HART - Historia del Arte

El curso propone un recorrido cronológico por la historia del arte a través de obras, artistas y temas puntuales. Hace énfasis en los contextos históricos y geográficos de la producción artística. Tiene en cuenta las diversas funciones del arte y sus sistemas de mecenazgo, y la transformación de los espacios expositivos con la creación del museo. El curso introduce conceptos fundamentales para la noción de arte en Occidente y en las culturas del Mediterráneo y América antigua y África, tales como la representación, la mímesis, la originalidad, el estilo y la periodización, entre otros. A la vez, problematiza la noción misma de arte (un concepto relativamente nuevo y esencialmente occidental), y reflexiona acerca de las condiciones históricas y los modelos de pensamiento que han contribuido al desarrollo de la historia del arte como disciplina.

El curso se divide en tres módulos: en primer módulo, se estudian las tres grandes tradiciones que conforman la herencia colombiana: la tradición europea del Mediterráneo, las civilizaciones prehispánicas de América y las culturas del África subsahariana. En el segundo módulo, se analiza la producción visual de la Edad Media y a la tradición artística que se desarrolló en Occidente en la modernidad temprana (siglos XV-XVII). En el tercer módulo, se cubren los grandes cambios que se produjeron desde la Ilustración en el siglo XVIII hasta finales del siglo XX en la cultura y el arte occidental, para terminar con un análisis de los principales problemas que plantea el postmodernismo en el arte.

El curso permite hacer una introducción a la historia del arte a partir del contacto directo con las obras. El curso se desarrolla de manera cronológica, en torno a las colecciones de los diferentes museos en París. Se busca una mirada detenida sobre el arte y sus expresiones a lo largo del tiempo, con énfasis sobre la percepción y los aspectos materiales de las obras. Aunque un estudiante haya tomado un curso introductorio en la universidad, se considera que este curso ofrece unas bases y una experiencia significativamente diferentes a las trabajadas generalmente en el salón de clase.

Es un curso interdisciplinario sobre el arte y la cultura francesa a partir de una serie de cruces entre arte, arquitectura, literatura, e historia. Las clases se complementan con actividades culturales, visitas a lugares afuera de París, y conferencistas invitados.

Dirigido a estudiantes de cualquier disciplina, este curso busca acercar al estudiante a la apreciación y el conocimiento del arte. A través de ejercicios descriptivos y de la indagación sobre obras de diversos períodos y materiales, desde objetos prehispánicos hasta arquitectura contemporánea, proporcionará oportunidades para observar y herramientas para traducir en palabras lo que observa y plantear preguntas que posibiliten un acercamiento al arte desde distintas perspectivas. Además de ofrecer herramientas para el análisis visual, contextualizará las obras de arte en sus respectivos tiempos, espacios y mentalidades, incluyendo sus historias de vida y los espacios y edificios que las albergan.

Con este curso se pretende acercar al estudiante a los momentos críticos del desarrollo de las artes visuales a través de obras fundamentales en la historia del arte de Occidente.  La estructura se aleja de la forma tradicional de enseñar la historia del arte para promover un conocimiento más profundo de la obra como parte de un contexto cultural, social y económico. Se hace énfasis en la imagen como elemento discursivo partiendo de la metodología planteada en la iconología.

Desde las cuevas de Lascaux, Altamira y Chauvet hasta los desiertos de Namibia, las cuevas de Capadocia a la Ruta de la Seda, las manifestaciones de arte rupestre son testimonio de la profunda historia de la humanidad. Este curso aborda las diferentes corrientes para su estudio a partir de un recorrido por algunas de las manifestaciones más saltantes del mundo. Seguidamente, enfoca las pinturas, petroglifos y geoglifos de América del Sur, empezando por el arte de los primeros pobladores y los lugares sagrados de la Amazonía, pasando por los geoglifos de los Andes centrales y los campos de petroglifos asociados al tránsito caravanero de los Andes del Sur, hasta el iconoclasmo de los extirpadores de idolatrías. A la par de un recorrido por la historia precolonial del continente, el curso presenta principios básicos del quehacer arqueológico (estratigrafía, tipología, seriación, datación) y de análisis de pigmentos. Las discusiones teóricas y metodológicas son transversales al recorrido del curso, pues permiten tender puentes entre los ejemplos globales y regionales. Se prevé la realización de una salida de campo a un sitio con arte rupestre de Cundinamarca.

El curso estudia la representación de lo divino a lo largo de la historia. La idea principal del curso es abordar la historia del arte en Occidente a partir de un tema concreto que recorre un contexto espacio-temporal vasto, ofreciendo una perspectiva amplia de la materia de estudio. Se propone un análisis conjunto de las manifestaciones artísticas y de los sistemas de pensamiento teológico. De esta forma, no sólo se realizará una historia de las representaciones sino también de las doctrinas e ideas que las permitieron y prohibieron.

 

This course examines the depiction of classical mythology in the visual arts. Following a general introduction to some of the principal classical myths represented in the visual arts and to the major theories of mythography (the study of myth), this course will focus on the production of mythological imagery in Western art, widely based on Ovid’s Metamorphoses, from antiquity to the present. Topics to be covered include mythological portraits, the female nude, the dynamics of metamorphosis, domestic paintings, and the relationship between poetry and painting (ut pictura poesis). Throughout the course, we will address the reinterpretation of myths during key revivals of Classical Antiquity (the Carolingian period, the Renascence of the twelfth century, the Renaissance and Neoclassicism), along with the artists’ visual and textual sources, and the various functions and categories of mythological imagery. We will look at a variety of media, including illuminated manuscripts, tapestries, sculptures, and prints. We will study individual artists who developed a particular interest in Classical myths, such as Titian, Poussin and Picasso, and we will end the course with an analysis of the resignification of myths in our contemporary visual culture.

Este curso es un primer acercamiento al estudio del arte. Ofrecerá las bases para entender la Historia del Arte como una disciplina viva y multifacética.  El curso abordará la Historia del Arte desde diferentes perspectivas a partir de temas y casos de estudio particulares. El curso hace énfasis en lecturas fundamentales de la disciplina y en diversidad de manifestaciones artísticas. El curso acerca al estudiante por primera vez al estudio del arte por medio de cuatro temas principales: Viajes y geografías; Materiales y técnicas; Géneros, formas e iconografías; Contextos de producción y recepción.

Estudiar cómo el  paisaje ha sido a lo largo de la historia de occidente, una construcción realizada por los artistas y da cuenta de apropiaciones del entorno, vínculos entre hombre y naturaleza y relación con el medio ambiente. El recorrido por diversos conceptos de paisaje busca ilustrar acerca de la complejidad de la relación arte –paisaje.

El curso propone un recorrido cronológico, visual y conceptual sobre la importancia cultural que tiene el viaje en Europa y América con relación a la historia del arte y la forma en que los viajes y sus representaciones se han materializado visualmente. Iniciando con un corto recorrido por la Antigüedad Clásica, la Edad Media, el Renacimiento y su fascinación clásica por el mundo Mediterráneo, el curso se enfoca en los principales momentos de cambios históricos y culturales. Haciendo énfasis entre los siglos XVII y XX y su interés en la exploración de géneros como el paisaje y la representación viajera, se estudiarán episodios culturales como el Grand Tour, las exploraciones botánicas, la construcción de las naciones modernas, la nostalgia por “el otro” del siglo XIX, el Orientalismo y el interés de los artistas por salir al aire libre o de huir de la vida moderna. La dinámica relación entre el artista y el viaje durante este lapso de tiempo demuestra ser un estudio necesario para entender la relación entre el hombre, la ciencia y el arte. El curso también construye una mirada a partir de cruces entre Europa y Latinoamérica, especialmente durante los siglos XIX y XX.

Usado por los egipcios en un contexto fúnebre y desarrollado por los romanos como una forma de preservar la memoria de sus familiares, el retrato es uno de los géneros centrales de la historia del arte. En la modernidad temprana, el retrato se convirtió en una expresión de la individualidad, así como del estatus social e intelectual de las personas. Desde sus orígenes, este género artístico ha problematizado la relación entre apariencia, identidad y memoria. A la vez, el retrato ha mantenido la capacidad de otorgarle un rostro a figuras fundamentales del imaginario colectivo, que pueden ir desde la imagen de Cristo hasta la construcción de héroes como Bolívar y Policarpa, entre otros. En este curso reflexionaremos sobre las funciones del retrato a lo largo de la historia, pero también lo pensaremos desde nuestra cotidianidad: con las nuevas tecnologías digitales no sólo estamos permanentemente rodeados de retratos, sino que los producimos de manera constante. El acto de retratar forma parte fundamental de nuestra cultura visual, pero no siempre se ha considerado su relevancia y, sobre todo, su conexión con una tradición artística de larga data.

El curso  busca aproximarse a la relación e influencia existente entre el arte y el derecho por medio de preguntas puntuales y casos específicos que plantean, desde cada una de las disciplinas involucradas posibles puntos de contacto. El hilo conductor del curso ofrece una mirada histórica a través de preguntas como por ejemplo, ¿cómo se ha visto la práctica del derecho retada y enriquecida por el arte? ¿cómo han afectado las legislaciones la producción de arte? ¿qué papel juega el derecho en la creación de leyes patrimoniales?¿cómo ha dado el derecho herramientas de análisis a la interpretación del arte y ha potenciado la producción que incorpora una carga crítica e incluso transgresora? Este curso se detendrá en casos puntuales que cubren un amplio espectro de la Historia del arte y su relación con el derecho: desde la producción y mercantilización (huaquería) de artefactos precolombinos, pasando por los contratos entre clientes y pintores en la pintura del Siglo de Oro, los robos y los casos de iconoclastia y crímenes en el arte virreinal, los conflictos internacionales sobre patrimonios, la censura en el siglo XX, hasta llegar a la creación de espacios de rebelión en el arte contemporáneo. El curso incluye actividades que propician el desarrollo de habilidades de análisis visual y el manejo del lenguaje oral y escrito con el fin de expresar de manera clara y efectiva ideas a través de argumentos sólidos y persuasivos.

This course proposes a chronological, visual and conceptual tour through the cultural importance that travelling has both in European and American Art History and the way that voyages have been traditionally represented in western culture. Beginning with the pilgrimage in the Middle Ages, through the Renaissance and its fascination with the Antique, the course focuses on the main historical and cultural events that created a modern notion of travelling. The course then continues by emphasizing episodes of the History of Art between the XVIIth and the XXth century and the interest of artists in representing voyages through different genres such as history painting, landscape and portraiture. Various cultural episodeslike the Grand Tour, botanical expeditions, the use of landscape to build the idea of modern nations, the search for the exotic in the XIXth century, Orientalism and “plein air” painting at the end of the XIXth century, will be studied. The relationship between art and travel during modern times is dynamic and proves the need to study it in order to understand one aspect or viewpoint of modernity and its Art History. This course also encourages the study of exchanges between Europe and Latin America, specially during the XIXth and XXth centuries.

La fotografía es, sin lugar a dudas, uno de los referentes más importantes para entender la cultura artística y visual moderna y contemporánea a nivel mundial. Este curso propone un recorrido cronológico y temático por las historias de la fotografía, desde sus orígenes a comienzos del siglo XIX hasta la fotografía digital de nuestro tiempo. Mediante una aproximación propia de los estudios visuales, asumidos como metodologías protagonistas dentro de la nueva historia del arte, los estudiantes aprenderán los más importantes eventos históricos, artísticos, sociales y culturales del desarrollo de la fotrografía, así como los más importantes avances tecnológicos y prácticas que han dado sustento y sentido a la producción y recepción de la fotografía dentro y fuera de Occidente.

El curso ofrece una aproximación interdisciplinar al desarrollo histórico de la fotografía. Los estudiantes se familiarizarán y estudiarán algunos de los más importantes casos del desarrollo de la fotografía desde sus orígenes en el siglo XIX, hasta la contemporaneidad. Al finalizar el curso, los estudiantes tendrán la capacidad de interpretar fotografías y comprender las tensiones y modos de legitimación del medio. Reconocerán las técnicas históricas, así como los movimientos y las corrientes fotográficas protagonistas. Entenderán y podrán explicar los más importantes argumentos empleados en la crítica dentro de la practica artística y visual. Los estudiantes darán cuenta de estas capacidades mediante textos descriptivos, reflexivos y argumentativos.

Parte fundamental del desarrollo de las vanguardias artísticas del siglo XX consistió en retar la forma como se producía arte y hacer más maleables las posibilidades de nuevos medios como la fotografía y el cine. Vanguardias como el expresionismo, el futurismo y el surrealismo son incomprensibles sin el estudio del cine como medio experimental. Esta clase explorará a partir del estudio de artistas y sus producciones cinematográficas las aproximaciones de la vanguardia artística al cine experimental en el siglo XX.

El curso estudia las disciplinas de la historiografía y la teoría del arte de manera conjunta. Se pretende, a partir de un recorrido histórico por las principales corrientes historiográficas y teóricas que han marcado la exploración de los fenómenos y conceptos constituyentes de lo artístico, que el alumno tenga contacto directo con los textos fundamentales que forman el corpus de ambas disciplinas. Es una propuesta no sólo para introducirse en los textos, sino para leerlos de una manera crítica, entender cómo se pueden utilizar dentro del estudio de la Historia del arte y apropiarse de los mecanismos sobre los cuales se cimientan las diversas propuestas. Al finalizar el curso el estudiante asimilará que el estudio de la historia de las teorías del arte y su historiografía puede ayudar a identificar la manera en la que los individuos han entendido y entienden la realidad que los circunda y, sobre todo, comprenderá que el arte y su historicidad es un fenómeno cultural dinámico y variable.

Por último, se buscará plantear una serie de problemas que atañen a los límites y contactos que la historiografía y teoría del arte tienen entre sí y con otras disciplinas tales como la estética, la crítica del arte, la antropología, la sociología y del propio quehacer artístico, entre otras. La propuesta, entonces, es cruzar fronteras, desvanecer límites y enriquecer el ejercicio de la historia del arte a partir de su interdisciplinariedad.

El curso aborda la historia del arte colombiano desde distintas perspectivas, procurando dar cabida al mayor número posible de intelectuales que lo han alimentado desde su práctica artística, crítica o investigativa. Aunque el programa podría estructurarse mediante el estudio de asuntos o problemas transversales en términos temporales, se conserva una cronología convencional con el fin de situar las producciones de la plástica nacional en contextos culturales y políticos claros y, así, facilitar una lectura más profunda de estos y de los relatos construidos en torno a ellos.

El programa inicia con el estudio de los materiales culturales pre-coloniales en Colombia y llega hasta el estudio de la producción artística actual, lapso de tiempo que se tratará mediante un estudio reflexivo sobre los discursos artísticos, histórico-artísticos, críticos y museológicos que han procurado aprenderlo.

El curso aborda la historia del arte colombiano desde distintas perspectivas, procurando dar cabida al mayor número posible de intelectuales que lo han alimentado desde su práctica artística, crítica o investigativa. Aunque el programa podría estructurarse mediante el estudio de asuntos o problemas transversales en términos temporales, se conserva una cronología convencional con el fin de situar las producciones de la plástica nacional en contextos culturales y políticos claros y, así, facilitar una lectura más profunda de estos y de los relatos construidos en torno a ellos.

El programa inicia con el estudio de los materiales culturales pre-coloniales en Colombia y llega hasta el estudio de la producción artística actual, lapso de tiempo que se tratará mediante un estudio reflexivo sobre los discursos artísticos, histórico-artísticos, críticos y museológicos que han procurado aprenderlo.

El curso plantea analizar algunas de las manifestaciones y propuestas del arte de América Latina en la segunda mitad del siglo XIX y a lo largo del siglo XX. El curso proporciona a los estudiantes bases, tanto históricas como del pensamiento artístico, que les aporten herramientas para abordar problemáticas, obras y artistas significativos del arte de América Latina.

El curso se propone examinar la relación arte- ciudad en el arte  contemporáneo, destacando la relación ciudad como escenario, ciudad como experiencia, analizando la multiplicidad de  aproximaciones  que se han planteado para  la  apropiación e intervención del espacio urbano. El énfasis estará puesto en el estudio de casos de América Latina.

El curso se propone examinar la relación arte- ciudad en el arte  contemporáneo, destacando la relación ciudad como escenario, ciudad como experiencia, analizando la multiplicidad de  aproximaciones  que se han planteado para  la  apropiación e intervención del espacio urbano.

El énfasis estará puesto en el estudio de casos de América Latina.

Este curso propone un recorrido cronológico por la historia del arte español a través de obras, artistas y temas puntuales. Hace énfasis en los contextos históricos y geográficos de la producción artística de la península Ibérica desde los primeros asentamientos hasta el mundo contemporáneo. Tiene en cuenta las diversas funciones del arte y sus sistemas de mecenazgo, y la transformación de los espacios expositivos con la creación del museo. Partiendo del arte de las cavernas, pasando por la importante producción de la Edad Media, cruzando el Siglo de Oro español, conociendo a Goya y sus influencias en los siglos XIX y XX, el curso propone un recorrido muy completo del arte que se ha hecho en la península ibérica.

Este curso propone un recorrido cronológico por la historia del arte español a través de obras, artistas y temas puntuales. Hace énfasis en los contextos históricos y geográficos de la producción artística de la Península ibérica. Partiendo del arte de las cavernas, el curso inicia en el arte prehistórico pasando por la producción de escultura y cerámica de los tártaros, fenicios, griegos, íberos y celtas, teniendo en cuenta las diversas funciones del arte y sus sistemas de mecenazgo, y la transformación de los espacios expositivos con la creación del museo. Así mismo, dedica unas clases a la producción de la Edad Media, profundizando en el Siglo de Oro español, conociendo a Goya y sus influencias en los siglos XIX y XX hasta la España contemporánea.

Para comprender en toda su complejidad la historia de España, el curso propone un acercamiento interdisciplinario sobre el arte y la cultura a partir de una serie de cruces entre arte, arquitectura, literatura, e historia. Las clases se complementan con actividades culturales, visitas a lugares afuera de Madrid, Barcelona y Oviedo (El Escorial, Toledo, Proaza y Tarragona)

El curso estudia los conceptos de Renacimiento, Manierismo y Barroco a partir de las manifestaciones artísticas (arquitectura, escultura y pintura) que se dieron durante los siglos XV, XVI y XVII en diversos centros culturales de Europa. La idea es reflexionar en la manera cómo se configuran categorías que determinan dimensiones estéticas e ideológicas y que, por lo tanto, trascienden la simple periodización histórica. La aproximación al objeto de estudio comprenderá dos vías complementarias de análisis: interpretación de los fenómenos artísticos a partir de contextos de producción específicos y exploración de problemas de carácter historiográfico. En este sentido, se pretende que el estudiante adquiera una posición crítica frente a los métodos que han utilizado los historiadores para caracterizar estilos, escuelas y periodos. Para cumplir con lo anterior y teniendo en cuenta la vastedad y complejidad del periodo se propone un recorrido tanto diacrónico como sincrónico en donde el orden no esté determinado por la cronología o la geografía sino por temáticas que atraviesan los tres periodos. Esta metodología busca ofrecer un panorama amplio en donde se considere el intercambio cultural como un elemento eje en la creación de nuevas formas y contenidos artísticos y en donde los propios conceptos de época se desdibujen. El diseño del curso está pensado para que los estudiantes obtengan un conocimiento vasto de obras y artistas, pero, sobre todo, para que identifiquen temas y problemas que los conlleven a afrontar el estudio del arte en la modernidad temprana desde una dimensión investigativa

El curso se estudiarán los cambios dramáticos que llevaron a la consolidación de lo que hoy entendemos como Arte Moderno. introduce, además, conceptos fundamentales para la noción de arte en Occidente y cómo ésta se ha visto cuestionada y transformada, tales como la representación, el ilusionismo, la originalidad, la autonomía del arte, el estilo, y la periodización, entre otros. A la vez, problematiza la noción misma de arte y reflexiona acerca de las condiciones históricas y los modelos de pensamiento que han contribuido al desarrollo del arte actual.

Este curso ofrece un panorama amplio de la historia de la pintura, escultura y arquitectura de la Edad Media. Propone un recorrido cronológico que comienza con las primeras imágenes cristianas en el contexto de la Antigüedad tardía, ca. 200, y concluye el Gótico o el Medievo tardío, ca. 1500. El curso mirará tanto al oeste como al este, desde el norte de Europa hasta Bizancio y el Medio Oriente, considerando las relaciones e interacciones entre el cristianismo, el judaismo y el Islam, así como sus mecenas y artistas. Se estudiarán las obras de arte como artefactos y obras individuales con un sentido estético y como expresión de las necesidades, ideales y aspiraciones de la sociedad particular en la cual fueron creadas.

A lo largo del curso  se estudiarán algunos de los cambios dramáticos que llevaron a la consolidación de lo que hoy entendemos como Arte Moderno, examinando el desarrollo de la noción de vanguardia y su opuesto, una supuesta retaguardia, en el campo artístico dominado por Europa y luego Estados Unidos hasta el inicio de la Segunda Guerra Mundial. El curso comienza con el surgimiento de la noción de vanguardia en la Europa del siglo diecinueve, en medio de una serie de cambios tecnológicos, industriales y sociales que afectaron el campo de las artes (por ejemplo, el surgimiento de la cultura de masas, de la era imperialista). Se explorarán las transformaciones por las que pasa el término al pasar del campo militar al político y luego vincularse con el arte, así como la relación que establece con la noción de “modernismo”. Se indagará en su culminación en las llamadas vanguardias históricas y el replanteamiento, la transformación, el hibridismo o la reinvención por los que pasa en otros lugares del mundo, incluyendo Latinoamérica. El curso enfatiza los contextos sociales del arte y reconstruye algunos eventos y momentos históricos relevantes para la historia del arte moderno intentando preservar su densidad, complejidad y contradicciones. Además, se analizarán problemas teóricos a partir de escritos de artistas, críticos y filósofos, por lo que este curso requiere de un componente de lectura importante por parte de los estudiantes.

Este curso propone un recorrido temático por la historia del arte contemporáneo a través de obras, artistas, exposiciones y textos. Si bien el curso se centra en el arte occidental, dados los procesos de des-colonización, globalización y digitalización de la información que han ocurrido desde mediados del siglo veinte, se analizarán obras y movimientos artísticos no occidentales que han problematizado la lectura eurocéntrica y occidental del arte. El curso hace énfasis en los contextos históricos y geográficos de la producción artística, e investiga el desarrollo de tendencias y medios que han surgido en el arte actual como el video, la performance y la instalación, entre otros. El curso también tiene en cuenta las diversas funciones del arte y cómo éstas se han amplificado hasta incorporar formas de activismo, la transformación de los espacios expositivos desde la crítica institucional hasta el uso del espacio cotidiano como material y lugar del arte, el desarrollo de la crítica y la importancia de la curatoría, y las interacciones con el arte no occidental en un mundo cada vez más conectado.

El continente americano, en el curso de su historia milenaria antes del contacto con la civilización europea, desarrolló largas tradiciones en las artes pictóricas, cerámicas, arquitectónicas, metalúrgicas, textiles entre otras. El curso pretende brindar los conocimientos básicos de las diferentes experiencias artísticas y culturales de América antigua y a la vez subrayar de manera comparativa los elementos comunes que comparten sus pueblos originarios. Conocimientos específicos sobre las diferentes áreas geográfico-culturales y sus desarrollos cronológicos (con énfasis en Mesoamérica, Área Intermedia y los Andes) serán acompañados por discusiones teóricas y formales sobre los avances en que más se destacaron las civilizaciones indígenas: las construcciones piramidales alrededor de plazas y recintos ceremoniales, las dimensiones abstractas y narrativas de la representación pictórica, el valor simbólico del metal y su uso y el origen chamánico que subsiste a la creación artística tanto en la esfera política como religiosa. Finalmente, se presentarán las metodologías, procedentes de las disciplinas antropológicas, arqueológicas y museográficas, comúnmente utilizadas en el estudio del arte prehispánico.

El arte creado a lo largo de los 15.000 años de ocupación humana anteriores a la Conquista ocupa un lugar privilegiado en el legado histórico de los pueblos originarios de América. Su estudio sistemático -desde la arqueología, la antropología, la historia del arte y las ciencias de los materiales- ofrece insumos clave para una lectura informada de estos “textos materiales” acerca del pasado. Este curso ofrece un panorama de las distintas tradiciones artísticas que se desarrollaron en América del Sur, con énfasis en el área andina. Como ejemplos a desarrollar en clase abarca desde el arte rupestre y arquitectónico, las esculturas y grabados en piedra, las vasijas y objetos de cerámica, madera así como los el arte textil y la pintura y modificación corporales, hasta el arte arquitectónico, la música y los paisajes sonoros. Además de brindar un marco cronológico y regional, el curso busca familiarizar al estudiante con los principales acercamientos, estudios y debates contemporáneos en torno a las diferentes facetas del arte autóctono americano.

Este curso aborda las trayectorias históricas del arte y la cultura en los Andes centrales in situ. Preguntas cronológicas y estilísticas estructuran un recorrido de visitas a sitios arqueológicos, colecciones de museos y paisajes representativos de las diferentes zonas ecológicas del centro y el norte del Perú. Iniciando a lo largo de la costa pacífica, los centros ceremoniales tempranos (Caral, Sechín y Ventarrón) ejemplifican los orígenes y el precoz desarrollo de las civilizaciones agrarias andinas (4000 - 2000 a.C.). El paisaje glaciar de la Cordillera Blanca, por su parte, permite estudiar la interrelación a largo plazo de los sistemas hidráulicos, templos y necrópolis en la sierra (1000 a.C.-1570m d.C.) y apreciar (dis-)continuidades en el manejo del paisaje (Keushu, Chavín de Huántar). El contraste entre los desarrollos autóctonos y el impacto colonial y republicano, al igual que la superposición del urbanismo contemporáneo sobre el arte arquitectónico de sociedades estatales como Moche, Sicán y Chimú (Huaca de la Luna, Chan Chan), invitan a reflexionar sobre el lugar de los restos materiales y las narrativas acerca del pasado  en la construcción de Nación, así como el impacto de la industria del turismo sobre la valoración científica y testimonial de bienes patrimoniales (y vice-versa).

This course will provide a panorama of the principal artistic traditions and styles that developed across South America. It will address a broad range of media: from rock art, sculptures and buildings in the landscape to the carvings and friezes in stone and adobe set in architecture on the one hand, to bodily modification and painting, music and dance as well as objects fashioned from clay, stone, wood, shell and metals, on the other hand. The course seeks to provide a regional, spatial, temporal and ecological framework and offer tools for contextual analyses, as well as lay out principal current debates, with an emphasis on the material outputs of complex societies of the Andes. A practical with ceramic pieces from the university study collection is envisaged.

Este curso recorre la historia del grabado y sus propiedades como medio, así como su impacto sobre la definición del arte en Occidente. Al ocuparse de un medio considerado tradicionalmente como una de las ‘artes menores’, este curso propone una historia donde se enfatizan artistas y aspectos que generalmente quedan por fuera de las narrativas tradicionales del arte. Se parte de la premisa de que el grabado es un medio cuyas condiciones materiales (liviandad, reproductibilidad, economía) permitieron un espacio de exploración artística que resultó revolucionario en la conceptualización de la originalidad y del estatus moderno del artista, así como en la aparición de temáticas que no podían darse en obras de gran formato, tales como ciertas imágenes eróticas y políticas. 

Los temas abordados incluyen: la relación entre el original y la copia; las nociones de invención e imitación; la transición del manuscrito a la imprenta; el grabado como objeto estético; la reproducción de obras; las relaciones entre dibujo y grabado; las xilografías Ukiyo-e; el monotipo impresionista; la litografía y el afiche; xilografía y expresionismo; libros de artista; la gráfica en América Latina. Se hará especial énfasis en artistas que han trabajado el medio de manera innovadora: Mantegna, Schongauer, Durero, Rembrandt, Piranesi, Goya, Cassatt, Toulouse-Lautrec, Kollwitz, Warhol, entre otros. El seminario se complementa con visitas a talleres y colecciones de grabado en museos y bibliotecas de la ciudad.

Museos, colecciones e Historia del arte es un curso de investigación que se realizará a partir de la exposición Estado del Arte: Pintura en tiempos de desamortización que tendrá lugar en el Instituto Caro y Cuervo desde el 24 de agosto hasta el 3 de diciembre del 2017 en asocio con el Semillero de la Imagen Colonial del Departamento de Historia del arte de la Universidad de los Andes. La exposición está pensada como un laboratorio para que el estudiante se enfrente a problemas puntuales de investigación relacionados con obras pictóricas del arte colombiano del siglo XIX, que en buena parte son desconocidas. Durante el curso se trabajará a partir de problemas relacionados con datación y autoría de retratos y pinturas de carácter religioso y con la indagación sobre contextos históricos locales relacionados con la Exclaustración de las comunidades religiosas y la Desamortización de Bienes de Manos muertas, con el oficio del pintor y su relación con entornos profanos y sagrados de producción. El estudiante deberá desarrollar investigaciones puntuales que lo obligarán a profundizar sobre conocimientos históricos precisos y a realizar trabajo con documentación primaria y secundaria relacionada con la temática propuesta.

Durante el curso, el estudiante podrá involucrarse activamente en el funcionamiento interno de una exposición, donde las actividades de la clase buscarán contribuir en el buen desarrollo de la muestra y la interacción con los públicos visitantes.

El “primitivismo” y el arte “primitivo” han jugado un papel crucial en la historia y desarrollo del arte moderno en Europa, Estados Unidos y América Latina. Por primitivismo se entiende el interés y aproximación al llamado arte primitivo que incluye el arte tradicional y autóctono de los aborígenes de África, Oceanía, Centro, Norte y Sur América primordialmente. Este curso se ocupa de examinar las diversas maneras en que los artistas occidentales enmarcados dentro del modernismo de finales del siglo XIX y la primera mitad del siglo XX se aproximaron al concepto de primitivismo y manifestaron su interés por el arte primitivo. De este modo, se estudiarán tanto las teorías del primitivismo como las manifestaciones del mismo en las obras de arte de los artistas modernos. El curso busca promover la reflexión acerca de las relaciones entre modernismo y primitivismo, y la manera en que la reactivación del pasado primitivo jugó un papel primordial entre los artistas modernistas y de vanguardia en diferentes geografías del mundo occidental. Además de esto, el curso busca también cuestionar y problematizar los conceptos mismos de primitivismo y primitivo y su uso por parte de artistas modernos, ya que éstos están íntimamente ligados a la historia del colonialismo, el racismo y las desigualdades económicas entre lo que se ha llamado el Primer y Tercer mundo.

Las manifestaciones rupestres son testimonio de la historia de la humanidad desde hace más de 40.000 años. Su despliegue como vehículo de expresión constituye un fenómeno cultural amplio, complejo y diverso, desde las llanuras escandinavas y las cuevas y abrigos del cantábrico, hasta los desiertos de Namibia, a lo largo de la Ruta de la Seda y en el Outback australiano, así como en toda América.

Este curso introduce sus diferentes características formales, los soportes, las técnicas y las temáticas, así como las metodologías para su estudio desde la arqueología, la etnología y el análisis del paisaje, así como algunas de las principales corrientes interpretativas. Su punto de partida son algunas de las estaciones con arte rupestre más destacadas del mundo. Tras conocer ejemplos de cuatro continentes el curso enfoca la materialidad del arte rupestre de América del Sur a escalas que van desde el estudio microscópico de pigmentos hasta el análisis de asociaciones a nivel de paisajes. Ejemplos incluyen arte pintado por las primeras poblaciones andinas, las tradiciones amazónicas, del trópico atlántico seco del Brasil y la Patagonia, pasando por los geoglifos del Pacífico andino y los campos de petroglifos asociados al tránsito caravanero de los Andes del Sur, hasta la iconoclastia y el arte rupestre de la cristianización forzosa. 

Desde principios del siglo XX, con el advenimiento de las vanguardias, la relación entre las esferas del arte y la política se ha transformado profundamente. En este curso exploraremos los vínculos particulares que se establecieron y se siguen estableciendo hasta el día de hoy a partir de cuatro dimensiones particulares: la denuncia, la censura, el compromiso y el activismo. Estudiaremos obras e iniciativas puntuales en condiciones geopolíticas particulares como son Latinoamérica y Oriente para entender los alcances e implicaciones de la producción artística moderna y contemporánea.

Este curso estudia el paisaje en el arte occidental como un género que se construye desde el Renacimiento hasta nuestros días, entendiendo en esa larga historia, que la representación del entorno natural existe como tópico desde la Antigüedad Clásica. El paisaje como forma cultural cambiante refleja la manera como el hombre se ha relacionado con la naturaleza. Artistas de múltiples tiempos y geografías han buscado entender con diferentes medios, y respondiendo a diferentes momentos, el fluctuante vínculo entre las imágenes, la representación y el medio ambiente. En este curso se hará un recorrido del tema del paisaje en Occidente desde la pintura mural romana hasta algunas manifestaciones del arte contemporáneo.

El arte que se produce en Colombia y en diversos países de América latina desde mediados del siglo XX y comienzos del XXI, mira el pasado no como un mero referente de lo que aconteció, ni como una simple actitud recordatoria. Los artistas proponen unas obras en las que se busca comprender y sensibilizar en torno al funcionamiento de la sociedad en que viven. Evocan, rescatan y recontextualizan la forma como los diferentes conflictos que se produjeron se fueron filtrando en la memoria, reconstruyendo una realidad compleja que permite múltiples lecturas.

Trascender la muerte para hacer perdurar en el tiempo la memoria de un individuo o colectividad es un afán compartido por sociedades complejas de todo el mundo. Las formas de expresión materiales y performativas desarrolladas para ello con frecuencia incluyen las obras de arquitectura más monumentales, los artefactos más elaborados y las más grandes ceremonias. Estos objetos y sus restos materiales ofrecen múltiples posibilidades para estudiar la historia a escalas que van desde los objetos individuales hasta los paisajes culturales.

Este curso introduce al estudio del arte y la arquitectura mortuoria desde la arqueología. Inicialmente enfoca las teorías contemporáneas en torno a la materialización de la memoria, para luego enfocar y contrastar las trayectorias históricas de su desarrollo en el Meditarráneo y en Suramérica.

Usado por los egipcios en un contexto fúnebre y desarrollado por los romanos como una forma de preservar la memoria y el recuerdo de sus familiares, el retrato –entendido como la representación de un individuo específico, por lo general haciendo énfasis en su rostro u otras marcas que lo identifican de forma única y particular— ha sido uno de los géneros centrales de la historia del arte occidental. En la modernidad temprana, el retrato se convirtió en una expresión de la individualidad, así como del estatus social e intelectual de las personas; de ahí que los artistas empezaron a experimentar con el autorretrato como una forma de explorar su identidad artística. Del latín retractare, retratar –el hecho de evocar la presencia de una persona o cosa por media de una imagen—es uno de los gestos humanos más esenciales y complejos a la vez. Así, el retrato, por su capacidad de captar la esencia de un ser individual y mantenerlo vivo en nuestros recuerdos, nos invita a reflexionar sobre la relación entre semejanza, presencia, ausencia, identidad y memoria. Al mismo tiempo, el retrato se ha ocupado de otorgarle un rostro a figuras fundamentales del imaginario colectivo, que pueden ir desde la imagen sacra de Cristo y de la Virgen hasta la construcción de héroes y heroínas idealizadas como Simón Bolívar y Policarpa Salavarrieta, entre otros. En este curso exploraremos las funciones del retrato a lo largo de la historia, pero también nos sensibilizaremos frente a las cuestiones relacionadas con la identidad que nos afectan en nuestra cotidianidad: con las nuevas tecnologías digitales no solo estamos permanentemente rodeados de retratos y de “selfies”, sino que los producimos de manera constante. El acto de retratar forma parte fundamental de nuestra cultura visual, pero no siempre se ha considerado su relevancia y, sobre todo, su conexión con una tradición artística de larga data.

 

Este curso reúne una serie de charlas, conferencistas, ejercicios y visitas que plantean al estudiante pensar la historia de una técnica y de un material en su contexto histórico. Si bien no es un curso de práctica donde el estudiante aprenda a pintar con la técnica de la acuarela, si presenta al estudiante la historia de esta técnica, entendiendo su importancia en diferentes época, coyunturas históricas y artistas específicos. Desde las implicaciones que tiene un material de secado rápido que toca los límites entre el dibujo y la pintura, hasta su relación con Oriente, sus funciones como técnica de ilustración y miniatura, su rol en la construcción del género del paisaje inglés y su participación en procesos de configuración del arte abstracto, la acuarela es una técnica que tiende a estudiarse como menor, pero que es responsable de momentos imprescindibles de la Historia del Arte.

El curso se propone examinar la relación arte- ciudad en el arte contemporáneo, destacando la relación ciudad como escenario, ciudad como experiencia, analizando la multiplicidad de aproximaciones que se han planteado para la apropiación e intervención del espacio urbano.

El énfasis estará puesto en el estudio de casos de América Latina.

Esta clase es una exploración de lo falso, lo espurio, lo inauténtico a través de la historia: cráneos de cristal; las aguatintas que Galileo hizo de cuerpos celestes; fósiles parlantes. Utilizando casos tomados del arte, la arqueología, la ciencia y otros dominios de la experiencia humana, estudiaremos las diferentes condiciones culturales, políticas, estéticas, científicas, etc. que le han permitido a alguien decidir que un artefacto material no es lo que parece ser, sino otra cosa. ¿Cuándo se han hecho falsificaciones y con que propósito? ¿Quiénes las han hecho y quiénes han querido detectarlas? ¿Qué lleva a alguien a querer no sólo dibujar como Rembrandt sino incluso a vestirse como él? ¿Qué tienen que ver el detectivismo y las huellas digitales con el estudio de las herramientas prehistóricas o la ciencia material? Los estudiantes que completen esta clase habrán estudiado en detalle decenas de falsificaciones antiguas y modernas y diferentes aproximaciones teóricas, metodológicas, y técnicas al estudio de lo falso.

Asumiendo que la memoria es uno de los elementos que incide en la construcción de la imagen artística y puede ser mirada desde dos perspectivas: una más personal y subjetiva, referida a los recuerdos y otra más colectiva que proporciona información sobre el contexto, se analizarán obras que permiten ejemplificar tales situaciones en el campo artístico en tres instancias cronológicas: siglo XVIII, siglo XIX y siglo XX. Los cambios que se producen en la estructura política, social, económica y cultural generan diversas respuestas que permiten enfatizar cómo se propone la transmisión de la memoria. 

El conocimiento de los materiales y técnicas de los que están hechos los bienes de patrimonio artístico, es una herramienta fundamental de investigación para la comprensión de la obra de arte, su contexto de producción y su trayectoria a lo largo del tiempo.

En ese sentido, entender la materialidad de las obras de arte, resulta indispensable para el desarrollo de interpretaciones históricas, pero también como complemento de los análisis visuales de la imagen, así como para investigaciones en otras áreas disciplinares  como los estudios de autoría, identificación de falsificaciones, indicadores de datación y estudios de conservación.

Las pinturas en muchos casos son entendidas como objetos bidimensionales en los que se olvida la materia como soporte de la imagen, en tanto telas, maderas y muros, bases de preparación y capas pictóricas, son fundamentales para la comprensión de lo que se ve. Por otro lado, solamente a través del acercamiento integral a la materialidad y su estudio, es posible hacer visibles dimensiones adicionales de la imagen como el tiempo: los distintos momentos en la elaboración de un objeto o sus momentos posteriores de transformación.

Ante este panorama el curso busca brindar a los estudiantes una caja de herramientas para la investigación de la materialidad de las obras de arte, teniendo en cuenta la necesidad de fomentar la práctica, como una forma de aproximación al conocimiento.

El resultado en el uso de las herramientas de estudio de la materialidad de las obras de arte, requiere necesariamente fortalecer los procesos de documentación y registro de las obras, por lo que, la documentación técnica de colecciones será parte integral del curso.

La propuesta académica se ha estructurado a partir de laboratorios, prácticas con objetos reales y visitas a colecciones que alimentan los contenidos teóricos, al igual que los aspectos metodológicos de la investigación para el estudio de bienes de patrimonio artístico desde una perspectiva histórica.

Este curso temático propone una discusión de los objetos y la cultura material desde una visión global y multicultural que resalte los intercambios que llevaron a su conformación y cuestione los esencialismos sobre los que tantas veces se ha construido el discurso desde la disciplina de la historia del arte. A partir de estudios de caso que seguirán un orden cronológico y geográfico amplio, se replanteará la idea la globalización como un fenómeno moderno, utilizando objetos y piezas de arte que revelan antiguos contactos y préstamos en
términos de materiales, técnicas, temas y motivos, asociando su construcción a diferentes espacios y distintos grupos humanos.

Los primeros intercambios a grandes distancias giran alrededor de alimentos y especias, pero también de adornos y objetos exóticos que soportan la autoridad de los nacientes reinos. Estos empiezan a circular durante el segundo milenio antes de Cristo en las rutas que conectan las primeras ciudades en China, Mesopotamia y Egipto. Eventualmente se abrirán otras rutas en el Mediterráneo y entre Europa y el Oriente, con la Ruta de la Seda como una de las más conocidas de este periodo. La llegada a América y a India impulsa nuevos trayectos por el Atlántico y el Pacífico, pero en estos territorios ya existían intercambios que abarcaban cientos de kilómetros en tiempos pre coloniales. Finalmente, los itinerarios comerciales que tienen lugar en la era de las colonias van a llevar a una explosión de objetos artísticos que recorren el mundo y constituyen ejemplos de profundas hibridaciones culturales que se pueden apreciar también en las obras de arte de principios del siglo XX y hasta la actualidad. Estos contactos, motivados en principio por intereses económicos, conllevaron a la creación de rutas para adquirir objetos foráneos manufacturados de gran valor; produciendo a su vez nuevos temas y técnicas mixtas que reflejan dichas interacciones y producen nuevas formas de entender el pasado y las obras de arte.

Este curso recorre la historia del grabado y sus propiedades como medio, así como su impacto sobre la definición del arte en Occidente. Al ocuparse de un medio considerado tradicionalmente como un “arte menor”, este curso enfatiza artistas y aspectos que generalmente quedan por fuera de las narrativas tradicionales del arte. Parte de la premisa de que el grabado es un medio cuyas condiciones materiales (liviandad, reproductibilidad, economía) permitieron un espacio de exploración artística; este revolucionó la forma de entender la originalidad y el estatus moderno del artista. Por estas razones, el grabado permitió la aparición de temas que no podían darse en obras de gran formato, como por ejemplo ciertas imágenes eróticas y políticas. 

Los temas abordados incluyen: la relación entre el original y la copia; las nociones de invención e imitación; la transición del manuscrito a la imprenta; el grabado como objeto estético; la reproducción de obras; las relaciones entre dibujo y grabado; las xilografías Ukiyo-e; el monotipo impresionista; la litografía y el afiche; xilografía y expresionismo; libros de artista; la gráfica en América Latina. Se hará especial énfasis en artistas que han trabajado el medio de manera innovadora: Mantegna, Schongauer, Durero, Rembrandt, Piranesi, Goya, Cassatt, Toulouse-Lautrec, Kollwitz, Warhol, entre otros. El curso se complementa con visitas a talleres y colecciones de grabado en museos y bibliotecas de la ciudad.

Existen múltiples maneras de aproximarse a la obra artística. Una de ellas es desde los mismos códigos de creación del resultado plástico. Otra es desde los intereses y perfiles de quien desea establecer un vínculo con la obra misma (públicos, visitantes, ciudadanos). Una tercera es a través de las formas de mediación directa o indirecta que se han elaborado en el ámbito de los espacios que albergan y exhiben producción artística. El curso presentará entonces una breve historia y panorama de implementación de estas tres variables en las que el ver se constituye tanto en un vaso comunicante entre las tres, así como plataforma de activación de esa apropiación sensible e interpretativa.

No es una exageración afirmar que la comida ha estructurado la experiencia de vida de los seres humanos desde la antigüedad hasta nuestros tiempos, y por esa razón, también ha jugado un papel preponderante sus manifestaciones artísticas. La comida ha sido protagonista, motivo simbólico e incluso materia prima para el arte. Desde representaciones tan antiguas como las tabletas mesopotámicas que registran inventarios de comida, pasando por las pinturas de banquetes en la edad media, bodegones y últimas cenas durante el Renacimiento, la aparición de bares y restaurantes en el siglo XIX, hasta manifestaciones contemporáneas como las famosas latas de sopa Campbell de Andy Warhol o la escultura monumental de una esfinge con cabeza de mujer negra hecha en azúcar por Kara Walker, la comida ha estado presente prácticamente en toda la historia del arte. A través del análisis de obras de arte específicas y con el apoyo de una serie de recursos como lecturas, podcasts, videos y otras imágenes, los estudiantes analizarán el simbolismo de los alimentos en las representaciones artísticas, los estereotipos raciales y económicos que
se formaron a partir del cultivo de ciertos productos, las relaciones imperiales establecidas a partir de la necesidad de satisfacer el gusto por alimentos provenientes de otras latitudes, las
representaciones de la producción alimenticia y el trabajo que se cultivó detrás de ellas, así como cuestiones de género relacionadas con el consumo y producción de la comida.

A lo largo de la historia del arte, los creadores han buscado observar y representar muchos fenómenos producidos tanto por los seres humanos como por la naturaleza. Además de este ejercicio de miradas al entorno, otra de las tareas creativas ha buscado traducir en sus obras muchas de las emociones que configuran y animan la personalidad y el comportamiento de individuos y colectividades. Por lo anterior, este curso pretende concentrarse en dos fenómenos que buscan dar explicación a las emociones humanas: la teoría hipocrática de los humores o de las emociones que identificó cuatro grandes campos de estudio: el ser flemático, sanguíneo, colérico y melancólico. Así mismo identificar algunos aspectos de la denominada teoría de los afectos, muy común en el período barroco, la cual buscó no sólo representar por medios sonoros algunas de esas emociones humanas, sino provocarlas en los oyentes y espectadores.

This course proposes an introductory, thematic and critical approach to 19th-century art in the United States. Students will study topics like the construction of the American landscape and ideas of national identity, gender and race through individual artists,contexts, works of art and a preliminary approach to visual culture. By looking at specific examples and case-studies of portraiture, history painting, genre painting, expansion to the West, the Civil War, the Philadelphia Centennial Exhibition, amongst others, students will learn about art produced in this territory during a long 19th-century that begins with the American Revolution and ends with Impressionism and the Gilded Age.

Uno de los cambio más radicales en la historia del arte occidental fue la aparición del arte abstracto a comienzos del siglo XX. Hacia 1913, diferentes artistas empezaron a experimentar con lenguajes pictóricos y escultóricos no objetivos, es decir, lenguajes en los que la obra no establece ninguna relación directa o indirecta con los objetos de la realidad. Por el contrario, estas obras de arte consisten, por ejemplo, en pinturas de manchas de color o simples cuadros monocromáticos que no representan ninguna figura o evento claro tomado de la vida real. Qué significan estas piezas, aparentemente vacías de contenido? Qué puede decirnos un cuandro negro sobre fondo blanco? Por qué las manchas o rayones de Kandinsky o Pollock valen más que las que hace un niño de 2 años? Cuál es el valor histórico de estas obras de arte? A través de un recorrido por la historia del arte abstracto en el siglo XX, este curso espera ofrecer respuestas a estas preguntas. Para tal fin, se analizarán en detalle tanto las obras de arte como los textos escritos por los defensores de la abstracción. De este modo, se analizarán, por un lado, las innovaciones técnicas y los recursos formales y materiales propuestos por los diferentes artistas y, por otro lado, las teorías que soportan o justifican la utilización de tales recursos.

El curso se propone señalar algunas de las características de la formulación del pensamiento moderno en la historia del arte colombiano.

El período escogido se delimitó entre fines del siglo XIX y tres primeras décadas del siglo XX.

El curso ofrece una aproximación revisión detenida de varios fenómenos del arte o relacionados con el arte entre los años cincuenta y setenta a nivel global, que transformaron las prácticas artísticas y que siguen alimentando los discursos y las reflexiones critica e históricas sobre el arte de los últimos setenta años. En particular, como lo sugiere el título ‘De la tierra al concepto’, el curso discutirá un abanico de fenómenos que problematizando el medio y la idea moderna de una especificidad del medio, van desde cuestiones ligadas a la tierra, lo telúrico y el cuerpo, hasta aquellas vinculadas de manera expresa al lenguaje, lo científico y lo conceptual. Los estudiantes se familiarizarán dichos fenómenos y estarán en la capacidad de interpretar críticamente algunos de las obras y fuentes primarias, y dar cuenta de algunos de retos que han propuesto para la historia contemporánea del arte. Entenderán y podrán explicar algunos de los más importantes argumentos empleados en la crítica e historia para responder a dichos retos, y  evidenciarán sus capacidades y conocimientos mediante textos analíticos y argumentativos.

Como bien indican el teórico del cine y escritor francés Raymond Bellour, la crítica e historiadora de arte norteamericana Rosalind Krauss, y el artista y escritor alemán Peter Weibel entre muchos otros, el vídeo apareció en los años sesenta y transformó de manera radical las prácticas artísticas, los espacios expositivos, la crítica de arte y del cine, y las dinámicas de consumo, recepción y legitimación del arte y del cine en el siglo XX. Este curso propone un recorrido cronológico y temático por hitos y problemas clave en la aparición de un medio mutante que siendo inicialmente analógico y magnético-eléctrico, y posteriormente digital y numérico, ha generado una complicación de los órdenes de la imagen y de los medios, y ha forzado la expansión del arte contemporáneo.

Uno de los elementos característicos del modernismo artístico a lo largo del siglo XX ha sido el cuestionamiento de la naturaleza misma de la obra de arte. Uno de los pilares de este cuestionamiento se ha centrado en la búsqueda de nuevos materiales para la creación artística: desde el collage del Cubismo pasando por los materiales industriales del Constructivismo hasta el uso de basura y del cuerpo humano, los artistas del siglo XX han cuestionado los límites de la obra de arte y su materialidad. Este curso examina la introducción de nuevos materiales en el arte del siglo XX y analiza sus implicaciones históricas, teóricas y sociales. El eje será el estudio del uso de materiales no-artísticos dentro de la obra de arte. El curso estudiará casos concretos de artistas, grupos, movimientos y obras que introducen nuevos materiales en el arte del siglo XX como el Cubismo, el Dadaísmo y el Constructivismo ruso en los primeros años del siglo hasta llegar a aproximaciones más contemporáneas después de la Segunda Guerra Mundial como el assemblage, el Arte Povera y el Land Art.

El curso, que adoptará un formato mixto de clase magistral y seminario, hará una revisión cronológica del desarrollo de prácticas artísticas-teatrales actualmente recogidas bajo el nombre de ‘performance’ o performancia, ‘arte acción’ y ‘acción plástica’ desarrolladas durante el siglo XX. Si bien estas fluidas categorías no emergieron sino hasta la segunda mitad de siglo, nos detendremos en prácticas relacionadas con el dada, el futurismo, el nuevo teatro y el teatro experimental, a fin de identificar preguntas, acciones precursoras y problemas que han nutrido prácticas y reflexiones posteriores en el happening, la danza experimental, el accionismo vienés, el performance en vínculo con la fotografía, el cine y los nuevos medios, el ‘body art’, y el performance de raza y de género.

“Amo locamente todo lo que de una forma aventurada rompe
con el hilo del pensamiento discursivo y repentinamente
enciende una luz iluminando una serie de relaciones para ver
el mundo de otra manera. “
André Breton

El curso pretende hacer una revisión de Dada y el Surrealismo como movimientos de vanguardia que transformaron la forma de aproximarse al arte y al mundo. Se exploraran sus propuestas en diferentes campos de expresión a partir de la historia, la teoría y la práctica.

Artistas contemporáneos incluyen, con frecuencia, aparentes contradicciones formales y conceptuales como parte determinante de su lenguaje plástico. Estas contradicciones invitan a los espectadores a buscar formas de solventarlas en su esfuerzo por dar sentido a lo que experimentan al interactuar con las obras. Como planteamiento central de este curso se propone que estas aparentes contradicciones o paradojas no son solo un recurso que utilizan los artistas, sino que además las paradojas son puestas de manifiesto como claves de la realidad misma a la que cada artista alude. En un diálogo entre artistas internacionales y nacionales se analizarán y discutirán obras específicas estudiando en ellas aparentes contradicciones significativas, transversales al arte actual, como las siguientes: la presencia de lo siniestro en el espacio doméstico y social, y en objetos inertes; la inter-dependencia entre palabra e imagen en obras visuales; el presente cuestionado por la pervivencia del pasado; lo virtual y lo espectral como formas de presencia; la necesidad y complementariedad entre el instante y la duración en la creación de paisajes naturales.

 

Este curso examina los diversos movimientos artísticos que se gestan a partir de la segunda posguerra hasta la década del ochenta del siglo XX. Si bien los relatos hegemónicos leen este periodo como uno centrado en el arte de los Estados Unidos, este curso busca poner en diálogo los movimientos establecidos en América Latina con aquellos más conocidos gestados en el norte del continente. De esta manera, se explorará este periodo a través de una serie de contrapuntos y mediante la idea de diálogo. En el curso se examinarán los movimientos que nacen después de la emergencia del Expresionismo Abstracto como el Pop, el Neo-dada, el Minimalismo, el Conceptualismo, los happenings, el Land art, entre otros, en diálogo con lo que pasaba en América Latina rompiendo e irrumpiendo en muchos casos con las descripciones de estos movimientos establecidas hasta hoy.

Uno de los cambios más radicales en la historia del arte occidental fue la aparición del arte abstracto a comienzos del siglo XX. Hacia 1913, diferentes artistas empezaron a experimentar con lenguajes pictóricos y escultóricos no-objetivos, es decir, lenguajes en los que la obra no establece ninguna relación directa con los objetos de la realidad. Por el contrario, estas obras de arte consisten, por ejemplo, en pinturas de manchas de color o simples cuadrados monocromáticos que no representan ninguna figura o evento claro tomado de la vida real. ¿Qué significan estas piezas aparentemente vacías de contenido? ¿Qué puede decirnos un simple cuadrado negro sobre fondo blanco? ¿Por qué las manchas y rayones de Kandinsky o Pollock valen más que las que hace un niño de 2 años? ¿Cuál es el valor histórico de estas obras de arte? A través de un recorrido por la historia del arte abstracto en el siglo XX, este curso espera ofrecer respuestas a estas preguntas. Para tal fin, se analizarán en detalle tanto las obras de arte como algunos de los textos escritos por los defensores de la abstracción. 

La primera parte del curso girará en torno a la aparición de las primeras manifestaciones artísticas abstractas entre 1910-1920. Se estudiarán en detalle algunos casos concretos como por ejemplo el de Af Klint, Kandinsky, Malevich y Mondrian. También se estudiará el legado inmediato de estos pioneros de la abstracción en el período entre las dos guerras mundiales y su carácter utópico. Algunos casos de estudio incluyen los grupos del Constructivismo ruso, la Escuela de La Bauhaus y el Universalismo Constructivismo. La segunda parte del curso se ocupará del desarrollo del arte abstracto después de la Segunda Guerra Mundial. Analizaremos el surgimiento del Expresionismo abstracto y el Nuevo Clasicismo en Nueva York; el Tachismo y la abstracción geométrica en París; el Concretismo en América Latina en ciudades como Sao Paulo, Rio de Janeiro, Buenos Aires y Montevideo; el Cinetismo en Caracas y los Neo-clásicos en Bogotá; y finalmente nos ocuparemos también de los desarrollos del informalismo en América Latina, en particular los desarrollos en Venezuela, Colombia y Brasil.

En este curso se estudiarán los cambios dramáticos que llevaron a la consolidación de lo que hoy entendemos como Arte Moderno. Se reflexionará sobre lo que significaba ser moderno a principios del siglo XX y las diversas respuestas de los artistas ante las revoluciones sociales y tecnológicas que trajo esta condición. A partir de obras y propuestas de artistas y poetas de las vanguardias artísticas europeas será posible dilucidar la relación ambigua de deseo y temor frente a la modernidad y explorar ideas sobre el individuo y su relación con el mundo en expansión de principios de siglo.

Este curso examina las relaciones complejas y, a veces, problemáticas entre los conceptos de abstracción y realidad en el arte abstracto. Se examinará el significado de conceptos como abstracción, no-figuración, no-objetividad, concretismo, entre otros, en la historia del arte abstracto y se problematizará dichas nociones a partir de su relación con conceptos complejos de lo que significa la realidad. El curso examina la historia de este lenguaje en el arte con un énfasis en las manifestaciones producidas después de 1945, pero revisando también los fenómenos propios de la primera mitad del siglo XX. El curso parte de un enfoque global y transnacional a la historia del arte abstracto, así como desde una perspectiva de género partiendo del ejemplo central de artistas mujeres. 

El curso ofrece una introducción a problemas fundamentales de la teoría del arte a partir del análisis detallado de cuatro grupos de problemas. A través de la discusión de textos filosóficos y teóricos, los asistentes se familiarizarán con algunas estrategias conceptuales y argumentativas que juegan un papel importante en discusiones contemporáneas en torno a las características, posibilidades y limitaciones de las prácticas artísticas y sus productos. Los cuatro grupos de problemas a discutir estarán estructurados en torno a grupos básicos cuyo dominio permitirá a los estudiantes abordar el análisis de obras o prácticas artísticas concretas a la luz de estrategias teóricas propias.

Este curso tiene como objetivo principal realizar una introducción a los estudios visuales como metodología critica de aproximación a la cultura visual. Se hará especial énfasis tanto en la construcción visual de lo social como en la construcción social de la visión; es decir, en la construcción dialéctica de la cultura visual y en la producción de significados culturales a través de la visualidad. Paralelamente se realizará una reflexión sobre la(s) epistemología(s) de lo visual y las posibilidades de producción de conocimiento desde lo visual. A lo largo del curso se destacaran los siguientes temas de análisis e investigación: Las relaciones entre historia del arte y estudios visuales, las posibilidades políticas y de interpretación que ofrecen los estudios visuales para el estudio de las prácticas artísticas, la función social y política del arte en la vida social, como por ejemplo, en vínculos entre academia y sociedad, entre otros; y por último, las prácticas estéticas como formas de crítica cultural donde la teoría, la investigación y las prácticas artísticas y culturales coexisten y se elaboran conjuntamente.

El curso proporciona a los estudiantes bases, tanto  teóricas como de  ejercitación práctica, que les aporten herramientas para abordar las problemáticas que están implícitas en la construcción del discurso histórico sobre el arte. Está concebido como una actividad teórico-práctica en torno al tema de archivos y fuentes para la escritura de la Historia del arte.

El patrimonio cultural cada vez más se consolida como un campo de conocimiento marcado por diferentes problemáticas y tensiones que parten de su definición y que involucra diferentes actores, comunidades e intereses que lo definen. Desde esta perspectiva, el curso pretende introducir al estudiante en las definiciones generales de lo que constituye a nivel internacional y nacional el patrimonio cultural, haciendo especial énfasis en el patrimonio artístico, así como brindar herramientas que le permitan entender las implicaciones y dificultades que tiene el estudio de este tipo de obras y manifestaciones teniendo en cuenta el papel que juega la mirada del historiador del arte como especialista.

Este curso de investigación (curso tipo PI) busca introducir al estudiante a la práctica curatorial, a la ve que apoyar el proyecto Catálogo Razonado de las Colecciones de Arte de la Universidad de los Andes (publicación prevista en 2018). En asocio con el Semillero de Investigación Interdisciplinar Laboratorio de Arte y Arqueología Andina (L3A) se prevé un laboratorio en el que el estudiante realizará al final del curso una muestra museográfica (Sala de Exhibición Gb 205). Para lograr este propósito los estudiantes se enfrentarán a una gama de retos de curaduría: desde el inventario, registro y alojamiento de piezas en la colección de reserva, hasta la investigación de obras, pasando por el su registro gráfico (dibujo, fotografía y fotogrametría), la producción de fichas técnicas, la redacción y edición de textos curatoriales y la mise en place. Con base en piezas inéditas de las colecciones arqueológicas y etnográficas que la universidad custodia se trabajará sobre temas relacionados con la procedencia, datación y atribución estilística, las tecnologías e iconografía prehispánica y la arqueomusicología, entre otros.

Los créditos por investigación forman parte del área de Teoría y Métodos, están pensados para ser cursados durante el ciclo intermedio y tienen un valor de 3 créditos. La idea de estos créditos es que el estudiante tenga la oportunidad de trabajar de la mano de un profesor del programa de Historia del Arte en un proyecto específico de investigación, en un semillero o en un proyecto que el estudiante proponga en historia del arte. Por cuestiones administrativas del Banner, el curso aparece con el nombre de un solo profesor, esto no significa que los estudiantes que quieran tomar estos créditos deban trabajar con ese mismo profesor. El profesor del curso sí debe mantenerse informado del rendimiento del estudiante por parte del profesor asesor para cumplir con las fechas de notas establecidas por el calendario académico.

Se trata de un curso teórico-práctica que busca que el estudiante reflexione y trabaje directamente con archivos y fuentes para la construcción de la Historia del arte. De esta manera, la observación, la lectura, la reflexión, la interpretación y la escritura de textos son componentes fundamentales en el trabajo dentro y fuera de clase. En esta ocasión trabajaremos de la mano con el BADAC y con algunos de sus fondos, la idea es que, en grupos, los estudiantes puedan tener acceso a un trabajo práctico con estos archivos y puedan abordar problemas puntuales que el Banco de Archivos Digitales tiene actualmente con ellos.

Este curso de investigación (tipo PI) introduce al estudiante a la práctica curatorial a nivel teórico y práctico. En asocio con el Semillero de Investigación Laboratorio de Arte y Arqueología Andina (L3A) se prevé un laboratorio de docencia en el que los estudiantes apoyarán la realización de una muestra museográfica. Se trata de desarrollar conjuntamente un guion museográfico para una muestra presencial en la Sala de Exhibición Gb 205 con un componente virtual.

Para lograr los objetivos de aprendizaje los estudiantes se enfrentarán a una gama de retos de curaduría: desde el registro y la revisión de inventarios y documentación de piezas para el desarrollo de colecciones así como la investigación de procedencia, determinación estilística y temporalidad arqueológica, hasta la producción de fichas técnicas, la redacción y edición de textos curatoriales y el desarrollo de una propuesta curatorial para abordar una temática específica dentro del proyecto museográfico mayor. El montaje de la muestra dependerá de eventuales medidas de bioseguridad.

Para lograr estos propósitos los estudiantes se enfrentarán a una gama de retos de curaduría: desde el registro y la revisión de inventarios y documentación de piezas para el desarrollo de colecciones y la investigación de procedencia y determinación estilística y temporalidad, hasta la producción de fichas técnicas, la redacción y edición de textos curatoriales y el desarrollo de una propuesta curatorial para abordar una temática específica dentro de un proyecto museográfico mayor.

Apoyados en lecturas interdisciplinares se espera fomentar una actitud reflexiva sobre la museología y el trabajo de curaduría y, con ello, dar paso a discusiones sobre las implicaciones sociales y políticas de la curaduría del pasado.

 

La materialidad del pasado es una fuente clave de información para el estudio de la arqueología del pasado profundo, prehispánico y colonial, así como para la arqueología del pasado reciente, republicano y contemporáneo. Por una parte el desarrollo de las formas de expresión simbólica es inseparable del desarrollo de estilos técnicos y tecnologías históricamente contingentes. Por otra parte, la transformación y el movimiento de materias primas, objetos e ideas van de la mano con procesos de significación y re-significación, muchos de los cuales se hayan inscritos materialmente en los objetos de maneras complejas. El curso busca acercar al estudiante al estudio de la producción histórica de significados y valores y las biografías de objetos desde el análisis de objetos, los materiales y las técnicas utilizadas para su producción así como la identificación de huellas de uso sobre material lítico y cerámica.

 

Para introducir los acercamientos al estudio de cadenas operativas y la historia de vida de los objetos, así como las técnicas analíticas contemporáneas para la caracterización de diferentes materiales y la identificación de procesos de producción, desplazamiento y uso el curso alterna clases magistrales, enfocadas en discusiones en torno a los estudios de la materialidad y la tecnología prehispánica con sesiones de taller prácticas con materiales arqueológicos del fondo museográfico de la universidad y visitas a museos.

Las metodologías de estudio de las imágenes dentro de la Historia del Arte se han desarrollado a la par de la disciplina, pasando de la descripción e identificación de elementos compositivos a
la clasificación de temas, íconos, símbolos y alegorías y sus significados en su contexto de producción y uso. De la misma manera, ha intentado interpretar las transformaciones de temas iconográficos a través del tiempo a la luz de los cambios históricos y sociales, haciendo uso de diferentes fuentes y de un enfoque interdisciplinar. Los métodos de análisis iconográfico e iconológico, si bien apuntan a analizar diferentes aspectos del objeto o imagen en cuestión, son complementarios y es este uso transversal el que será enfatizado en el curso. El estudiante aprenderá cómo fueron desarrolladas estas metodologías, los diferentes enfoques que estas han tenido de la mano de distintos autores y su aplicación en la práctica.

Este curso será una oportunidad para que los historiadores del arte se acerquen a los conceptos fundamentales de la estética moderna, que se articularon entre mediados del siglo XVIII y mediados del siglo XIX, conceptos que serán claves para toda la reflexión posterior sobre el arte, la representación, la creación artística y la modernidad. Se estudiarán dichos conceptos a partir de los autores clásicos que contribuyeron al giro estético del siglo XVIII (Hume, Baumgarten, Burke, Kant, Schiller, Hegel). En las últimas sesiones nos interesa particularmente indagar en el problema de la representación y el valor del arte, que comienza a configurar la necesidad de superar el arte mimético, algo que las vanguardias históricas de principios del siglo XX asumirán como una de sus tareas centrales.

El curso pretende hacer una visión de Dada y el Surrealismo como movimientos de vanguardia que transformaron la forma de aproximarse al arte y al mundo. Se exploran sus propuestas en diferentes campos de la expresión.

Este curso del área de Teoría del programa de Historia del Arte, ofrece una revisión juiciosa de las propuestas de reflexiones de orden filosófico que han fungido como referentes fundamentales para algunas de las más importantes discusiones en la Estética contemporánea. Los estudiantes se familiarizarán y estudiarán algunos de los problemas en torno a la relación entre arte y cuerpo, arte y espacio, arte y la tecnología, arte y política. Estarán en la capacidad de interpretar los textos discutidos y comprender algunas tensiones y modos de problematización del arte como fenómeno corporal, existencial y político. Entenderán y podrán explicar algunos de los más importantes argumentos en la reflexión filosófica sobre la práctica artística contemporánea. Los estudiantes darán cuenta de estas capacidades mediante textos reflexivos y argumentativos.

Este curso gira en torno a la que es considerada como la pregunta fundacional de la teoría y la crítica del arte feminista que Linda Nochlin formuló en 1971 y que cuestionó la ausencia de la mujer artista en el campo de la historia del arte. ¿Por qué no ha habido grandes mujeres artistas?, fue y es la pregunta que nos gustaría abordar a propósito de nuestro propio contexto y en relación con la historia del arte en Colombia.

Para resolver dicho cuestionamiento, este curso se estructura en tres bloques: el primero que nos permite ubicar la problemática en el contexto europeo y anglosajón de los años setenta para luego incursionar en su impacto y desarrollo en el contexto latinoamericano y colombiano. Un segundo bloque considera el surgimiento, uso y revisión de las categorías género y análisis crítico del discurso, como herramientas de análisis que permiten orientar los estudios sobre la mujer en el campo del arte. Un último bloque nos permite revisar el tema a la luz de ejemplos concretos en un contexto sobretodo nacional.

Se espera que el estudiante, además de identificar las formas en como el discurso hegemónico de la historia del arte ha omitido la presencia de la mujer, se enfrente a una lectura contemporánea que de alguna u otra forma, adopta los conceptos y categorías propuestos para arrojar luz a un tema que ha permanecido en la oscuridad. Si bien dichas categorías no constituyen la totalidad de herramientas que ofrecen salidas a la problemática central planteada, lo que si buscan es que el estudiante evidencie la posibilidad de entrelazar, creativamente, conceptos y metodologías para el futuro desarrollo de su propia investigación como historiador del arte.

La obra de Abraham Moritz Warburg (1866-1929) trasciende la disciplina de la Historia del arte. Su actividad intelectual es compleja y rica en matices. Se podría afirmar que Warburg, más que estudiar el arte, tiene una preocupación constante por entender la naturaleza de la imagen en la historia de Occidente y, por lo tanto, le importa abordarla en todas sus facetas: producción, función, recepción, transmisión. Hoy en día resulta inapropiado abordar la obra del pensador alemán sin tener en cuenta que su trabajo se basa en lo interdisciplinario, en comprender que el arte es un fenómeno más de la cultura visual y que para conocerlo a cabalidad resulta fundamental beber de diversas fuentes: filosofía, psicología, astrología, antropología, lingüística, religión, entre otras. Esta convicción es la que ha permitido que la figura de Warburg haya resurgido con fuerza en los últimos años y que historiadores del arte de la talla de George Didi-Huberman o David Freedberg reevalúen su legado aportando nuevas luces para su entendimiento.

Este curso se ocupa de examinar la teoría del arte formalista desde sus inicios con la estética de Kant a finales del siglo XVIII hasta el período de la segunda posguerra en 1960. El curso parte de la lectura y análisis cuidadoso de la figura central en el Formalismo de la segunda mitad del siglo XX, el crítico de arte estadounidense Clement Greenberg. De allí haremos un viaje por la historia de esta corriente estética y teórica, trazando los orígenes desde el filósofo alemán Immanuel Kant hasta desarrollos más contemporáneos en el siglo XX. Dicho recorrido nos permitirá comprender la teoría formalista desde una perspectiva histórica y ubicar la genealogía que llevó a las formulaciones clásicas del formalismo de Greenberg. Estudiaremos la Crítica del juicio de Kant y su teoría estética en torno al concepto de lo bello; pasaremos por la teoría del crítico alemán Konrad Fiedler a finales del siglo XIX; continuaremos con las teorías de los críticos británicos del grupo de Bloosmbury Roger Fry y Clive Bell; para movernos a las formulaciones del formalismo en la Historiografía del arte con Heinrich Wölfflin; y llegar al contexto de Estados Unidos antes y después de la Segunda Guerra Mundial con figuras como Herbert Read y finalmente el crítico de arte Michael Fried como heredero de las teorías de Greenberg. Finalizaremos el curso con una mirada a las repercusiones del formalismo en la crítica del arte latinoamericano.

Informar sobre propuestas críticas e historiográficas en América Latina durante la segunda mitad del siglo XX. A través de aproximaciones al conocimiento de algunos de los enfoques centrales de la historiografía y crítica del arte latinoamericano al iniciarse la segunda mitad del siglo XX se explicaran los nuevos enfoque manejados en las últimas décadas.

Promover un espacio de reflexión y conceptualización en torno a los distintos recursos de que se dispone al diseñar una propuesta investigativa, buscando que el estudiante analice algunos de los medios con que cuenta en su campo disciplinar.

Desde la llegada de los peninsulares a lo que ellos llamaron las Indias Occidentales, se empezó a configurar un pensamiento en torno a las artes previas a la conquista y a aquellas que empezaron a colonizar el territorio americano. Aquellos hombres tradujeron lo que se encontraron según retóricas visuales sofisticadas, pero a menudo simplistas que respondían a sus contextos impregnados por la medievalidad y el Renacimiento. Así, a menudo los objetos encontrados fueron interpretados según las lógicas de la imagen cristiana y con ello clasificados como falsos y malos. Algo semejante acometieron aquellos que pensaron el arte del pasado en el siglo XIX, tras las independencias, en general desde México hasta Chile prevaleció el interés por las producciones identificables y equiparables con las producciones europeas, dejando de lado un patrimonio enorme producido por la diversidad social que entonces componía la América recién liberada. Esos patrimonios fueron en su mayoría invisibilizados y a menudo despreciados. El siglo XX, a menudo acompañado con la creación de espacios académicos y de coleccionismo oficial, trajo consigo nuevas conciencias, discursos, puntos de partida y la obsesión de pensar el arte de los territorios desde México hasta Chile, incluyendo Brasil y el Caribe hermanadamente. Desde la adopción del formalismo a comienzos del siglo XX hasta las más recientes aproximaciones decoloniales e interculturales se ha buscado generar aparatos críticos independientes y propios que permitan establecer discursos para este amplísimo territorio. Obviamente, surgen preguntas desde la base misma de las nociones que manejamos o que encontramos en la literatura, por ejemplo, ¿qué podemos abarcar ante el concepto de arte latinoamericano?, ¿Cómo, desde cuándo y desde dónde se ha pensado y escrito sobre el arte latinoamericano? A partir de la revisión de diversos autores latinoamericanos, abordaremos éstas y otras preguntas durante este curso que busca ser una introducción a complejos y extensos discursos históricos en torno al Arte de América Latina.

Las sociedades actuales se enfrentan a una serie de cambios vertiginosos y angustiantes. Muchos de estos cambios llevan consigo procesos de deshumanización impulsados por la robotización, la inteligencia artificial y la digitalización de muchas disciplinas o quehaceres; la tendencia hacia corrientes políticas de vigilancia y control de las libertades; la amenaza del planeta a causa del cambio climático, el incremento sustancial de la población, el aumento de la expectativa de vida y el uso irresponsable de los recursos naturales; entre otros. Ante esta realidad, el humanismo de corte antropocéntrico, renacentista e ilustrado parece haber entrado en estado de coma, pues no responde de manera adecuada a todos estos cambios. Sin embargo, y contrario a lo que se plantea en algunos sectores y corrientes intelectuales, hoy en día las humanidades son más necesarias que nunca para afrontar los desafíos propios del siglo XXI. Es momento de repensar nuestro lugar en las sociedades contemporáneas, en el planeta que habitamos y en un futuro incierto que apunta a la creación de mundos físicos, mentales y artificiales insospechados. Los nuevos retos implican “nuevos humanismos”, a saber: ecohumanismo, humanismo global y planetario, posthumanismo, transhumanismo y humanidades digitales.

En este curso se pretende abordar esta problemática a partir de tres rutas: 1). Una posición crítica frente al humanismo renacentista e ilustrado; 2). Un panorama general que permita conocer los “nuevos humanismos”; 3). Una reflexión ética sobre la posibilidad de que los “nuevos humanismos” se conviertan en una ruta pedagógica para formar ciudadanos que sepan afrontar los desafíos del siglo XXI y auspicien un futuro prometedor para la humanidad. Después de ocho semanas esperamos poder responder la siguiente pregunta: ¿De qué manera los “nuevos humanismos” aportan a la formación integral de los individuos y hacen frente a los procesos de deshumanización del siglo XXI?

Se trata de una breve historia crítica de algunos procesos artísticos en Colombia durante el siglo XIX, a partir de algunos problemas concretos de interpretación (el paisaje, el retrato y otras manifestaciones de cultura visual) y un énfasis sobre la experiencia en directo con las obras de arte. El curso se configura como una serie de clases magistrales en el que se presenta el material visual y el contexto histórico, junto con sesiones donde se desarrollan actividades de clase, tales como discusiones de las lecturas y análisis de imágenes específicas. En este sentido, el curso tiene un fuerte componente participativo, y está pensado como una exploración conjunta de problemas de interpretación. Un componente esencial del curso es la experiencia con obras de primera mano, de tal manera que, parte del trabajo del estudiante consiste en visitar algunos museos de Bogotá.

Obras de artistas colombianos contemporáneos comparten, no obstante su gran diversidad, características claves tales como su literalidad, el uso de metáforas y su ambigüedad. En el curso, a modo de estudios de caso, se busca analizar y comparar obras específicas y discutir sus aportes plásticos y humanos; adicionalmente, definir si las características que comparten hacen parte de una tendencia no sólo nacional sino también internacional, evaluando las posibles causas e implicaciones de ésta. Paralelamente se analizarán y discutirán críticamente otros conceptos significativos que contribuyan a iluminar estas y otras obras propuestas por los participantes. 

Algunas de las preguntas guía son las siguientes:

- ¿Cuándo empiezan artistas como Juan Manuel Echavarría, María Elvira Escallón, Juan Fernando Herrán, Doris Salcedo, Óscar Muñoz, Miguel Ángel Rojas y Clemencia Echeverri entre otros, a usar los elementos arriba mencionados en sus obras?
- ¿Qué puede explicar esa decisión?
- ¿Está relacionada con un contexto social, cultural o político específico?
- ¿Qué implicaciones tiene?
- ¿Qué otros artistas recurren a ella?
- ¿Se podría hablar de una tendencia internacional reciente?
- ¿Qué otros conceptos son iluminadores para la comprensión e interpretación de obras contemporáneas?

El curso se propone señalar algunas de las características de la formulación del pensamiento moderno en la historia del arte colombiano. El período escogido se delimitó entre fines del siglo XIX y tres primeras décadas del siglo XX.

La selva Amazónica constituye actualmente el área de bosque húmedo más grande del planeta Tierra, con cerca de 550 millones de hectáreas y atravesando un total de 9 países. Esta región amplia y diversa ha sido habitada por grupos humanos desde al menos hace 11.000 años, convirtiéndose en agentes fundamentales para la conformación de este territorio. A lo largo de ocho semanas los estudiantes podrán estudiar la historia del poblamiento de esta región y los avances que desde la arqueología se han realizado en los últimos años sobre algunas de las manifestaciones culturales y artísticas que caracterizan a los grupos indígenas que antiguamente ocuparon esta zona, como el arte rupestre y la cerámica, y los menos conocidos campos elevados, megalitos y geoglifos. Igualmente abordaremos la representación que se hecho de la región y sus habitantes por cronistas y viajeros desde el encuentro con el Viejo Mundo y como esto se ha traducido en el cine y la literatura. Finalmente, incluiremos estudios y colecciones etnográficas, obras de arte y curadurías acerca del Amazonas producidas por artesanos y artistas indígenas y foráneos dentro del arte moderno y contemporáneo para abordar su lugar en el discurso del arte y la arqueología actual. El conocimiento de esta área y sus gentes desde un punto de vista histórico y crítico pretende sentar las bases para reconocer el valor ambiental y cultural de esta región y su relevancia en el contexto de conservación, deforestación y el futuro de las poblaciones amazónicas.

Se trata de un curso teórico-práctica que busca que el estudiante reflexione y trabaje directamente con archivos y fuentes para la construcción de la Historia del arte. De esta manera, la observación, la lectura, la reflexión, la interpretación y la escritura de textos son componentes fundamentales en el trabajo dentro y fuera de clase. En esta ocasión trabajaremos de la mano con el BADAC y con algunos de sus fondos, la idea es que, en grupos, los estudiantes puedan tener acceso a un trabajo práctico con estos archivos y puedan abordar problemas puntuales que el Banco de Archivos Digitales tiene actualmente con ellos.

El curso es un aporte al conocimiento general, profundizado a través del estudio de casos particulares, del arte producido por los pueblos indígenas de América. Abordaremos los procesos de creación, las técnicas y la significancia social de las artes plásticas, además de prestar especial atención a la iconografía que se plasma en los diferentes objetos y que nos hablan de la cosmovisión de los pueblos.  

Identidad y estética serán conceptos que analizaremos en las obras realizadas en diferentes soportes de los grupos indígenas seleccionados, reconociendo así los significados tangibles e intangibles asociados a los mismos.

Por su durabilidad y ubicuidad la cerámica es una de las fuentes de información más importantes sobre el pasado de la humanidad. Desde el estudio de fragmentos en contextos arqueológicos hasta la apreciación artística de piezas individuales, la cerámica ha sido desplegada como marcador cronológico, indicador social o, incluso, como rasgo evolutivo. Las preguntas en torno a la relación entre tecnología, forma, función, por una parte, y entre la tecnología, el estilo, significado y valor de objetos cerámicos, por otra parte, emanan de marcos conceptuales distintos, dando lugar a un amplio espectro de métodos, cualitativos y cuantitativos, para el estudio de las sociedades autóctonas americanas.

Este curso introduce el estudio de la cerámica arqueológica desde dos ángulos principales. Los análisis de su materialidad, mediante mediciones y procedimientos físico-químicos sobre arcillas, desgrasantes, hornos y combustibles, así como su registro y catalogación, constituyen el eje de la primera parte del curso. Los estudios de su simbolismo, incluyendo los análisis de estilo e iconografía del pasado prehispánico, tanto como las representaciones de este pasado en el presente, constituyen la segunda parte de este curso. El marco conceptual lo proveen los estudios sobre la tecnología, entendida como un hecho social con conjuga lo material (techné) con lo simbólicos (logos)

La metodología del curso incluye clases magistrales, presentaciones temáticas, investigación es individuales y en grupo, así como visitas a galerías y talleres de arte cerámico contemporáneo y a algunas de las colecciones de cerámica prehispánica más importantes del país.

Sólo hasta hace pocos años algunos especialistas han tratado de observar y estudiar en conjunto la pintura suramericana que se produjo después del Concilio de Trento (1545-1563) como un fenómeno global y paralelo que posee puntos de contacto, pero también amplias diferencias. 

El curso buscará en primer lugar acercarse a aproximaciones que se han dado recientemente a la pintura suramericana de los siglos XVI al XVIII para desembocar en el estudio de fenómenos locales. En especial, se busca que el estudiante se familiarice a través del análisis de obras y documentos con procesos pictóricos y con la obra de algunos artistas activos durante el siglo XVI al XVIII en diferentes centros de producción del antiguo Virreinato del Perú, como fueron Santafé de Bogotá, Quito, Cusco, Lima y Potosí.

El estudio de lo que hoy llamamos arte colonial en el continente americano tuvo su inicio en el siglo XIX y ha contado con diferentes momentos de auge durante el siglo XX y especialmente en la actualidad, de tal manera que la comprensión que podamos tener de él está mediada por lo que estos estudios nos presentan. Teniendo como referente esta historiografía, el curso buscará que los estudiantes adquieran un conocimiento general de problemáticas particulares especialmente sobre las artes visuales importadas y producidas en los reinos americanos, especialmente el Nuevo Reino de Granada, desde el siglo XVI hasta finales del siglo XVIII. Esto se hará a través del estudio particular de problemas, obras, artistas y fenómenos propios del periodo y la región.

El curso no seguirá una cronología lineal, sino que a través de casos y problemas específicos se busca que el estudiante se acerque a la diversidad conceptual e histórica que ofrece el periodo colonial.

El curso busca que los estudiantes operen de forma crítica una cierta bibliografía y unos ejemplos particulares que le permitirán manejar un conocimiento general de lo que se conoce como arte colonial.

Se busca aproximar al estudiante a la manera cómo se ha construido la memoria histórica relacionada con figuras canónicas del arte activas durante los siglos XVII y XVIII en la América española y portuguesa. En este contexto, se revisarán entre otras figuras a Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos para el Nuevo Reino de Granada, Miguel de Santiago para la Audiencia de Quito, Diego Quispe Tito en Cusco, Melchor Pérez Holguín para la Audiencia de Charcas, Miguel Cabrera para la Nueva España y Francisco Antonio Lisboa –Aleijadinho– para el actual territorio minero en Brasil.

En el curso se analizarán los contextos de producción de tales relatos y cómo estos personajes y sus historias biográficas se convirtieron en bastiones de proyectos políticos y en referentes dentro de la identidad nacional de los diferentes países. En este sentido, se reflexionará sobre formas de escritura de la historia del arte como son el género biográfico y las monografías de artistas y cómo estos géneros fueron incorporando nuevos modelos teóricos y metodológicos como el formalismo, la historia social del arte y los análisis iconográficos, entre otros.

El estudio de lo que hoy llamamos arte colonial neogranadino tuvo su inicio a mediados del siglo XIX y ha contado con diferentes momentos de auge durante el siglo XX y especialmente en la actualidad, de tal manera que la comprensión que podamos tener de él está mediada por lo que estos estudios nos presentan. Teniendo como referente esta historiografía, el curso buscará que los estudiantes adquieran un conocimiento general de problemáticas relacionadas al arte plástico colonial neogranadino desde el siglo XVI a fines del siglo XVIII a través del estudio particular de obras, artistas y fenómenos propios del periodo. Se propone que el estudiante opere de forma crítica una cierta bibliografía y unos ejemplos particulares que le permitirán manejar un conocimiento general de lo que se conoce como arte colonial neogranadino y de su historiografía.

El curso Arte en América Latina siglo XIX propone, primero que todo, una comprensión de la construcción historiográfica del término América Latina, y a partir de ahí, estudiará diferentes momentos que surgieron en el arte a lo largo del siglo XIX en países como Argentina, Chile, Ecuador, Colombia, Brasil y México entre otros. Este recorrido hará énfasis en los aspectos estéticos, filosóficos y artísticos que se pueden pensar como momentos paralelos y coyunturales en las diferentes naciones modernas. La manera en la que el curso se construye no es cronológica, sino por temas semanales que se estudiarán combinando geografías y décadas, que permitan una comprensión más amplia e incluyente de un siglo y de un término complejo que debe revisarse desde nuestra contemporaneidad.

Problematizar los conceptos de Modernidad, Vanguardia y Nacionalismo a la luz de  los textos aparecidos en publicaciones periódicas de las décadas del 20 y comienzos del 30. La materia prima con la que se trabajará son los escritos polémicos que aportan publicaciones como Revista de avance, Martín Fierro, Universidad, Amauta, La Pluma, entre otras.

Analizar  los cambios que se producen en el tratamiento de la figura en algunos países de América Latina, desde la segunda postguerra hasta la década del 70.

Dada su posición geográfica el Caribe se ha consolidado como un territorio fruto de encuentros y enfrentamientos, estas dinámicas han marcado de manera definitiva su producción cultural. El curso Arte en el Caribe pretende estudiar la producción artística de la zona en el largo siglo XX haciendo especial énfasis en la manera como la convergencia de culturas tan diversas como las tradiciones culturales Taino y Caribe africana, europea y oriental entraron en conversación dando como resultado un rico acervo artístico. Aunque el curso está dedicado a revisar el arte visual se hará una aproximación multidisciplinar a los problemas planteados teniendo en cuenta otros aspectos como la música y la literatura.

Ofrecer a los estudiantes una base tanto histórica, como ideológica y artística, que les procuren herramientas para interiorizarse en las peculiares características que tuvo la estructuración del pensamiento moderno en el arte de los tres países a comienzos del siglo XX.

El curso propone analizar algunas de las manifestaciones del arte de América Latina, durante el período comprendido entre 1940-2000, Proporcionar a los estudiantes bases, tanto históricas como del pensamiento artístico, que le aporten herramientas para abordar problemáticas, obras y artistas significativos del arte moderno y contemporáneo de América Latina.

El curso es un aporte al conocimiento de las culturas preclásicas occidentales a través de las artes plásticas y la arquitectura. Desde en las evidencias arqueológicas emblemáticas documentadas en los territorios del viejo mundo, abordaremos los procesos de creación, las técnicas y la significancia social de elementos característicos como la pintura, la escultura, la arquitectura monumental y los monumentos funerarios. También obras de ingeniería consideradas en la actualidad como obras de arte. El curso está dirigido a estudiantes de cualquier disciplina cuyo interés se centre en obtener capacidades para comprender, contextualizar y analizar obras de arte, de las culturas preclásicas del Viejo Mundo Occidental y Oriente Próximo.

El curso estudia las manifestaciones artísticas (arquitectura, escultura y pintura) que se dieron durante el Imperio Bizantino (395-1453) centrando la atención en el examen de sus dimensiones estéticas e ideológicas y explorando problemas de carácter historiográfico. Por la complejidad y amplitud de la época, se propone un recorrido tanto diacrónico como sincrónico ofreciendo un panorama amplio del periodo en donde se considere el intercambio cultural como un elemento eje en la creación de nuevas formas y contenidos artísticos.

El diseño del curso está pensado para que los estudiantes tengan un amplio conocimiento de obras y estilos, pero, sobre todo, para que identifiquen temas y problemas que los conlleven a afrontar el estudio del arte bizantino desde una dimensión investigativa.

El curso es un aporte al conocimiento de las grandes civilizaciones de la antigüedad del occidente y el próximo oriente, a través de las artes plásticas y la arquitectura. Desde las evidencias arqueológicas emblemáticas documentadas en los territorios donde florecieron, abordaremos los procesos de creación, las técnicas y la significancia social de elementos característicos como la pintura, la escultura, la arquitectura monumental y los monumentos funerarios. Para comprender plenamente las obras de arte abordaremos su estudio desde las perspectivas histórica y artística.

El curso está dirigido a estudiantes de cualquier disciplina cuyo interés se centre en obtener capacidades para comprender, contextualizar y analizar obras de arte, de grandes civilizaciones del Próximo Oriente y Occidente Mediterráneo 

El curso estudia las manifestaciones artísticas que se dieron en Europa durante los siglos XIII a XV, el denominado periodo “Gótico”. Centraremos nuestra atención en dos puntos centrales: 1). El análisis e interpretación de las dimensiones estéticas e ideológicas a partir de objetos específicos. 2). La exploración y acercamiento crítico a la construcción historiográfica del periodo denominado “Edad Media”. Para cumplir con el primer punto, se propone un recorrido tanto diacrónico como sincrónico ofreciendo un panorama amplio del periodo en donde se considere el intercambio cultural como un elemento eje en la creación de nuevas formas y contenidos artísticos. Con respecto al segundo punto, se abordarán textos historiográficos que abordan el discurso histórico desde una perspectiva crítica. 

El diseño del curso está pensado para que los estudiantes tengan un amplio conocimiento de las manifestaciones artísticas, pero, sobre todo, para que identifiquen temas y problemas que los conlleven a afrontar el estudio del arte gótico desde una dimensión investigativa.

El curso propone un recorrido cronológico por la historia del arte español a través de obras, artistas y temas puntuales. Hace énfasis en los contextos históricos y geográficos de la producción artística de la Península ibérica. Partiendo del arte de las cavernas, el curso inicia en el arte prehistórico pasando por la producción de escultura y cerámica de tártaros, fenicios, griegos, íberos y celtas, teniendo en cuentas las diversas funciones del arte y sus sistemas de mecenazgo y la transformación de los espacios expositivos con la creación del museo. Así mismo, dedica unas clases a la producción de la Edad Media, profundizando en el Siglo de Oro español, conociendo a Goya y sus influencias en los siglo XIX y XX hasta la España contemporánea.

El curso estudia el concepto del Barroco a partir de las manifestaciones artísticas (arquitectura, escultura y pintura) que se dieron durante los siglos XVII y XVIII en diversos centros culturales de Europa. La idea es reflexionar en la manera cómo se configuran categorías que determinan dimensiones estéticas e ideológicas y que, por lo tanto, trascienden la simple periodización histórica. La aproximación al objeto de estudio comprenderá dos vías complementarias de análisis: interpretación de los fenómenos artísticos a partir de contextos de producción específicos y exploración de problemas de carácter historiográfico. En este sentido, se pretende que el estudiante adquiera una posición crítica frente a los métodos que han utilizado los historiadores para caracterizar estilos, escuelas y periodos.

El curso estudia el desarrollo histórico de la pintura española del Siglo de Oro centrando la atención no sólo en los artistas y obras fundamentales, sino también en los contextos de producción pictórica. Las pinturas serán estudiadas a la luz de tres temas y discusiones de carácter historiográfico: 1). Las dinámicas de producción, distribución y recepción de las obras; 2). El rol de la Iglesia y la Corona como principales agentes de mecenazgo y control social y 3). Los géneros pictóricos.

En este curso estudiaremos el desarrollo del arte renacentista en Italia (1300-1600), entendiendo las diferencias entre contextos políticos particulares y apreciando la multiplicidad de estilos que convivían en las distintas regiones. Abordaremos algunos de los artistas más conocidos–desde Giotto hasta Ticiano y Miguel Ángel, pasando por Donatello, Masaccio, Pisanello, Botticelli, Giorgione, Rafael y Leonardo—pero también nos enfocaremos en el funcionamiento de los talleres, las motivaciones de los mecenas, el ámbito humanista y cortesano, el rol de las mujeres en las artes, el desarrollo de técnicas innovadoras y géneros novedosos como por ejemplo el retrato, el desnudo mitológico, la pintura al fresco y la pintura al óleo, entre otros. También nos acercaremos a los debates teóricos en torno a la definición del arte como actividad intelectual y a la comparación entre medios a través del paragone. Estudiaremos algunos conceptos fundamentales que incluyen el disegno, la inventio, y la imitatio. Las clases se alternarán entre presentaciones sobre las obras y discusiones de fuentes primarias, que incluyen los escritos de Cennino Cennini, Leon Battista Alberti y Giorgio Vasari, entre otros. Por último, exploraremos el Renacimiento por fuera de Italia, siguiendo los viajes de algunos artistas, como por ejemplo Angelino Medoro, en otras regiones de Europa así como en América Latina. 

El curso de Historia del Arte europeo del siglo XIX propone un recorrido por el siglo partiendo de sus antecedentes a finales del siglo XVIII hasta su influencia en el siglo XX. El recorrido hace énfasis en los procesos estéticos, filosóficos y artísticos que ejercen la Revolución Francesa y los demás eventos políticos y filosóficos en el arte del siglo XIX. Partiendo del regreso al mundo clásico evidente en el Neoclasisismo, pasando por el alma de libertad y búsqueda del Romanticismo, el curso se concentra en elementos visuales que son un importante legado del arte en la época. Así mismo, el curso busca trabajar temas como son el viaje, los bocetos, los cuadernos, los apuntes y la influencia de la literatura en los artistas del momento. De la misma manera, se hace un profundo recorrido por los movimientos que cultivaron el nacimiento de un modelo como tal, Realismo, Impresionismo y Simbolismo, que permiten al estudiante entender el salto que da el arte hacia las Vanguardias del siglo XX.

Si bien la invención de la fotografía definió una nueva forma de entender el mundo desde un punto de vista supuestamente racional y objetivo, su descubrimiento también estuvo ligado a otras tecnologías que masificaron, modificaron y determinaron las formas de ver que se gestan en el siglo XIX. En este curso se estudiarán estas nuevas tecnologías de la visión y las formas en las que éstas condicionaron una nueva estructura social, bajo la premisa de que las formas de ver tienen consecuencias directas sobre nuestro comportamiento y las manera de aproximarnos al mundo que nos rodea. En el curso se estudiarán algunos de los aparatos de visión que aparecen a lo largo del siglo XIX como el dioramara, el panorama, el estereoscopio, las linternas mágicas, el zoopraxiscopio, la fotografía y el cine, entre muchos otros. Estos aparatos nos permitirán explorar las experiencias sociales, psicológicas y de poder que se derivan de ellas. Analizaremos además obras de arte producidas en este periodo a la luz de estas tecnologías.

El curso de Historia del Arte europeo del siglo XVIII propone un recorrido por este siglo partiendo de sus antecedentes a finales del siglo XVII hasta su influencia en el siglo XIX. El recorrido hace énfasis en los aspectos estéticos, filosóficos y artísticos que ejercen desde las grandes monarquías europeas hasta la Revolución Francesa y sus consecuencias. Partiendo del Rococó y pasando por el regreso al mundo clásico evidente en el Neoclasicismo, el curso se concentra en elementos visuales que son un importante legado del arte de la época. Así mismo, el curso busca trabajar temas como son el viaje, el gusto, las ruinas, la estética, el Museo y la construcción de las naciones modernas. De la misma manera, se hace un profundo recorrido por los movimientos que cultivaron el nacimiento de un arte moderno como tal, Clasicismo, Rococó y Neoclasicismo. La manera en la que el curso se construye no es cronológica, sino por grandes temas semanales que se estudiarán combinando geografías y décadas, que permitan una comprensión más amplia e incluyente de un siglo muy complejo.

 

Este curso se ocupa de los cambios dramáticos que llevaron a la consolidación de lo que hoy entendemos como arte moderno, con un especial énfasis en el concepto de vanguardias. Se estudiarán manifestaciones y fenómenos artísticos desde mediados del siglo XIX hasta mediados del siglo XX que cuestionaron y reformularon conceptos tradicionales del arte como la representación, el ilusionismo, la originalidad, la expresividad, entre otros. Para tal fin se examinarán tanto las obras de arte como los textos o manifiestos escritos por los diferentes grupos activos en la época. De este modo, se analizarán, por un lado, las innovaciones técnicas y los recursos formales y materiales propuestos por los diferentes grupos, y por otro lado, las teorías que soportan o justifican la utilización de tales recursos.

Aunque el curso se centra en movimientos de vanguardia canónicos desarrollados principalmente en Europa, a través de ejercicios de indagación e investigación autónoma de los estudiantes se propone desafiar y cuestionar este modelo al incluir otras regiones del mundo—principalmente América Latina. Además de esto, el curso enfatiza en los contextos sociales, políticos y económicos en los que se produce el arte moderno y reconstruye algunos eventos y momentos históricos relevantes para su historia.

La descentralización de las narrativas eurocéntricas y la multiculturalidad han permeado las escenas del arte contemporáneo a partir de la década de los años noventa. Hoy los espectadores del arte —coleccionistas, galeristas, críticos  e historiadores— encuentran un gran atractivo en las obras de artistas asiáticos, latinoamericanos y africanos. Dicha tendencia se ha manifestado en los estudios de la historia del arte, principalmente en el nivel técnico, sin embargo, estos cambios en el pensum educativo y los temas de investigación no se han diseminado más allá de las fronteras  de Europa y los Estados Unidos. Por lo general, la estructura institucional de la educacó6n de la historia del arte en Asia, América Latina, África y Oceanía no se ha ocupado en estudiar los contextos históricos y sociales del arte que tiene lugar fuera de Estados Unidos y de Europa. En América Latina, hasta la fecha han sido muy pocas las instituciones que ofrecen especializaciones en arte o cultura  de Asia Oriental. En ese sentido, este curso intenta promover en Colombia

The art of the ancient Americas arguably provides the most important window into the history of its original peoples. This history has become material in myriads of objects created over 15.000 years of precolonial human occupation and has opened to systematic inquiry from the complementary perspectives of archaeology, anthropology and history of art as well as, more recently, material sciences and technology studies. Such research provides important keys for informed interpretation and more truthful understandings and readings of “material texts”.

 

This course will provide a panorama of the main artistic traditions and styles that developed across South America. It will address a broad range of media: from rock art, sculptures and buildings in the landscape to the carvings and friezes in stone and adobe set in architecture on the one hand, to bodily modification and painting, music and dance as well as objects fashioned from clay, stone, wood, shell and metals, on the other hand. The course seeks to provide a regional, spatial, temporal and ecological framework and offer tools for contextual analysis, as well as lay out principal current debates, with an emphasis on the material outputs of complex societies of the Andes. A practical with ceramic pieces from the university study collection is envisaged.

 

In the first term of 2020, this course also aims to help students develop and improve their communication skills in English. Students will learn key strategies for effective presentation, argumentation, discussion and academic writing, and practice them throughout course activities. Students’ communication performance will be evaluated and translated into part of the final grades. If necessary, the accompanying English teacher can provide assistance to students who have weaknesses in their English language skills. The working language for this course is English.

Las construcciones, monumentos, jeroglifos y papiros que sobreviven los siglos han llamado la atención de viajeros, arqueólogos, historiadores del arte y el público en general. Si bien las pirámides suelen ser uno de los monumentos más llamativos al referirnos al Antiguo Egipto, objetos menores como amuletos sobreviven a las invasiones griegas y romanas y revelan en si mismas las transformaciones históricas acontecidas en el delta del Nilo. En este curso el estudiante aprenderá a reconocer los diferentes periodos a partir de sus construcciones, esculturas y obras artísticas, abarcando desde el periodo predinástico (5300-3000 AC) hasta el inicio del periodo copto (200-1000 DC), con un especial énfasis en el periodo dinástico (3000- 332 AC). De igual manera, se analizarán los objetos y arquitectura desde su contexto de producción, explorando a los trabajadores y talleres detrás de la elaboración de pirámides, esculturas, pendientes y joyas encontrados en tumbas y unidades domésticas. Finalmente abordaremos los fenómenos de la egiptomanía y el coleccionismo a partir de las exploraciones realizadas durante las ocupaciones británicas y francesas, el descubrimiento de la tumba de Tutankamón y los debates sobre propiedad patrimonial.

Este seminario propone un formato experimental para explorar la interpretación de las imágenes entendidas como productoras de sentido.Se analiza detalladamente una imagen por semana a lo largo del semestre y se proponen diversas aproximaciones y modos de hacer visible las relaciones que se disparan a partir de una imagen, estas incluyen la creación de un mnemosynes, entre otros formatos experimentales.

Cómo entender las sociedades del pasado a partir de su arte? Este curso introduce el estudio de los íconos de las narrativas plasmadas en vasijas y objetos de cerámica modelada y pintada, textiles y talla de peidra, madera y hueso así como en el arte y la arquitectura de las culturas oriendas de América del Sur. Mediante el contarste de diferentes acercamientos investigativos( estructural, temático, narrativo y proxémico) se busca identificar ámbitos comunes a distintas tradiciones, a la vez que espacios y personajes recurrentes en las tramas narrativas expresadas en estilos distintivos. El análisis de las técnicas utilizadas para expresar y replicar el dinamismo característico de los estilos Chavín/ Cupisnique, Tumaco/ la Tolita, Paracas/ Nasca, Moche/ Recuay, Huari/ Tiwanaku e Inca, así como una completa revisión del arte indígena en los campos de la arquitectura (Neoprehispanismo) y el diseño (Elena Izcue) facilitarán al estudiante herrameientas para desarrollar estudios iconográficos e iconológicos propios.

¿Cuándo inicia el arte moderno en Colombia? ¿Podemos hablar de vanguardias artísticas en el contexto colombiano? ¿Cuáles son las similitudes y diferencias entre el modernismo y la vanguardia en Colombia y las que se dieron en Europa, Estados Unidos y otros países de América Latina? Este seminario se ocupará de examinar en detalle los fenómenos del modernismo y la vanguardia en el desarrollo del arte en Colombia a lo largo de la primera mitad del siglo XX. Tradicionalmente dichos fenómenos son identificados con la historia del arte europeo (y, en menor medida, de Estados Unidos) de mediados del siglo XIX a mediados del siglo XX. Sin embargo, al trasladar esos conceptos a otra región geográfica como América Latina y Colombia nos encontramos con una temporalidad ligeramente distinta y unas implicaciones contextuales particulares. Es decir, aunque los modernismos y vanguardias latinoamericanos comparten algunos rasgos comunes con los europeos, también asumen ciertas características diferenciadoras determinadas por los contextos particulares del colonialismo y la dependencia económica, entre otros. Así mismo, en cada país de la región encontramos especificidades dadas por las condiciones particulares de cada uno. En este curso nos ocuparemos primordialmente de reflexionar sobre la formación del modernismo y las vanguardias en el contexto del arte colombiano. En un primer momento examinaremos en detalle los fenómenos del modernismo y la vanguardia en su acepción más amplía revisando los textos teóricos fundacionales de la disciplina alrededor de dichos conceptos. Luego nos ocuparemos de reflexionar sobre algunos textos clave para la definición y diferenciación de estos términos en el contexto del arte latinoamericano en general y el arte colombiano en particular. Finalmente, nos ocuparemos de analizar en detalle los artistas y obras claves del modernismo y la vanguardia en el arte en Colombia durante la primera mitad del siglo XX, reflexionando críticamente sobre la aplicación de dichos conceptos al contexto colombiano.

La iconografía moche (100 a.C. - 700.d.C.) se halla entre las más complejas de la América precolonial. Con más de medio centenar de seres sobrenaturales y cientos de humanos identificados en elaborados objetos tejidos, tallas de madera y concha, piezas de metal y de cerámica, así como arte arquitectónico, rupestre y pinturas murales, la profusión de identidades tipificadas y representadas, oficios, rangos y edades entre ellos, nos acerca a un mundo vivido pretérito palpable. A la vez, las escenas de múltiples personajes, fantásticos y humanos en interacción, los frisos y murales pintados en templos como Huaca de la Luna, El Brujo y Pañamarca, así como las ricas tumbas excavadas en Sipán y Dos Cabezas, por ejemplo, permiten reconstruir el esplendor de las conmemoraciones y ubicarnos en un mundo ceremonial rico y cambiante. La investigación arqueológica ha empezado a cerrar las brechas entre el corpus objetual, riquísimo pero plagado de dificultades metodológicas de conservación y por el saqueo indiscriminado de tumbas, y los contextos de producción, uso y deposición, permitiendo nuevas reconstrucciones de esta historia.

El seminario busca afinar la sensibilidad del estudiante para con los objetos y obras prehispánicas de escalas, materiales y técnicas distintas (pintados, tallados, modelados, tejidos o engastados, p.ej.) y desarrollar las capacidades para un acercamiento contextual como fundamento para la interpretación. Por ello, girará en torno a la investigación con base en objetos en colecciones. Los ejercicios de abordaje enfatizarán preguntas por la relación entre las técnicas empleadas, el significado de las piezas y su valor en el pasado prehispánico.

En este seminario estudiaremos los procesos y los efectos de la globalización del arte renacentista. Por una parte, tendremos en cuenta la historiografía del arte renacentista para replantear la manera en que se ha entendido el arte del Renacimiento como un fenómeno eminentemente europeo. Al mismo tiempo, haremos un análisis crítico del concepto de Renacimiento global, mientras consideramos cómo el Renacimiento resulta inseparable de la violencia colonial y de la extracción masiva de recursos naturales y humanos. Partiremos de estudios de caso de redes y centros artísticos cuyos diversos contextos locales nos permitirán comparar y contrastar el concepto de una cultura renacentista. Nos centraremos en la ciudad de Tunja en particular, que se convertirá en nuestro “laboratorio de estudios”. Esto nos permitirá poner en juego algunas de las ideas del seminario y hacer un estudio “in situ” (frente a los objetos y espacios de la ciudad). Por último, este seminario tiene un componente digital: trabajaremos colectivamente como grupo para construir una narrativa digital que servirá como insumo de investigación, así como para visibilizar y valorar el patrimonio renacentista local.

Desde su inicio a finales del siglo XIX el cine japonés se ha considerado principalmente un medio masculino. Los directores, productores e inclusive los actores de las primeras décadas han sido en su mayoría hombres. Sin embargo, la mujer ha ocupado de forma permanente las narrativas, siendo el periodo de la posguerra uno de los que más se centra en ella. De los años 40 a los 60 hay un interés por construir una imagen de la mujer que responde a los desafíos y la incertidumbre propia de la sociedad de la época.  Bajo la dirección de directores hombres, pero muchas veces con mujeres en el equipo creativo y de producción, se presentan modelos femeninos que reproducen y también cuestionan elstatus quode un Japón en reconstrucción, mientras se van haciendo visibles las primeras directoras mujeres. Ellas, muy pocas aún, empiezan, por un lado, narrando historias cotidianas y por el otro, contribuyendo a la producción de imágenes y narrativas que habían sido vetadas en el Japón de posguerra pero que se conectan con una cultura visual muy anterior.  Desde el contexto, la narrativa y la construcción de la imagen, este curso invita a la discusión de la mujer en el cine japonés de posguerra.

El seminario  profundiza el debate en torno a la abstracción después de la segunda guerra mundial estudiando movimientos, artistas, obras de arte, y críticos que definieron las categorías bajo las cuales se entiende la abstracción de la segunda posguerra. 
El seminario profundizará sobre la polémica de la época entre un arte abstracto caliente, subjetivo y personal que expresa las experiencias traumáticas de la guerra y la subjetividad del hombre y un arte abstracto frío, objetivo e impersonal que encarna la creencia en un mundo utópico racional o una espiritualidad. Se estudiarán movimientos y artistas como el expresionismo abstracto, el Hard-Edge y el minimalismo en Estados Unidos; el tachismo, Art informel y Art concret en Francia; el Concretismo y Neoconcretismo en Brasil; el arte Madí y el Arte-concreto-invención en Argentina; el Cinestismo en Venezuela y la abstracción geométrica en Colombia, entre otros.

Hasta hace relativamente poco tiempo las reflexiones y discusiones históricas sobre videoarte seguían estando fuertemente influenciadas por una tradición de corte greenbergiano que separaba las artes según medios, y que identificaba el génesis del videoarte con la aparición del mítico SONY portapack (primera cámara portátil de video) en los años sesenta. En la actualidad, las aproximaciones históricas están apostando por comprender las prácticas de videoarte en un sentido mucho más amplio, de manera que el estudio no se restrinja a los límites del medio y logre trazar diversos génesis del videoarte,y de manera que el análisis no aísle al video de prácticas arquitectónicas, fotográficas y performativas,dando cuenta así de un contexto visual y artístico complejo de producción del videoarte. El seminarioserá entonces lugar de familiarización y apropiación de algunas de esas recientes reflexiones históricas y teóricas sobre los génesis y desarrollos del videoarte, con el fin de estudiar la imagen de video como imagen de carácter complejo y performático

Durante el período de la segunda posguerra (1945-1970), la abstracción se consolidó como el lenguaje artístico predominante en Europa, Estados Unidos y América Latina. Sin embargo, la abstracción no fue un estilo monolítico. Por el contrario los artistas asociados con este movimiento experimentaron diversas aproximaciones a la pintura y la escultura no-objetivas. Más concretamente, la práctica de la abstracción durante este período vivió un debate intenso entre las prácticas abstractas llamadas expresionistas, informales, líricas, o tachistas, y las prácticas abstractas geométricas, concretas, constructivistas, o minimalistas. La polémica giró en torno a la necesidad de, por un lado, expresar las experiencias traumáticas de la guerra y la subjetividad del hombre y, de otro lado, proponer un nuevo orden racional y utópico para contrarrestar el caos generado por la guerra.

El seminario propone pensar los museos y las colecciones a la luz de su relación con la Historia del Arte, sus teorías, metodologías y prácticas. A partir de lecturas precisas y de análisis de casos, se
busca generar discusiones que permitan pensar en conexiones, pero también en las distancias existentes entre la práctica de coleccionar, la formación de museos y la utilidad de una disciplina
como la Historia del Arte en esta ecuación. Durante las ocho semanas de clase, el curso propondrá a los estudiantes el estudio de un caso particular que relacione una colección y/o un museo y la historia del arte, así que a manera de un laboratorio el estudiante desarrollará una investigación donde profundizará sobre problemas relacionados con: procedencias, autorías, dataciones y análisis de obras individuales y grupales.

A partir de conversatorios con invitados y análisis puntuales de casos, el seminario propone también reflexionar sobre el contexto actual generado por el COVID 19 en relación a los museos y sus colecciones. Pensemos que las medidas actuales de aislamiento, confinamiento y distanciamiento social han llevado a que dinámicas y prácticas establecidas tradicionalmente por los museos y la gestión de sus colecciones sean a veces inoperantes y obsoletas. En esta coyuntura ¿cómo podemos pensar la relación entre colecciones, museos e Historia del Arte?, ¿Cómo puede la Historia del Arte implementar sus métodos sin tener contacto con los objetos?

Proponer un espacio de reflexión en torno a la historiografía y la crítica del arte latinoamericana en las décadas de 1960 y 70, introducir algunos de los enfoques que ejercieron una fuerte influencia en las tendencias historiográficas desarrolladas a lo largo del período.

El seminario busca estudiar en profundidad el género del dibujo en la historia del arte colombiano, especialmente entre los siglos XVIII y XX, así como entender la importancia que el dibujo ha tenido en diferentes momentos de la historia del país. El curso intentará aprovechar este género para hablar de artistas, procesos y formas de expresión que no suelen ser tan conocidas en nuestra historia del arte. Aprovechando el vínculo con la Biblioteca Nacional de Colombia y sus Fondos gráficos (Comisión Corográfica, Dibujos y caricaturas de José Maria Espinosa, Dibujos y caricaturas de Alberto Urdaneta, y Dibujos y caricaturas de Ricardo Rendón), este curso estará mitad del tiempo en el salón de clase y la otra mitad directamente visitando varias Colecciones. Estas visitas incluirán recorridos por otros fondos y colecciones de la Biblioteca Nacional, así como de los laboratorios de restauración y otros procesos. El Seminario organizará salidas a otras colecciones como son las del Museo Colonial, la Colección de Arte del Banco de la República, la Biblioteca Luis Ángel Arango, y el Museo Nacional. Así mismo, el curso contará con invitados especiales que complementarán el curso y su acercamiento al dibujo.

El seminario consistirá en un trabajo de revisión analítica y crítica de obras de videoarte producidas entre los años setenta y ochenta en el país, así como de textos (catálogos, artículos de prensa y artículos teóricos) relacionados con la producción de vídeo en el país y con problemas globales en torno a la abstracción en vídeo, el vídeo performance y la vídeo poesía entre otros. 

El seminario propone un recorrido cronológico-temático, tiene como objetivo establecer bases teóricas y criticas para el estudio del videoarte en Colombia en el periodo indicado. El seminario se apoyará en la Plataforma VARCO.

El conocimiento de los materiales y técnicas de los que están hechos los bienes de patrimonio artístico, es una herramienta fundamental de investigación para la comprensión de la obra de arte, su contexto de producción y su evolución a partir de premisas históricas. En ese sentido, entender la materialidad de las obras de arte, resulta indispensable para el desarrollo de interpretaciones históricas, así como para investigaciones en otras áreas disciplinares  como los estudios de autoría, identificación de falsificaciones, indicadores de datación y estudios de conservación. Desde esta perspectiva, el curso busca brindar a los estudiantes herramientas de investigación de la materialidad de las obras de arte, teniendo en cuenta la necesidad de fomentar la experimentación como una forma de aproximación al conocimiento.

La propuesta académica se ha estructurado a partir de tres ejes que corresponden a talleres de técnicas artísticas (como pintura sobre lienzo, pintura mural y cerámica), laboratorios de ciencia de los materiales y un contenido teórico que enfatice en aspectos metodológicos de la investigación, soportado en la presentación de casos de estudio de bienes de patrimonio artístico colombiano.

Este curso introduce el estudio de los íconos y las narrativas plasmadas en vasijas y objetos de cerámica modelada y pintada, textiles y tallas de piedra, madera y hueso, así como en el arte y arquitectónico de las culturas oriundas de América del Sur. Mediante el contraste de diferentes acercamientos investigativos (estructural, temático, narrativo y proxémico) los estudiantes aprenderán a identificar distintas tradiciones y cánones de representación comunes, a la vez que espacios estructurales y personajes recurrentes en tramas narrativas expresadas en diferentes estilos.

La temática global del seminario para el  semestre 2019/1 es la iconografía prehispánica del agua en los Andes centrales. Informados por los contextos arqueológicos desde los que la arqueología reconstruye las prácticas de producción y uso, los estudiantes ensayarán el estudio comparativo de imágenes y escenas figurativas complejas.

Solo hasta hace pocos años se ha tratado de observar y estudiar en conjunto la pintura suramericana que se produjo después del Concilio de Trento (1545 1563). Algunas exposiciones como La Pintura de los Reinos. Identidades Compartidas celebrada entre 2010 y 2011 en el Museo del Prado de Madrid y sobre todo, algunos congresos organizados en diferentes lugares del mundo en la última década han intentado plantear el Barroco como un fenómeno global. El seminario busca, en primer lugar acercarse a esas diversas aproximaciones que se han dado al Barroco para desembocar en estudios de fenómenos pictóricos particulares a nivel suramericano.

La relación arte y política ha sido recurrente en las discusiones en torno a la construcción del concepto de arte latinoamericano. Este seminario se centrará en esta problemática, abordando el tema de la consolidación de redes intelectuales a partir de discusiones centrales como son: modernidad, nacionalismo, internacionalismo, vanguardias y pensamiento de izquierda. El seminario se ocupará de dos momentos fundamentales en dicha discusión: la década de 1920 a 1930 y de 1960 a 1970.

El objetivo es estudiar el desarrollo del arte moderno en el Cono Sur y discutir lecturas consensuadas para permitir nuevas perspectivas de indagación y líneas investigativas. El recorte geográfico basado en el Cono Sur busca otorgar mayor especificidad al objeto de análisis. Esta consideración permite estudios más dinámicos que los recortes exclusivamente nacionales y más específicos que la visión continental. Con el objetivo de indagar en torno a la construcción de relatos, se buscará analizar específicamente núcleos de articulación histórica clave para desmontar lecturas sólidamente codificadas y habilitar nuevos rumbos de análisis. Por lo tanto, el objetivo es proporcionar instrumentos para abordar el fenómeno del arte moderno en el Cono Sur desde una perspectiva histórica y crítica, que considere las líneas historiográficas que marcaron el estudio del arte en estos países. Dado que el seminario busca promover desarrollos investigativos entre los estudiantes, se propone enfatizar las vinculaciones entre el panorama estudiado y el desarrollo del arte moderno en Colombia como un eje clave para plausibles pesquisas.

La relación arte y política ha sido recurrente en las discusiones en torno a la construcción del concepto de arte latinoamericano. Este seminario se centrará en esta problemática, abordando el tema de la consolidación de redes intelectuales a partir de discusiones centrales como son: arte y política, internacionalismo, pensamiento de izquierda y globalización. El seminario se ocupará de estudiar momentos nodales en el desarrollo de esas redes.

Dada su posición geográfica el Caribe se ha consolidado como un territorio fruto de encuentros y enfrentamientos, estas dinámicas han marcado de manera definitiva su producción cultural. El curso Arte en el Caribe pretende estudiar la producción artística de la zona desde épocas prehispánicas hasta el presente haciendo especial énfasis en la manera como la convergencia de culturas tan diversas como las comunidades Taino, los esclavos africanos, los europeos y los orientales entraron en conversación dando como resultado un rico acervo artístico en el siglo XX. Aunque el curso está dedicado a revisar el arte visual se hará una aproximación multidisciplinar a los problemas planteados teniendo en cuenta otros aspectos como la música y la literatura.

Proponer un espacio de reflexión en torno a la historiografía y la crítica del arte latinoamericana en las décadas de 1960 y 70, introducir algunos de los enfoques que ejercieron una fuerte influencia en las tendencias historiográficas desarrolladas a lo largo del período

Partiendo de los puntos centrales que han caracterizado las propuestas académicas, se analizará cómo fueron progresivamente cuestionadas, qué argumentos se esgrimieron para ponerla en tela de juicio, abriendo paso a la formulación del pensamiento moderno.

Se escogerán para ejemplificar la modernidad tres ciudades de la región: México, Buenos Aires y Sao Paulo y el período elegido se limitará cronológicamente desde fines del siglo XIX hasta la década de 1920.

Dada su posición geográfica el Caribe se ha consolidado como un territorio fruto de encuentros y enfrentamientos, estas dinámicas han marcado de manera definitiva su producción cultural. El curso Arte en el Caribe pretende estudiar la producción artística de la zona en el siglo XX haciendo especial énfasis en la manera como la convergencia de culturas tan diversas como las comunidades Taino, los esclavos africanos, los europeos y los orientales entraron en conversación dando como resultado un rico acervo artístico. Aunque el curso esta dedicado a revisar el arte visual se hará una aproximación multidisciplinar a los problemas planteados teniendo en cuenta otros aspectos como la música y la literatura.

El curso se propone estudiar los criterios curatoriales e historiográficos con que se propusieron la realización de algunas de las exposiciones más significativas del período 1990-2002

En este seminario haremos un estudio comparado de las expresiones del arte renacentista en diferentes lugares del mundo que se caracterizan por ser centros artísticos, económicos y políticos. Entendido como un lenguaje compartido en distintos espacios geográficos entre los siglos XVI-XVII, un “renacimiento global” resalta los intercambios, las conexiones y los paralelos entre ciudades como Tunja, Manila, Acapulco, Sevilla, Yakarta, Lisboa y Nuremberg a través de la evidencia visual y material. Los ejemplos son variados: van desde el caso célebre del rinoceronte enviado desde la India a Manuel I de Portugal (luego enviado como regalo a León X) e imaginado por Durero en una xilografía que resultó en una serie de variaciones que reaparecen como pinturas murales en Tunja, hasta la reutilización de leones esculpidos (probablemente de origen chino) a la manera de imágenes apotropaicas en la fachada de San Francisco en Joao Pessoa, la transposición de modelos arquitectónicos de Europa Central en las misiones jesuitas de Chiloé, y la incorporación de porcelanas chinas en el camarín de la Capilla del Rosario de Santo Domingo en Tunja. Como sugieren estos ejemplos, las relaciones se salen del paradigma binario del Viejo Mundo versus el Nuevo Mundo: se trata más bien de pensar en centros múltiples cuyos puntos de contacto dependen de intercambios materiales y económicos así como de la circulación de grabados. Tampoco se trata de una cuestión estilística en el sentido convencional, sino de cómo las formas se trasladan y se resignifican en contextos nuevos. A través del análisis de obras específicas, nos enfrentaremos a preguntas tanto históricas como teóricas. Las clases se complementan con visitas in situ, de manera que podamos aproximarnos a las obras de primera mano.

Michelangelo Merisi da Caravaggio es un artista estratégico para la historia del arte, no sólo por ser el punto de partida del naturalismo barroco y por su innovación en el género del bodegón, sino por su particular condición socio-cultural, además de su singular biografía. Estudiaremos a Caravaggio en el contexto del arte barroco, a partir de problemas estilísticos, iconográficos y de mecenazgo, y estableceremos comparaciones con otros artistas del siglo XVII. A través de Caravaggio, podremos además explorar preguntas esenciales de corte histórico y metodológico como por ejemplo la escritura monográfica y la biografía como lente; relaciones entre arte y vida; redefiniciones del barroco. A partir del estudio de obras específicas, descubriremos las razones por las cuales Caravaggio sigue siendo uno de los artistas más citados y reinterpretados de la historia del arte, desde los caravaggistas de Utrecht hasta Derek Jarman

Francisco de Goya y Lucientes es considerado un eslabón imprescindible a la hora de estudiar los comienzos del arte moderno español debido a su vinculación con el final del siglo XVIII, así como con los inicios del siglo XIX. Su obra, sus temas, sus técnicas y su vida, todos convergen en este artista para ser estudiados de manera amplia y a su vez profunda para entender los orígenes del arte moderno y sobre todo, la influencia que tuvo este artista sobre otros como Picasso, Dalí, Tàpies, etc. Se estudiará a Goya desde los comienzos de su vida artística como pintor religioso en su Zaragoza natal, pasando por su importante relación de mecenazgo con la corte española, para luego desembocar en algunas de sus producciones más personales como son las series de grabados y las Pinturas Negras. Estudiar a Goya permite trastocar ideas sobre los límites en el arte, tanto de época, como de estilo y de género, así como preguntarse por su lugar y desempeño en el Neoclasicismo y en el Romanticismo español. La amplia bibliografía que existe sobre este artista ejemplifica la multiplicidad de ángulos desde los cuales este artista ha sido ser releído.

La obra de Abraham Moritz Warburg (1866-1929) trasciende la disciplina de la Historia del arte. Su actividad intelectual es compleja y rica en matices. Se podría afirmar que Warburg, más que estudiar el arte, tiene una preocupación constante por entender la naturaleza de la imagen en la historia de Occidente y, por lo tanto, le importa abordarla en todas sus facetas: producción, función, recepción, transmisión. Hoy en día resulta inapropiado abordar la obra del pensador alemán sin tener en cuenta que su trabajo se basa en lo interdisciplinario, en comprender que el arte es un fenómeno más de la cultura visual y que para conocerlo a cabalidad resulta fundamental beber de diversas fuentes:  filosofía, astrología, antropología, religión, entre otras. Esta convicción es la que ha permitido que la figura de Warburg haya resurgido con fuerza en los últimos años y que historiadores del arte contemporáneos de la talla de George Didi-Huberman o David Freedberg reevalúen su legado aportando nuevas luces para su entendimiento.

Bajo esta premisa, el seminario pretende introducir al estudiante en el mundo “warburiano” a partir de tres aspectos: lo que Warburg leyó, lo que Warburg escribió y lo que se ha escrito sobre su obra. Es una metodología que permite no sólo ahondar en su “biografía intelectual”, al estilo de Gombrich, sino concebir el peso de sus ideas y la influencia que siguen ejerciendo en nuestra disciplina.

El curso es un aporte al conocimiento de la cultura del mundo clásico romano a través de las artes plásticas y las arquitecturas tangibles. Desde en las evidencias arqueológicas emblemáticas documentadas en los territorios imperiales, abordaremos los procesos de creación, las técnicas y la significancia social de elementos característicos como el retrato escultórico, el mosaico, los edificios de espectáculos y los monumentos funerarios. También obras de ingeniería consideradas en la actualidad como obras de arte. El curso está dirigido a estudiantes de cualquier disciplina cuyo interés se centre en obtener capacidades para comprender, contextualizar y analizar obras de arte, arquitectura e ingeniería del mundo clásico.

El curso tiene como objetivo analizar momentos cruciales a nivel social y religioso de la cultura de Europa del Este en países como Polonia, Bielorrusia, Lituania y Ucrania durante los períodos comunista  y postcomunista. El objetivo del curso se llevará a cabo por medio de la presentación de obras que ejemplifican los fenómenos característicos de dicha región y que serán comparados con otros procesos tanto de Europa Occidental como de América Latina y Norteamérica.

La discusión alrededor del desarrollo del manga es plural y en ocasiones contradictoria. Este curso parte de la comprensión del manga como un medio japonés heredero de la cultura visual de esta sociedad, y se aproxima a su desarrollo en interacción con la historia y con ideologías dominantes de la modernidad japonesa. Entonces lo entendemos como un producto visual y narrativo que nace en armonía con algunos elementos característicos de la belleza en artes del pasado, mientras se integra a la explosión de creación cultural y artística que se vivió en la posguerra japonesa, motivada por sentimientos de desolación e incertidumbre tanto ante la derrota como ante el desenfrenado crecimiento industrial que la siguió. Es así que en este curso, por un lado, se analizará la construcción y la re-construcción de una estética basada en conceptos de la antigüedad, que se ha enmarcado en momentos específicos de la modernidad y la contemporaneidad, y se ha materializado en géneros narrativos -inclusivos de lo visual- como el manga. Por el otro, se abordará críticamente la pluralidad de narrativas que el manga ofrece, incluyendo aquellas que aparentemente no tienen una conexión con la estética y los discursos dominantes de la sociedad japonesa, las que los problematizan y también las que los perpetúan. De esta forma, a lo largo del curso se estructurarán análisis críticos y visuales de historias de manga a partir de conceptos que componen una estética japonesa y de una perspectiva histórica, principalmente relacionada con las tensiones que suponen los constructos de género y nación en Japón desde hace 150 años.

Este seminario actúa como un espacio para el diseño y desarrollo de una investigación en historia del arte, la cual será defendida al finalizar el semestre frente a un jurado. En el seminario los estudiantes serán guiados en algunas de las fases centrales de una investigación, como la propuesta de una tesis, la conducción de la investigación, las entrevistas, el uso correcto de fuentes y formas de citación, y la presentación de la monografía misma. Si bien el seminario se reunirá cada dos semanas (con algunas excepciones señaladas en el calendario), éste requiere de la participación activa y comprometida de los estudiantes, así como de un trabajo personal motivado y constante.

Se espera que el estudiante trabaje en torno a un tema o pregunta específica y acotada de tal manera que la monografía haga un aporte en cuanto a la perspectiva en torno a ese tema (mas no necesariamente en cuanto a la teoría). A nivel metodológico, el estudiante debe ser capaz de formular un problema de manera clara, hacer uso adecuado de fuentes primarias y/o secundarias, revisar el estado del arte y ser consciente de los métodos utilizados, así como producir un escrito argumentativo en el que se problematice el tema escogido. Este proceso se hará de manera conjunta con otros estudiantes y el profesor encargado del seminario. De forma simultánea, cada estudiante tendrá un asesor individual, según el tema de su investigación, con el que podrá hacer consultas especializadas, es decir que el seminario conjuga dos espacios de trabajo diferentes y simultáneos: 1) el trabajo del estudiante con el coordinador del seminario y con el grupo de estudiantes inscritos y 2) el trabajo individual con su asesor.

El estudiante debe adelantar un curso sobre Historia de la Arquitectura en el programa de Arquitectura.

Curso electivo que adelanta el estudiante en el programa de Arte.

Curso electivo que adelanta el estudiante en el programa de Arte.

Curso electivo que adelanta el estudiante en el programa de Arte.

Curso electivo que adelanta el estudiante en la Facultad de Artes y Humanidades.

Curso electivo que adelanta el estudiante en la Facultad de Ciencias Sociales.

El estudiante debe cursar 6 créditos en Lengua durante su carrera.

El estudiante debe cursar mínimo un curso de taller básico en el área de plásticas o MEAT. Estos cursos pueden ser: Taller básico 1; Taller del tiempo;  Taller de expresión experimental.

El estudiante puede escoger entre adelantar un curso de los ofrecidos por el programa de Historia del Arte para cumplir este requisito como: Historia de la fotografía o un curso en el programa de Arquitectura sobre Historia de la Arquitectura.

Esta área fortalece el estudio de las aproximaciones a la disciplina: pensar y hacer la historia del arte. Los estudiantes deben adelantar 2 cursos en esta área.

Esta área contempla una serie de temporalidades y espacios (no cursos específicos) que permite que el estudiante vea un número básico de cursos en cada área, lo que asegura un conocimiento en geografías y temporalidades: Prehispánico, Arte antiguo y medieval, Modernidad temprana, Modernidad tardía, Arte moderno y contemporáneo. Esto no contempla un orden cronológico en la manera de estudiarse. De los 26 créditos que el estudiante debe cursar en Tiempos y espacios, 10 deben ser en América Latina, 10 en Global y los 6 créditos restantes pueden ser electivos en una de esas dos divisiones geográficas.

Los estudiantes deben adelantar 1 curso en el área de Patrimonio en el programa de Arte.

Esta área fortalece el estudio de las aproximaciones a la disciplina: pensar y hacer la historia del arte. Los estudiantes deben adelantar 2 cursos en esta área.

Está área (8 créditos) incluye cursos que sean transversales tanto en tiempo como en espacio. Su eje principal es un tema o problema de la historia del arte (por ejemplo: representación, mujeres, viajes, religión, política, paisaje, bodegón, abstracción, originalidad, imitación).

Esta área (2 créditos) reconoce que para un historiador del arte es fundamental comprender los materiales con los que están hechas las obras de arte. El estudiante podrá acercarse al estudio de la materialidad de los objetos e imágenes de diferentes períodos y lugares de origen. Así mismo, podrá conocer historias y platear preguntas a través del estudio de los soportes, pigmentos, sustancias orgánicas e inorgánicas, así como los métodos de análisis que serán algunos de los puntos de partida de las reflexiones. 

El estudiante debe adelantar 6 créditos en Seminarios y estos cursos corresponden al ciclo de profundización. Se reconocen con código HART-3XXX

El estudiante puede optar como requisito final de carrera por adelantar una monografía de grado (HART-3994) o realizar una práctica académica profesional con dedicación de medio tiempo y duración semestral (HART-3993)

En este seminario, el estudiante podrá escoger una materia de su interés. Algunas de esas materias son: Genio y figura: construcciones de la figura del artista en los reinos americanos, Paisaje, poder y performance, Exilio y creatividad, Momentos emblemáticos del arte chino, 

El estudiante debe adelantar 4 cursos de seminario.