de las caminatas se plasmarán en medios de investigación visual (visual research) tales como los cuadernos de campo, el cuaderno de viajero, cuaderno de investigación, cartografías, etc.

 

Tiene como objeto ofrecer un panorama del campo del arte local y proporcionar herramientas para que los estudiantes de arte conozcan qué opciones tienen para financiar sus proyectos, darle visibilidad a sus propuestas, diseñar un portafolio de su trabajo, crear espacios de encuentro y exposición, conocer a qué convocatorias puede aplicar actualmente y qué aspectos son decisivos al aplicar a una convocatoria.

La ciudad y el espacio público se van a abordar como experiencia espacial y discursiva. Por ello el método a seguir es: 1. análisis y la reflexión sobre casos en que se establece una relación arte y espacio público. 2. Ejercicios y experiencias de intervención en el centro de Bogotá. 3. Desarrollo de propuestas de intervención en el espacio público.

Presentar, analizar y contextualizar propuestas de artistas en relación con el museo. El museo se va a abordar como experiencia espacial y discursiva. Se parte de proyectos de artistas que desde los años setenta plantean una crítica a la institución museal. Por ello, el método a seguir es el análisis y la reflexión sobre casos en que se establece una relación crítica entre artista y museo. Se trabajará en torno al “lugar” del museo. Es decir, en torno a su relación con la memoria, el patrimonio y construcción de públicos. Igualmente se verá cómo el museo surge paralelamente a otro tipo de exposiciones que podríamos llamar “fuera del lugar” del museo: las Exposiciones Universales, los pasajes y, últimamente, los centros comerciales.

“ Y usted qu hace?” A partir de esta pregunta inicial, cada persona har un proyecto individual o colectivo que se har p blico al final del semestre. El curso contempla citas individuales entre el estudiante y el profesor, y sesiones colectivas para hacer ejercicios, interpretar lecturas, ver películas, visitar exposiciones y dialogar con invitados. El objetivo del curso es que cada persona comprenda mejor como piensa, siente y hace las cosas, un ejercicio de cr tica y autocr tica, duda y confianza, que usa la din mica de taller para que cada uno haga lo mejor posible con los medios disponibles y aprenda a reconocer y respetarlas reglas de su propio juego. El curso hace un nfasis en el tr nsito de la esfera privada a lo público de cada proyecto, y contempla instancias como la hoja de vida, el portafolio, el registro, la gestión, la curaduría, la crítica, el montaje, la conservación y la comunicación como parte del tr nsito del taller al espacio expositivo.

Este taller lleva al estudiante a reflexionar sobre los elementos constitutivos del Dibujo como disciplina, explorar medios y formas de dibujar no convencionales y ampliar la noción misma del Dibujo, relacionándola no sólo con la de Estructura, sino con la de Idea. El dibujo es, en últimas, un acto de conciencia. Los ejercicios evolucionarán progresivamente de lo más material y convencionalmente dibujístico (punto y línea) hacia lo más conceptual (el dibujo como idea y como proceso).

Hemos visto tal diversidad de obras nombradas como instalaciones que no resulta muy claro saber con certeza que es o no es una instalación. El género mismo es amplio y se resiste a simples definiciones por lo que resulta enriquecedor adentrarse en las motivaciones, iquietudes y aspectos que hacen de la Instalación una plataforma versatil, agil y sorprendente.

Por ello, se hace necesario en primer lugar revisar la historia del surguimiento del género para entender los motivos que lo hicieron posible y también realizar un estudio de las caracteristicas de la instalación para facilitar su entendimiento y también propiciar un aprovechamiento de las posibilidades que ofrece.

La aparición de la instalación estuvo marcada parcialmente como una respuesta a la concepción modernista de la obra y sus limitaciones objetuales y también como un rechazo al mercado del arte y el énfasis de la obra como objeto de consumo. De tal manera que sus inicios estuvieron marcados por un ánimo vanguardista que entendió y planteó nuevas relaciones entre la obra, el espacio y el espectador. Esta ecuación propone relaciones perceptuales diversas que dependen en buena medida de las características del espacio y de los medios a utilizar. Es así como la noción de especificidad de lugar se hace primordial y recurrente en el entendimiento del género de su versatilidad y flexibilidad.

El curso ofrece un breve recorrido de la historia de libro, partiendo del rollo de papiro de los antiguos egipcios, libros de monasterios cristianos, manuscritos iluminados, la invención de la imprenta, la ilustración para niños del siglo XIX, hasta los libros de artista de las década de los años 80 y 90. Se apreciarán los diferentes materiales y técnicas de elaboración de algunos de estos. El alumno estará en capacidad de reconocer una gran variedad de materiales (papeles, géneros, pieles, etc.). Este taller le da la posibilidad de experimentar y transformar con el fin de crear versiones de libros únicos en su clase. También cabe la posibilidad de alterar y reconstruir libros ya existentes.

El taller busca abrir espacios y posibilidades para la pintura en la mente del estudiante, entendiendo la pintura como un planteamiento bidimensional sujeto a unos límites que los da su propia forma. El curso propone ejercicios que buscan ampliar la idea de la pintura.

El curso se enfoca en que el estudiante explore procesos artísticos que le ayuden a plantear, desarrollar y ejecutar sus trabajos. Se plantea como un taller abierto en el que no se abordarán técnicas específicas, sino que por el contrario cada estudiante deberá encontrar el medio y los procesos que mejor le sirvan para transmitir sus ideas. Al no ser una clase en la que se exploren técnicas o temáticas específicas, el docente se presenta como un acompañante que incentiva y cuestiona al estudiante a partir de sus propias preocupaciones y búsquedas.  Para facilitar el desarrollo de los proyectos se realizarán diversos trabajos que a partir de una reflexión personal le permitirán al estudiante desarrollar sus propuestas apoyándose en la noción de proceso.

El curso consiste en una reflexión creativa  en torno a una pregunta básica ¿qué hace la fotografía frente al paisaje? Esta pregunta supone tanto una reflexión estética y conceptual sobre el entorno como una aproximación profunda y consciente al lenguaje fotográfico y sus posibilidades expresivas. El laboratorio-taller  incluye una reflexión basada en la experiencia directa asociada a  procesos de captura en salidas de campo, como también trabajo de edición, finalización de imágenes y el estudio y comprensión del género del paisaje y sus interpretaciones contemporáneas. 

El fotoperiodismo está comprometido con la realidad, la verdad y la estética. En el siglo XIX, la fotografía era cualquier cosa que los fotógrafos quisieran que fueran, era muy joven para estar sujeta a las definiciones; en el siglo XX las definiciones y distinciones crecieron confinando el genio errático de la fotografía en canales rigurosamente controlados como el documental, el arte, la publicidad, y la moda. Estas definiciones en el siglo XXI han colapsado y una vez más la fotografía es cualquier cosa que los fotografos quieren que sea:verdad objetiva o subjetiva.

Al ser este un curso de profundización se estudiarán diferentes técnicas dentro de la gráfica, poniendo mayor énfasis en la litografía y sus procesos especiales, así como en la fotolitografía y los procesos de color. Propongo la hibridación entre las técnicas con el fin de tener mayores posibilidades creativas y expresivas, así como la experimentación con nuevos soportes y materiales.

Un taller pensado como laboratorio de creación y diálogo alrededor de los procesosdesarrollados por los estudiantes durante el semestre. En él entran en juego la
retroalimentación permanente y de doble vía entre dos profesores, el individuo y el grupo. También da pautas sobre c mo ser la vida profesional de los egresados.

El arte y la ciencia se presentan en el el panorama cultural contemporáneo como proyectos opuestos o que, al menos, apuntan en diferentes direcciones. Sin embargo, son varias las características que tienen en común como prácticas de conocimiento: desde valores como la curiosidad, la imaginación y el escepticismo hasta el grado de institucionalización y profesionalización que las rigen hoy, pasando por una larga serie de formas de pensamiento, tecnologías, éticas y procedimientos. Este curso se ocupará de aproximarse a algunas formas de acción y de razonamiento propias de la ciencia que pueden enriquecer una práctica artística contemporánea.

El curso funcionará como un taller práctico cuyo objetivo fundamental será acercar al estudiante a la comprensión de la lógicas y procedimientos de la electrónica como modelos para procesos creativos. Durante el semestre, se desarrollarán proyectos que, a través de recursos electrónicos, se ocupen de problemas de energía e información en relación con el espacio.

En las expresiones artísticas contemporáneas que involucran los nuevos medios, las fronteras entre la producción de un objeto artístico y su potencial narrativo son cada vez menores. Por medio del análisis de ciertas obras y corrientes de pensamiento que se dan desde las mismas artes, el cine, la literatura y los nuevos medios, y que exploran la no linealidad o la multilinealidad como recurso, el estudiante estará en capacidad de comprender y analizar diversas formas de construcción de significado. Simultáneamente adquirirá herramientas técnicas prácticas que permitan la generación de un objeto artístico que explore algunas formas narrativas experimentales y alternativas.

Este curso se plantea como una herramienta clave para el desarrollo de obras audiovisuales dentro delcampo de las artes. Dado que la animación es una técnica altamente versátil que permite una granlibertad creativa, se convierte en un instrumento importante a la hora de llevar a cabo ideas queplanteen preguntas sobre el tiempo y la narrativa. Dar las bases necesarias para lograr manejar demanera fluida y acertada la técnica de la animación, así como generar un concepto sólido que justifiquesu implementación, será el objetivo principal de esta asignatura. Permanentemente habrá un ejercicioactivo de retroalimentación y análisis tanto de obras de artistas animadores de alta calidad como deejercicios y proyectos de los mismos estudiantes.

Este taller teórico-práctico explora el problema de las distintas manifestaciones e intersecciones entre los Medios Electrónicos y las Artes del Tiempo. Entre otros temas puede tratar la narrativa en los medios audiovisuales y el performance, exploración experimental de distintos géneros audiovisuales a partir de puestas en escena y producción de guiones, la relación entre acciones y tecnología, experimentación con programas de computador que permitan la manipulación de audio y video en tiempo real, etc.

El curso  propicia el encuentro de procesos intermediales entre  performatividad y sonido. Toda presentación en vivo de un interprete sonoro tiene implicaciones preformativas en la relación entre el cuerpo, el espacio, los objetos y los oyentes. Dicha relación puede ser trabajada expresiva y simbólicamente.

Por otra parte toda acción preformativa puede ser pensada, codificada e interpretada el tiempo, así como la expresión oral del lenguaje involucra una performatividad directa del cuerpo. El curso explora la potencialidad artística de este campo entre dos medios del tiempo que han estado históricamente en diálogo. 

La comunicación es piedra angular de la sociedad, y con ella marca el paso de la evolución de la humanidad. En la actualidad la electrónica y los medios digitales son cada vez más presentes en nuestras experiencias de vida. Las redes de comunicación son cada vez más integradas y globales.

La tecnología se está convirtiendo en mediador de nuestro entretenimiento, nuestros círculos sociales, y en realidad prácticamente cualquier aspecto de nuestras vidas. ¿Qué impacto tiene esto sobre nuestras vidas, nuestras libertades, y el futuro? ¿Qué papel del representa el artista en este contexto?

Redes y contextos es un espacio donde los estudiantes exploran los orígenes y el futuro de las redes digitales y pensar cómo el Internet y otras tecnologías han cambiado nuestra forma de trabajar y relacionarnos. El curso expone algunas de las herramientas y tecnologías que conforman éste universo para dar al artista una plataforma más sólida en ésta era digital.

El curso propone una exploración del vídeo como tecnología de la memoria y al mismo tiempo una indagación general del rol de los procesos de la memoria en la creación artística. El trabajo de construcción de la memoria personal o colectiva es complejo y no implica tan solo una relación retrospectiva o nostálgica en relación con los eventos del pasado. Los procesos que involucran la captación de los eventos del presente y su traducción en documentos de la memoria no se detienen en el registro técnico de la misma, sino que involucran activamente en su construcción a la subjetividad. Toda obra artística de hecho ya es un documento de una memoria estética. Los procesos de creación reinventan el pasado y lo actualizan constantemente en el presente.  El curso busca explorar la encrucijada vital y activa de la creación de la memoria que yuxtapone los lugares, las personas, los objetos, las situaciones y los tiempos en la experiencia transformativa de la creación.

Durante el curso se explorará tanto técnica como conceptualmente la creación de objetos interactivos que a partir de la noción de ensamblaje, sean autónomos en su operación pero que reaccionene a la intervención humana, del ambiente y de otros objuetos similares para craer redes compuestas por objetos y personas. El curso utilizará las plataformas de desarrollo de softwarw Processing y hardware Wiring/Arduino/Fritzing, se abordará el desarrollo de hardware específico para el control de sensores y actuadores que serían interconectados via protocolo serial para interactuar con otros objetos similares.

Los ejercicios prácticos y conceptuales otorgarán al participante herramientas para generar una posición crítica frente a la creación artística con tecnología enfocada a la generación de experiencias interactivas haciendo especial énfasis en la necesidad de reconocer el contexto social, económico político en el cual se enmarca esta práctica.

Este taller busca centrarse en la producción autónoma de obra del estudiante y sus procesos de creación sin que ésta sea conducida por ejercicios propuestos por el profesor. Cada estudiante diseñará su propia clase de acuerdo a la ruta de experiencias que desea explorar durante el semestre en relación a su obra en marcha en un sistema de asesoría individual.
El taller es receptivo a estudiantes provenientes de cualquier tradición creativa (plásticas, literatura, teatro, música, medios audiovisuales, sonido, performance, artes electrónicas, etc) que estén dispuestos a explorar experimentalmente procesos híbridos que involucren su propia obra en un contexto de artes del tiempo. Esto significa que su proceso incluirá necesariamente una experimentación transversal que involucre directamente o de manera procesual o metafórica, el video, el sonido, las acciones o los medios electrónicos con los otros medios que ha cultivado tradicionalmente. A manera de referencia y estímulo imaginativo, diversos conjuntos temáticos formarán parte de la discusión en el taller como por ejemplo: la creación como mito de los comienzos, la creación como mediación subjetiva y técnica de autotransformación, la creación artística como advenimiento y aparición, la creación artística como percepto, la creación artística como cruce de caminos, la creación artística como sustituto o excedente de lo real y la creación artística como imposibilidad realizada entre otros.

Este taller busca centrarse en la producción aut noma de obra del estudiante y sus procesos de creación sin que esta sea conducida por ejercicios propuestos por el profesor. Cada
estudiante diseñar su propia clase de acuerdo a la ruta de experiencias que desea explorar durante el semestre en relación a su obra en marcha. Siendo un taller que forma parte del énfasis del área de Medios Electrónicos y Artes del Tiempo está diseñado para que los estudiantes trabajen su obra en marcha relacionada con los soportes y prácticas artísticas (medios) propios de esta rea de creaciónn. El curso sin embargo plantear ejes de reflexión amplios en torno a los fundamentos de la creación artística y los medios para motivar la autoconciencia del estudiante de su propio proceso creativo contrast ndolo con los testimonios de los procesos de creaciónn de otros artistas y reflexiones en torno a la creación provenientes de disciplinas variadas del conocimiento y la cultura.

Las nuevas tecnologías generan un panorama complejo y diverso que por su misma definición interdisciplinaria, no debe ser analizado únicamente desde la perspectiva de la plástica, sino también desde otras disciplinas como el diseño, la arquitectura, el cine, la música, la comunicación, etc. Lenguajes, objetos, espacios, entre otros, los cuales comprendemos como nuevos, son hibridaciones y mutaciones de conceptos que han acompañado el desarrollo de las expresiones socioculturales a lo largo de la historia. El curso explora el nacimiento y evolución de los nuevos medios y las teorías que han nacido en torno a ellos, así como también ciertos lenguajes, proyectos y objetos mas representativos; produciendo análisis, estudios y ensayos que puedan aportar soluciones al paradigma, qué son nuevos los medios?

El curso es un taller de escritura de textos con el principal ánimo de ser publicados en páginas de internet y-o en formato impreso. En el taller se estudiará el sentido de la palabra “publicación” con relación al contexto académico donde sucede el curso, es decir en un departamento de arte de una universidad privada.

Los estudiantes escribirán varios textos a lo largo del semestre. El taller está pensado de modo que los estudiantes se nutran de los procesos de cada integrante, generando un sentimiento de grupo y propiciando un espacio para la discusión de la materia de estudio sobre la cual se escribe, de los textos en si mismos, del contexto en el que circulan y del autor, en sus coordenadas específicas.

Este curso pretende proporcionar herramientas teóricas y prácticas para abordar problemas inherentes a la construcción de narrativas y discursos en torno al arte y su historia. Para esta clase en particular, se explorarán dos alternativas diferentes pero complementarias: la práctica curatorial y el archivo. Ambas alternativas permiten transmitir ideas y construir discursos, por tanto una u otra le permiten a los estudiantes identificar y aplicar medios apropiados, creativos y estructurados para el desarrollo y presentación de sus proyectos. 

Los estudiantes se enfrentan al reto de comprender diferentes procesos artísticos. Se trata de unespacio abierto a todos los estudiantes del departamento de Arte donde será posible desarrollar proyectos en cualquier medio -plástico, audiovisual electrónico, producción, mediación, interpretación- con criterios amplios de concentración y autonomía.

El curso introduce a la lectura de teorías recientes acerca del arte, provenientes del ámbito postanalítico. Los estudiantes podrán reflexionar acerca de las posibilidades que poseen algunas disciplinas estéticas y algunas influencias externas al mundo del arte cuando ocasionan “políticas” en el mundo del arte (se trata de la economía, la política, la crítica de arte, la curaduría, las teorías).

Los alumnos estarán en capacidad de reconstruir críticamente los modelos teóricos y los conjuntos de creencias de sentido común que se consideran usualmente como determinantes de políticas del arte. Así mismo podrán  analizar las convicciones que han determinado tradicionalmente la concepción corriente acerca de qué significa “arte” cuando se entiende en la contraposición “arte” y “arte de masas”.

El curso está orientado a analizar las particulares condiciones tanto históricas como a-históricas propias de un artista, profundizando en factores creativos cuya lógica establece nuevos códigos y estrategias perceptivas al interior de una sensibilidad contemporánea. Revisar el arte a partir de la práctica de un artista, permite evidenciar las características de un arte que pertenece a su tiempo pero que se diferencia del espíritu de su época en las condiciones particulares de su espacio mental.

El curso está concebido como un espacio de reflexión teórica y ejercicio práctico en torno al concepto de archivo y sus múltiples apropiaciones en las prácticas artísticas de creación, curaduría e investigación en historia del arte. Las aplicaciones prácticas serán desarrolladas en torno al Banco de Archivos Digitales de Arte, proyecto que adelanta el Departamento de Arte, el cual es una plataforma que documenta y conserva registros de obras de arte colombiano del siglo XIX hasta el presente. A lo largo del curso se hará un análisis histórico de la creación de colecciones y de archivos, y de los cambios de paradigmas que ha generado el proceso de digitalización en distintas instituciones (bibliotecas, museos y universidades).El curso propone dinámicas de trabajo individual y colectivo que avancen en los procesos de archivo y enriquezcan el proyecto del Banco de Archivos Digitales de Arte; así mismo, profundizará en modelos de investigación y creación que impliquen ejercicios de análisis, interpretación y apropiación del archivo mediante textos, propuestas curatoriales o gestión de eventos de discusión.  El curso ofrece herramientas para acercarse de manera crítica a la producción artística moderna y contemporánea en Colombia, así como a los recursos de conservación y divulgación de acervos, y sus formas de ser consultados e interpretados.

El curso propone un entorno de producción colaborativa en el que se investigan diversas técnicas y procesos de procesos de impresión, se examinan referentes históricos y se  experimenta con las diferentes formas que componen el campo expandido de la publicación contemporánea. A través de proyectos prácticos se propondrán enfoques alternativos de impresión, producción cultural, circulación mientras se discuten temas como la autoría, la piratería, la reproducción, la difusión, el intercambio y la participación.

En la primera parte de este curso se analizan las grandes exposiciones como plataformas discursivas. Se hace un breve repaso al nacimiento de este tipo de muestras como eventos que buscan representar el progreso de una nación (Exposiciones Universales como fantasmagoría urbana), el sentido de los primeros salones y bienales, así como la creciente proliferación de bienales. En la segunda parte, se revisarán bienales y salones a través de curadores y artistas invitados. Al final, se trabajarán proyectos puntuales con los salones regionales en curso: Museo Efímero del Olvido y la Escuela de Garaje.

 

A partir de la colaboración entre estudiantes y profesores de Arte y Derecho se hacen actividades e intervenciones con la población reclusa y diferentes actores del sistema penitenciario y carcelario. Así, se busca visibilizar diferentes situaciones de la vida carcelaria y contribuir al mejoramiento de las condiciones de vida, a la protección de los derechos y a ampliar la percepción que se tiene sobre este grupo humano. El medio destacado para difundir los contenidos son una fotonovela que se trabaja con el Grupo de Teatro Abrakadabra del Establecimiento Carcelario La Modelo.

La sociedad tiende a encasillar a la gente en categorías que estigmatizan y refuerzan la exclusión. El arte es una herramienta poderosa para aproximarse a estas realidades y ser un motor de transformación social. Este curso, dirigido por PARCES ONG, invita a los y las estudiantes a sacar su arte de la galería y ser agentes de cambio en diferentes contextos. A través de metodologías participativas, la clase implementa herramientas teóricas, practicas y experienciales que tengan un impacto social y generen cambios en las diferentes formas de ver el mundo.

A partir de la colaboración entre estudiantes y profesores de Arte y Derecho se hacen actividades e intervenciones con la población reclusa y diferentes actores del sistema penitenciario y carcelario. Así, se busca visibilizar diferentes situaciones de la vida carcelaria y contribuir al mejoramiento de las condiciones de vida, a la protección de los derechos y a ampliar la percepción que se tiene sobre este grupo humano. El medio destacado para difundir los contenidos son una fotonovela que se trabaja con el Grupo de Teatro Abrakadabra del Establecimiento Carcelario La Modelo.

En el siglo XVIII en el viejo continente, puntualmente en Alemania, en el municipio de Gotinga, se decide sustituir la palabra cátedra por la palabra seminario. Esto con el fin de demostrar que investigar y aprender no necesitan de un intermediario, pues un seminario es en esencia un grupo de personas que se enseña cosas los unos a los otros. Bajo este espíritu, este seminario se plantea como un grupo de aprendizaje activo donde los participantes no reciben ni entregan información elaborada, sino que la buscan y elaboran juntos en un ambiente de colaboración. El seminario abordará desde un aspecto teórico la relación entre el formato curatorial y sus potenciales prácticas colaborativas. Puntualmente, estableceremos si las prácticas colaborativas pueden estar conectadas con el surgimiento de la figura del curador como autor al final de los años 60s, un cambio indicado no solo por la aparición de la exposición como un medio, un género en sus propios términos, sino por la configuración de la exposición colectiva donde la colaboración entre artista y curador está basada en su posición autoral compartida. En este sentido, se intentará desdibujar la figura autoral del curador para potenciar y especular sobre el arte de participación no limitándose a esta, sino dándose el permiso de reflexionar e identificar diferentes tipos de prácticas curatoriales. Especular, meditar, pensar en voz alta son actividades propias de la formación académica y del pensamiento crítico que serán altamente valoradas durante el curso.

El trabajo colaborativo de estudiantes y profesores de Arte y Derecho realiza actividades con la población reclusa . El curso buscae visibilizar diferentes situaciones de la vida carcelaria y contribuir al mejoramiento de las condiciones de vida, a la protección de los derechos y a ampliar la percepción que se tiene sobre este grupo humano.

El espacio de los cursos de Anteproyecto y Proyecto Final de Grado plantea una posible inversión de roles: el estudiante dirige el sentido de la clase y los profesores son sus lectores atentos (o asesores). Estos dos cursos comprenden un periodo de trabajo de un año, son un espacio académico que desborda la temporalidad del semestre y trasciende los objetivos precisos de una materia, un maestro o un área. El trabajo no está destinado a circular dentro de una clase, bajo la mirada de un único profesor o limitado a una entrega parcial: está destinado a ser un hecho público

El espacio de los cursos de Anteproyecto y Proyecto Final de Grado plantea una posible inversión de roles: el estudiante dirige el sentido de la clase y los profesores son sus lectores atentos (o asesores). Estos dos cursos comprenden un periodo de trabajo de un año, son un espacio académico que desborda la temporalidad del semestre y trasciende los objetivos precisos de una materia, un maestro o un área. El trabajo no está destinado a circular dentro de una clase, bajo la mirada de un único profesor o limitado a una entrega parcial: está destinado a ser un hecho público. Los cursos de Anteproyecto y Proyecto Final de Grado son un pretexto para que el estudiante haga un balance de su trayectoria y, a partir de su trabajo, muestre conciencia de adquisición de conocimientos, de exposición pública y de debate. 

En el taller Interáreas los estudiantes de todas las áreas confluyen creando un contexto en el que todo tipo de proyectos en medios y mediaciones confluyen. Profesores de las tres áreas interactúan en el taller con la finalidad de integrar la mirada sobre las prácticas del arte en su conjunto.

En el taller de anteproyecto el estudiante propone un proyecto para el que tendrá un año de trabajo pues se enlaza con el taller de proyecto final. En anteproyecto decide los medios o mediaciones y problemáticas con los que desea trabajar en su obra y ensaya diversas maneras de aproximarse a la formalización de su proyecto. También localiza, precisa y reflexiona por escrito en relación a los conceptos, perceptos y contextos principales de su proyecto.

Durante el proyecto final el estudiante continúa con el trabajo iniciado en Anteproyecto. Profundiza por escrito en la reflexión de los nodos conceptuales de su proyecto. Llega a una versión definitiva de su obra para ser exhibida en la exposición de grado o culmina su proyecto de mediación cultural mostrando sus resultados públicamente.

Inscripción a Grado

Práctica formativa que le da la oportunidad al estudiante de trabajar en instituciones de carácter cultural. Los estudiantes podrán elegir entre una oferta de instituciones y asociaciones nacionales elegidas por Centro de Trayectoria Profesional de la Universidad. Tiene una duración de cuatro meses y una intensidad de 12 horas semanales.

Los estudiantes realizan prácticas investigativas directamente en una institución museal o educativa

Los estudiantes realizan prácticas de medio tiempo o tiempo completo directamente en una institución pública o privada.

Práctica formativa que le da la oportunidad al estudiante de trabajar en instituciones de carácter cultural. Los estudiantes podrán elegir entre una oferta de instituciones y asociaciones nacionales elegidas por el Departamento de Arte. Tiene una duración de cuatro meses y una intensidad de 12 horas semanales. Se puede cursar simultáneamente con otras materas.