2000

Este curso recorre la historia del grabado y sus propiedades como medio, así como su impacto sobre la definición del arte en Occidente. Al ocuparse de un medio considerado tradicionalmente como una de las ‘artes menores’, este curso propone una historia donde se enfatizan artistas y aspectos que generalmente quedan por fuera de las narrativas tradicionales del arte. Se parte de la premisa de que el grabado es un medio cuyas condiciones materiales (liviandad, reproductibilidad, economía) permitieron un espacio de exploración artística que resultó revolucionario en la conceptualización de la originalidad y del estatus moderno del artista, así como en la aparición de temáticas que no podían darse en obras de gran formato, tales como ciertas imágenes eróticas y políticas. 

Los temas abordados incluyen: la relación entre el original y la copia; las nociones de invención e imitación; la transición del manuscrito a la imprenta; el grabado como objeto estético; la reproducción de obras; las relaciones entre dibujo y grabado; las xilografías Ukiyo-e; el monotipo impresionista; la litografía y el afiche; xilografía y expresionismo; libros de artista; la gráfica en América Latina. Se hará especial énfasis en artistas que han trabajado el medio de manera innovadora: Mantegna, Schongauer, Durero, Rembrandt, Piranesi, Goya, Cassatt, Toulouse-Lautrec, Kollwitz, Warhol, entre otros. El seminario se complementa con visitas a talleres y colecciones de grabado en museos y bibliotecas de la ciudad.

Museos, colecciones e Historia del arte es un curso de investigación que se realizará a partir de la exposición Estado del Arte: Pintura en tiempos de desamortización que tendrá lugar en el Instituto Caro y Cuervo desde el 24 de agosto hasta el 3 de diciembre del 2017 en asocio con el Semillero de la Imagen Colonial del Departamento de Historia del arte de la Universidad de los Andes. La exposición está pensada como un laboratorio para que el estudiante se enfrente a problemas puntuales de investigación relacionados con obras pictóricas del arte colombiano del siglo XIX, que en buena parte son desconocidas. Durante el curso se trabajará a partir de problemas relacionados con datación y autoría de retratos y pinturas de carácter religioso y con la indagación sobre contextos históricos locales relacionados con la Exclaustración de las comunidades religiosas y la Desamortización de Bienes de Manos muertas, con el oficio del pintor y su relación con entornos profanos y sagrados de producción. El estudiante deberá desarrollar investigaciones puntuales que lo obligarán a profundizar sobre conocimientos históricos precisos y a realizar trabajo con documentación primaria y secundaria relacionada con la temática propuesta.

Durante el curso, el estudiante podrá involucrarse activamente en el funcionamiento interno de una exposición, donde las actividades de la clase buscarán contribuir en el buen desarrollo de la muestra y la interacción con los públicos visitantes.

El “primitivismo” y el arte “primitivo” han jugado un papel crucial en la historia y desarrollo del arte moderno en Europa, Estados Unidos y América Latina. Por primitivismo se entiende el interés y aproximación al llamado arte primitivo que incluye el arte tradicional y autóctono de los aborígenes de África, Oceanía, Centro, Norte y Sur América primordialmente. Este curso se ocupa de examinar las diversas maneras en que los artistas occidentales enmarcados dentro del modernismo de finales del siglo XIX y la primera mitad del siglo XX se aproximaron al concepto de primitivismo y manifestaron su interés por el arte primitivo. De este modo, se estudiarán tanto las teorías del primitivismo como las manifestaciones del mismo en las obras de arte de los artistas modernos. El curso busca promover la reflexión acerca de las relaciones entre modernismo y primitivismo, y la manera en que la reactivación del pasado primitivo jugó un papel primordial entre los artistas modernistas y de vanguardia en diferentes geografías del mundo occidental. Además de esto, el curso busca también cuestionar y problematizar los conceptos mismos de primitivismo y primitivo y su uso por parte de artistas modernos, ya que éstos están íntimamente ligados a la historia del colonialismo, el racismo y las desigualdades económicas entre lo que se ha llamado el Primer y Tercer mundo.

Las manifestaciones rupestres son testimonio de la historia de la humanidad desde hace más de 40.000 años. Su despliegue como vehículo de expresión constituye un fenómeno cultural amplio, complejo y diverso, desde las llanuras escandinavas y las cuevas y abrigos del cantábrico, hasta los desiertos de Namibia, a lo largo de la Ruta de la Seda y en el Outback australiano, así como en toda América.

Este curso introduce sus diferentes características formales, los soportes, las técnicas y las temáticas, así como las metodologías para su estudio desde la arqueología, la etnología y el análisis del paisaje, así como algunas de las principales corrientes interpretativas. Su punto de partida son algunas de las estaciones con arte rupestre más destacadas del mundo. Tras conocer ejemplos de cuatro continentes el curso enfoca la materialidad del arte rupestre de América del Sur a escalas que van desde el estudio microscópico de pigmentos hasta el análisis de asociaciones a nivel de paisajes. Ejemplos incluyen arte pintado por las primeras poblaciones andinas, las tradiciones amazónicas, del trópico atlántico seco del Brasil y la Patagonia, pasando por los geoglifos del Pacífico andino y los campos de petroglifos asociados al tránsito caravanero de los Andes del Sur, hasta la iconoclastia y el arte rupestre de la cristianización forzosa. 

Desde principios del siglo XX, con el advenimiento de las vanguardias, la relación entre las esferas del arte y la política se ha transformado profundamente. En este curso exploraremos los vínculos particulares que se establecieron y se siguen estableciendo hasta el día de hoy a partir de cuatro dimensiones particulares: la denuncia, la censura, el compromiso y el activismo. Estudiaremos obras e iniciativas puntuales en condiciones geopolíticas particulares como son Latinoamérica y Oriente para entender los alcances e implicaciones de la producción artística moderna y contemporánea.

Este curso estudia el paisaje en el arte occidental como un género que se construye desde el Renacimiento hasta nuestros días, entendiendo en esa larga historia, que la representación del entorno natural existe como tópico desde la Antigüedad Clásica. El paisaje como forma cultural cambiante refleja la manera como el hombre se ha relacionado con la naturaleza. Artistas de múltiples tiempos y geografías han buscado entender con diferentes medios, y respondiendo a diferentes momentos, el fluctuante vínculo entre las imágenes, la representación y el medio ambiente. En este curso se hará un recorrido del tema del paisaje en Occidente desde la pintura mural romana hasta algunas manifestaciones del arte contemporáneo.

El arte que se produce en Colombia y en diversos países de América latina desde mediados del siglo XX y comienzos del XXI, mira el pasado no como un mero referente de lo que aconteció, ni como una simple actitud recordatoria. Los artistas proponen unas obras en las que se busca comprender y sensibilizar en torno al funcionamiento de la sociedad en que viven. Evocan, rescatan y recontextualizan la forma como los diferentes conflictos que se produjeron se fueron filtrando en la memoria, reconstruyendo una realidad compleja que permite múltiples lecturas.

Trascender la muerte para hacer perdurar en el tiempo la memoria de un individuo o colectividad es un afán compartido por sociedades complejas de todo el mundo. Las formas de expresión materiales y performativas desarrolladas para ello con frecuencia incluyen las obras de arquitectura más monumentales, los artefactos más elaborados y las más grandes ceremonias. Estos objetos y sus restos materiales ofrecen múltiples posibilidades para estudiar la historia a escalas que van desde los objetos individuales hasta los paisajes culturales.

Este curso introduce al estudio del arte y la arquitectura mortuoria desde la arqueología. Inicialmente enfoca las teorías contemporáneas en torno a la materialización de la memoria, para luego enfocar y contrastar las trayectorias históricas de su desarrollo en el Meditarráneo y en Suramérica.

Usado por los egipcios en un contexto fúnebre y desarrollado por los romanos como una forma de preservar la memoria y el recuerdo de sus familiares, el retrato –entendido como la representación de un individuo específico, por lo general haciendo énfasis en su rostro u otras marcas que lo identifican de forma única y particular— ha sido uno de los géneros centrales de la historia del arte occidental. En la modernidad temprana, el retrato se convirtió en una expresión de la individualidad, así como del estatus social e intelectual de las personas; de ahí que los artistas empezaron a experimentar con el autorretrato como una forma de explorar su identidad artística. Del latín retractare, retratar –el hecho de evocar la presencia de una persona o cosa por media de una imagen—es uno de los gestos humanos más esenciales y complejos a la vez. Así, el retrato, por su capacidad de captar la esencia de un ser individual y mantenerlo vivo en nuestros recuerdos, nos invita a reflexionar sobre la relación entre semejanza, presencia, ausencia, identidad y memoria. Al mismo tiempo, el retrato se ha ocupado de otorgarle un rostro a figuras fundamentales del imaginario colectivo, que pueden ir desde la imagen sacra de Cristo y de la Virgen hasta la construcción de héroes y heroínas idealizadas como Simón Bolívar y Policarpa Salavarrieta, entre otros. En este curso exploraremos las funciones del retrato a lo largo de la historia, pero también nos sensibilizaremos frente a las cuestiones relacionadas con la identidad que nos afectan en nuestra cotidianidad: con las nuevas tecnologías digitales no solo estamos permanentemente rodeados de retratos y de “selfies”, sino que los producimos de manera constante. El acto de retratar forma parte fundamental de nuestra cultura visual, pero no siempre se ha considerado su relevancia y, sobre todo, su conexión con una tradición artística de larga data.

 

Este curso reúne una serie de charlas, conferencistas, ejercicios y visitas que plantean al estudiante pensar la historia de una técnica y de un material en su contexto histórico. Si bien no es un curso de práctica donde el estudiante aprenda a pintar con la técnica de la acuarela, si presenta al estudiante la historia de esta técnica, entendiendo su importancia en diferentes época, coyunturas históricas y artistas específicos. Desde las implicaciones que tiene un material de secado rápido que toca los límites entre el dibujo y la pintura, hasta su relación con Oriente, sus funciones como técnica de ilustración y miniatura, su rol en la construcción del género del paisaje inglés y su participación en procesos de configuración del arte abstracto, la acuarela es una técnica que tiende a estudiarse como menor, pero que es responsable de momentos imprescindibles de la Historia del Arte.

El curso se propone examinar la relación arte- ciudad en el arte contemporáneo, destacando la relación ciudad como escenario, ciudad como experiencia, analizando la multiplicidad de aproximaciones que se han planteado para la apropiación e intervención del espacio urbano.

El énfasis estará puesto en el estudio de casos de América Latina.

Esta clase es una exploración de lo falso, lo espurio, lo inauténtico a través de la historia: cráneos de cristal; las aguatintas que Galileo hizo de cuerpos celestes; fósiles parlantes. Utilizando casos tomados del arte, la arqueología, la ciencia y otros dominios de la experiencia humana, estudiaremos las diferentes condiciones culturales, políticas, estéticas, científicas, etc. que le han permitido a alguien decidir que un artefacto material no es lo que parece ser, sino otra cosa. ¿Cuándo se han hecho falsificaciones y con que propósito? ¿Quiénes las han hecho y quiénes han querido detectarlas? ¿Qué lleva a alguien a querer no sólo dibujar como Rembrandt sino incluso a vestirse como él? ¿Qué tienen que ver el detectivismo y las huellas digitales con el estudio de las herramientas prehistóricas o la ciencia material? Los estudiantes que completen esta clase habrán estudiado en detalle decenas de falsificaciones antiguas y modernas y diferentes aproximaciones teóricas, metodológicas, y técnicas al estudio de lo falso.

Asumiendo que la memoria es uno de los elementos que incide en la construcción de la imagen artística y puede ser mirada desde dos perspectivas: una más personal y subjetiva, referida a los recuerdos y otra más colectiva que proporciona información sobre el contexto, se analizarán obras que permiten ejemplificar tales situaciones en el campo artístico en tres instancias cronológicas: siglo XVIII, siglo XIX y siglo XX. Los cambios que se producen en la estructura política, social, económica y cultural generan diversas respuestas que permiten enfatizar cómo se propone la transmisión de la memoria. 

El conocimiento de los materiales y técnicas de los que están hechos los bienes de patrimonio artístico, es una herramienta fundamental de investigación para la comprensión de la obra de arte, su contexto de producción y su trayectoria a lo largo del tiempo.

En ese sentido, entender la materialidad de las obras de arte, resulta indispensable para el desarrollo de interpretaciones históricas, pero también como complemento de los análisis visuales de la imagen, así como para investigaciones en otras áreas disciplinares  como los estudios de autoría, identificación de falsificaciones, indicadores de datación y estudios de conservación.

Las pinturas en muchos casos son entendidas como objetos bidimensionales en los que se olvida la materia como soporte de la imagen, en tanto telas, maderas y muros, bases de preparación y capas pictóricas, son fundamentales para la comprensión de lo que se ve. Por otro lado, solamente a través del acercamiento integral a la materialidad y su estudio, es posible hacer visibles dimensiones adicionales de la imagen como el tiempo: los distintos momentos en la elaboración de un objeto o sus momentos posteriores de transformación.

Ante este panorama el curso busca brindar a los estudiantes una caja de herramientas para la investigación de la materialidad de las obras de arte, teniendo en cuenta la necesidad de fomentar la práctica, como una forma de aproximación al conocimiento.

El resultado en el uso de las herramientas de estudio de la materialidad de las obras de arte, requiere necesariamente fortalecer los procesos de documentación y registro de las obras, por lo que, la documentación técnica de colecciones será parte integral del curso.

La propuesta académica se ha estructurado a partir de laboratorios, prácticas con objetos reales y visitas a colecciones que alimentan los contenidos teóricos, al igual que los aspectos metodológicos de la investigación para el estudio de bienes de patrimonio artístico desde una perspectiva histórica.

Este curso temático propone una discusión de los objetos y la cultura material desde una visión global y multicultural que resalte los intercambios que llevaron a su conformación y cuestione los esencialismos sobre los que tantas veces se ha construido el discurso desde la disciplina de la historia del arte. A partir de estudios de caso que seguirán un orden cronológico y geográfico amplio, se replanteará la idea la globalización como un fenómeno moderno, utilizando objetos y piezas de arte que revelan antiguos contactos y préstamos en
términos de materiales, técnicas, temas y motivos, asociando su construcción a diferentes espacios y distintos grupos humanos.

Los primeros intercambios a grandes distancias giran alrededor de alimentos y especias, pero también de adornos y objetos exóticos que soportan la autoridad de los nacientes reinos. Estos empiezan a circular durante el segundo milenio antes de Cristo en las rutas que conectan las primeras ciudades en China, Mesopotamia y Egipto. Eventualmente se abrirán otras rutas en el Mediterráneo y entre Europa y el Oriente, con la Ruta de la Seda como una de las más conocidas de este periodo. La llegada a América y a India impulsa nuevos trayectos por el Atlántico y el Pacífico, pero en estos territorios ya existían intercambios que abarcaban cientos de kilómetros en tiempos pre coloniales. Finalmente, los itinerarios comerciales que tienen lugar en la era de las colonias van a llevar a una explosión de objetos artísticos que recorren el mundo y constituyen ejemplos de profundas hibridaciones culturales que se pueden apreciar también en las obras de arte de principios del siglo XX y hasta la actualidad. Estos contactos, motivados en principio por intereses económicos, conllevaron a la creación de rutas para adquirir objetos foráneos manufacturados de gran valor; produciendo a su vez nuevos temas y técnicas mixtas que reflejan dichas interacciones y producen nuevas formas de entender el pasado y las obras de arte.

Este curso recorre la historia del grabado y sus propiedades como medio, así como su impacto sobre la definición del arte en Occidente. Al ocuparse de un medio considerado tradicionalmente como un “arte menor”, este curso enfatiza artistas y aspectos que generalmente quedan por fuera de las narrativas tradicionales del arte. Parte de la premisa de que el grabado es un medio cuyas condiciones materiales (liviandad, reproductibilidad, economía) permitieron un espacio de exploración artística; este revolucionó la forma de entender la originalidad y el estatus moderno del artista. Por estas razones, el grabado permitió la aparición de temas que no podían darse en obras de gran formato, como por ejemplo ciertas imágenes eróticas y políticas. 

Los temas abordados incluyen: la relación entre el original y la copia; las nociones de invención e imitación; la transición del manuscrito a la imprenta; el grabado como objeto estético; la reproducción de obras; las relaciones entre dibujo y grabado; las xilografías Ukiyo-e; el monotipo impresionista; la litografía y el afiche; xilografía y expresionismo; libros de artista; la gráfica en América Latina. Se hará especial énfasis en artistas que han trabajado el medio de manera innovadora: Mantegna, Schongauer, Durero, Rembrandt, Piranesi, Goya, Cassatt, Toulouse-Lautrec, Kollwitz, Warhol, entre otros. El curso se complementa con visitas a talleres y colecciones de grabado en museos y bibliotecas de la ciudad.

Existen múltiples maneras de aproximarse a la obra artística. Una de ellas es desde los mismos códigos de creación del resultado plástico. Otra es desde los intereses y perfiles de quien desea establecer un vínculo con la obra misma (públicos, visitantes, ciudadanos). Una tercera es a través de las formas de mediación directa o indirecta que se han elaborado en el ámbito de los espacios que albergan y exhiben producción artística. El curso presentará entonces una breve historia y panorama de implementación de estas tres variables en las que el ver se constituye tanto en un vaso comunicante entre las tres, así como plataforma de activación de esa apropiación sensible e interpretativa.

No es una exageración afirmar que la comida ha estructurado la experiencia de vida de los seres humanos desde la antigüedad hasta nuestros tiempos, y por esa razón, también ha jugado un papel preponderante sus manifestaciones artísticas. La comida ha sido protagonista, motivo simbólico e incluso materia prima para el arte. Desde representaciones tan antiguas como las tabletas mesopotámicas que registran inventarios de comida, pasando por las pinturas de banquetes en la edad media, bodegones y últimas cenas durante el Renacimiento, la aparición de bares y restaurantes en el siglo XIX, hasta manifestaciones contemporáneas como las famosas latas de sopa Campbell de Andy Warhol o la escultura monumental de una esfinge con cabeza de mujer negra hecha en azúcar por Kara Walker, la comida ha estado presente prácticamente en toda la historia del arte. A través del análisis de obras de arte específicas y con el apoyo de una serie de recursos como lecturas, podcasts, videos y otras imágenes, los estudiantes analizarán el simbolismo de los alimentos en las representaciones artísticas, los estereotipos raciales y económicos que
se formaron a partir del cultivo de ciertos productos, las relaciones imperiales establecidas a partir de la necesidad de satisfacer el gusto por alimentos provenientes de otras latitudes, las
representaciones de la producción alimenticia y el trabajo que se cultivó detrás de ellas, así como cuestiones de género relacionadas con el consumo y producción de la comida.

A lo largo de la historia del arte, los creadores han buscado observar y representar muchos fenómenos producidos tanto por los seres humanos como por la naturaleza. Además de este ejercicio de miradas al entorno, otra de las tareas creativas ha buscado traducir en sus obras muchas de las emociones que configuran y animan la personalidad y el comportamiento de individuos y colectividades. Por lo anterior, este curso pretende concentrarse en dos fenómenos que buscan dar explicación a las emociones humanas: la teoría hipocrática de los humores o de las emociones que identificó cuatro grandes campos de estudio: el ser flemático, sanguíneo, colérico y melancólico. Así mismo identificar algunos aspectos de la denominada teoría de los afectos, muy común en el período barroco, la cual buscó no sólo representar por medios sonoros algunas de esas emociones humanas, sino provocarlas en los oyentes y espectadores.

This course proposes an introductory, thematic and critical approach to 19th-century art in the United States. Students will study topics like the construction of the American landscape and ideas of national identity, gender and race through individual artists,contexts, works of art and a preliminary approach to visual culture. By looking at specific examples and case-studies of portraiture, history painting, genre painting, expansion to the West, the Civil War, the Philadelphia Centennial Exhibition, amongst others, students will learn about art produced in this territory during a long 19th-century that begins with the American Revolution and ends with Impressionism and the Gilded Age.

Uno de los cambio más radicales en la historia del arte occidental fue la aparición del arte abstracto a comienzos del siglo XX. Hacia 1913, diferentes artistas empezaron a experimentar con lenguajes pictóricos y escultóricos no objetivos, es decir, lenguajes en los que la obra no establece ninguna relación directa o indirecta con los objetos de la realidad. Por el contrario, estas obras de arte consisten, por ejemplo, en pinturas de manchas de color o simples cuadros monocromáticos que no representan ninguna figura o evento claro tomado de la vida real. Qué significan estas piezas, aparentemente vacías de contenido? Qué puede decirnos un cuandro negro sobre fondo blanco? Por qué las manchas o rayones de Kandinsky o Pollock valen más que las que hace un niño de 2 años? Cuál es el valor histórico de estas obras de arte? A través de un recorrido por la historia del arte abstracto en el siglo XX, este curso espera ofrecer respuestas a estas preguntas. Para tal fin, se analizarán en detalle tanto las obras de arte como los textos escritos por los defensores de la abstracción. De este modo, se analizarán, por un lado, las innovaciones técnicas y los recursos formales y materiales propuestos por los diferentes artistas y, por otro lado, las teorías que soportan o justifican la utilización de tales recursos.

El curso se propone señalar algunas de las características de la formulación del pensamiento moderno en la historia del arte colombiano.

El período escogido se delimitó entre fines del siglo XIX y tres primeras décadas del siglo XX.

El curso ofrece una aproximación revisión detenida de varios fenómenos del arte o relacionados con el arte entre los años cincuenta y setenta a nivel global, que transformaron las prácticas artísticas y que siguen alimentando los discursos y las reflexiones critica e históricas sobre el arte de los últimos setenta años. En particular, como lo sugiere el título ‘De la tierra al concepto’, el curso discutirá un abanico de fenómenos que problematizando el medio y la idea moderna de una especificidad del medio, van desde cuestiones ligadas a la tierra, lo telúrico y el cuerpo, hasta aquellas vinculadas de manera expresa al lenguaje, lo científico y lo conceptual. Los estudiantes se familiarizarán dichos fenómenos y estarán en la capacidad de interpretar críticamente algunos de las obras y fuentes primarias, y dar cuenta de algunos de retos que han propuesto para la historia contemporánea del arte. Entenderán y podrán explicar algunos de los más importantes argumentos empleados en la crítica e historia para responder a dichos retos, y  evidenciarán sus capacidades y conocimientos mediante textos analíticos y argumentativos.

Como bien indican el teórico del cine y escritor francés Raymond Bellour, la crítica e historiadora de arte norteamericana Rosalind Krauss, y el artista y escritor alemán Peter Weibel entre muchos otros, el vídeo apareció en los años sesenta y transformó de manera radical las prácticas artísticas, los espacios expositivos, la crítica de arte y del cine, y las dinámicas de consumo, recepción y legitimación del arte y del cine en el siglo XX. Este curso propone un recorrido cronológico y temático por hitos y problemas clave en la aparición de un medio mutante que siendo inicialmente analógico y magnético-eléctrico, y posteriormente digital y numérico, ha generado una complicación de los órdenes de la imagen y de los medios, y ha forzado la expansión del arte contemporáneo.

Uno de los elementos característicos del modernismo artístico a lo largo del siglo XX ha sido el cuestionamiento de la naturaleza misma de la obra de arte. Uno de los pilares de este cuestionamiento se ha centrado en la búsqueda de nuevos materiales para la creación artística: desde el collage del Cubismo pasando por los materiales industriales del Constructivismo hasta el uso de basura y del cuerpo humano, los artistas del siglo XX han cuestionado los límites de la obra de arte y su materialidad. Este curso examina la introducción de nuevos materiales en el arte del siglo XX y analiza sus implicaciones históricas, teóricas y sociales. El eje será el estudio del uso de materiales no-artísticos dentro de la obra de arte. El curso estudiará casos concretos de artistas, grupos, movimientos y obras que introducen nuevos materiales en el arte del siglo XX como el Cubismo, el Dadaísmo y el Constructivismo ruso en los primeros años del siglo hasta llegar a aproximaciones más contemporáneas después de la Segunda Guerra Mundial como el assemblage, el Arte Povera y el Land Art.

El curso, que adoptará un formato mixto de clase magistral y seminario, hará una revisión cronológica del desarrollo de prácticas artísticas-teatrales actualmente recogidas bajo el nombre de ‘performance’ o performancia, ‘arte acción’ y ‘acción plástica’ desarrolladas durante el siglo XX. Si bien estas fluidas categorías no emergieron sino hasta la segunda mitad de siglo, nos detendremos en prácticas relacionadas con el dada, el futurismo, el nuevo teatro y el teatro experimental, a fin de identificar preguntas, acciones precursoras y problemas que han nutrido prácticas y reflexiones posteriores en el happening, la danza experimental, el accionismo vienés, el performance en vínculo con la fotografía, el cine y los nuevos medios, el ‘body art’, y el performance de raza y de género.

“Amo locamente todo lo que de una forma aventurada rompe
con el hilo del pensamiento discursivo y repentinamente
enciende una luz iluminando una serie de relaciones para ver
el mundo de otra manera. “
André Breton

El curso pretende hacer una revisión de Dada y el Surrealismo como movimientos de vanguardia que transformaron la forma de aproximarse al arte y al mundo. Se exploraran sus propuestas en diferentes campos de expresión a partir de la historia, la teoría y la práctica.

Artistas contemporáneos incluyen, con frecuencia, aparentes contradicciones formales y conceptuales como parte determinante de su lenguaje plástico. Estas contradicciones invitan a los espectadores a buscar formas de solventarlas en su esfuerzo por dar sentido a lo que experimentan al interactuar con las obras. Como planteamiento central de este curso se propone que estas aparentes contradicciones o paradojas no son solo un recurso que utilizan los artistas, sino que además las paradojas son puestas de manifiesto como claves de la realidad misma a la que cada artista alude. En un diálogo entre artistas internacionales y nacionales se analizarán y discutirán obras específicas estudiando en ellas aparentes contradicciones significativas, transversales al arte actual, como las siguientes: la presencia de lo siniestro en el espacio doméstico y social, y en objetos inertes; la inter-dependencia entre palabra e imagen en obras visuales; el presente cuestionado por la pervivencia del pasado; lo virtual y lo espectral como formas de presencia; la necesidad y complementariedad entre el instante y la duración en la creación de paisajes naturales.

 

Este curso examina los diversos movimientos artísticos que se gestan a partir de la segunda posguerra hasta la década del ochenta del siglo XX. Si bien los relatos hegemónicos leen este periodo como uno centrado en el arte de los Estados Unidos, este curso busca poner en diálogo los movimientos establecidos en América Latina con aquellos más conocidos gestados en el norte del continente. De esta manera, se explorará este periodo a través de una serie de contrapuntos y mediante la idea de diálogo. En el curso se examinarán los movimientos que nacen después de la emergencia del Expresionismo Abstracto como el Pop, el Neo-dada, el Minimalismo, el Conceptualismo, los happenings, el Land art, entre otros, en diálogo con lo que pasaba en América Latina rompiendo e irrumpiendo en muchos casos con las descripciones de estos movimientos establecidas hasta hoy.

Uno de los cambios más radicales en la historia del arte occidental fue la aparición del arte abstracto a comienzos del siglo XX. Hacia 1913, diferentes artistas empezaron a experimentar con lenguajes pictóricos y escultóricos no-objetivos, es decir, lenguajes en los que la obra no establece ninguna relación directa con los objetos de la realidad. Por el contrario, estas obras de arte consisten, por ejemplo, en pinturas de manchas de color o simples cuadrados monocromáticos que no representan ninguna figura o evento claro tomado de la vida real. ¿Qué significan estas piezas aparentemente vacías de contenido? ¿Qué puede decirnos un simple cuadrado negro sobre fondo blanco? ¿Por qué las manchas y rayones de Kandinsky o Pollock valen más que las que hace un niño de 2 años? ¿Cuál es el valor histórico de estas obras de arte? A través de un recorrido por la historia del arte abstracto en el siglo XX, este curso espera ofrecer respuestas a estas preguntas. Para tal fin, se analizarán en detalle tanto las obras de arte como algunos de los textos escritos por los defensores de la abstracción. 

La primera parte del curso girará en torno a la aparición de las primeras manifestaciones artísticas abstractas entre 1910-1920. Se estudiarán en detalle algunos casos concretos como por ejemplo el de Af Klint, Kandinsky, Malevich y Mondrian. También se estudiará el legado inmediato de estos pioneros de la abstracción en el período entre las dos guerras mundiales y su carácter utópico. Algunos casos de estudio incluyen los grupos del Constructivismo ruso, la Escuela de La Bauhaus y el Universalismo Constructivismo. La segunda parte del curso se ocupará del desarrollo del arte abstracto después de la Segunda Guerra Mundial. Analizaremos el surgimiento del Expresionismo abstracto y el Nuevo Clasicismo en Nueva York; el Tachismo y la abstracción geométrica en París; el Concretismo en América Latina en ciudades como Sao Paulo, Rio de Janeiro, Buenos Aires y Montevideo; el Cinetismo en Caracas y los Neo-clásicos en Bogotá; y finalmente nos ocuparemos también de los desarrollos del informalismo en América Latina, en particular los desarrollos en Venezuela, Colombia y Brasil.

En este curso se estudiarán los cambios dramáticos que llevaron a la consolidación de lo que hoy entendemos como Arte Moderno. Se reflexionará sobre lo que significaba ser moderno a principios del siglo XX y las diversas respuestas de los artistas ante las revoluciones sociales y tecnológicas que trajo esta condición. A partir de obras y propuestas de artistas y poetas de las vanguardias artísticas europeas será posible dilucidar la relación ambigua de deseo y temor frente a la modernidad y explorar ideas sobre el individuo y su relación con el mundo en expansión de principios de siglo.

Este curso examina las relaciones complejas y, a veces, problemáticas entre los conceptos de abstracción y realidad en el arte abstracto. Se examinará el significado de conceptos como abstracción, no-figuración, no-objetividad, concretismo, entre otros, en la historia del arte abstracto y se problematizará dichas nociones a partir de su relación con conceptos complejos de lo que significa la realidad. El curso examina la historia de este lenguaje en el arte con un énfasis en las manifestaciones producidas después de 1945, pero revisando también los fenómenos propios de la primera mitad del siglo XX. El curso parte de un enfoque global y transnacional a la historia del arte abstracto, así como desde una perspectiva de género partiendo del ejemplo central de artistas mujeres. 

El curso ofrece una introducción a problemas fundamentales de la teoría del arte a partir del análisis detallado de cuatro grupos de problemas. A través de la discusión de textos filosóficos y teóricos, los asistentes se familiarizarán con algunas estrategias conceptuales y argumentativas que juegan un papel importante en discusiones contemporáneas en torno a las características, posibilidades y limitaciones de las prácticas artísticas y sus productos. Los cuatro grupos de problemas a discutir estarán estructurados en torno a grupos básicos cuyo dominio permitirá a los estudiantes abordar el análisis de obras o prácticas artísticas concretas a la luz de estrategias teóricas propias.

Este curso tiene como objetivo principal realizar una introducción a los estudios visuales como metodología critica de aproximación a la cultura visual. Se hará especial énfasis tanto en la construcción visual de lo social como en la construcción social de la visión; es decir, en la construcción dialéctica de la cultura visual y en la producción de significados culturales a través de la visualidad. Paralelamente se realizará una reflexión sobre la(s) epistemología(s) de lo visual y las posibilidades de producción de conocimiento desde lo visual. A lo largo del curso se destacaran los siguientes temas de análisis e investigación: Las relaciones entre historia del arte y estudios visuales, las posibilidades políticas y de interpretación que ofrecen los estudios visuales para el estudio de las prácticas artísticas, la función social y política del arte en la vida social, como por ejemplo, en vínculos entre academia y sociedad, entre otros; y por último, las prácticas estéticas como formas de crítica cultural donde la teoría, la investigación y las prácticas artísticas y culturales coexisten y se elaboran conjuntamente.

El curso proporciona a los estudiantes bases, tanto  teóricas como de  ejercitación práctica, que les aporten herramientas para abordar las problemáticas que están implícitas en la construcción del discurso histórico sobre el arte. Está concebido como una actividad teórico-práctica en torno al tema de archivos y fuentes para la escritura de la Historia del arte.

El patrimonio cultural cada vez más se consolida como un campo de conocimiento marcado por diferentes problemáticas y tensiones que parten de su definición y que involucra diferentes actores, comunidades e intereses que lo definen. Desde esta perspectiva, el curso pretende introducir al estudiante en las definiciones generales de lo que constituye a nivel internacional y nacional el patrimonio cultural, haciendo especial énfasis en el patrimonio artístico, así como brindar herramientas que le permitan entender las implicaciones y dificultades que tiene el estudio de este tipo de obras y manifestaciones teniendo en cuenta el papel que juega la mirada del historiador del arte como especialista.

Este curso de investigación (curso tipo PI) busca introducir al estudiante a la práctica curatorial, a la ve que apoyar el proyecto Catálogo Razonado de las Colecciones de Arte de la Universidad de los Andes (publicación prevista en 2018). En asocio con el Semillero de Investigación Interdisciplinar Laboratorio de Arte y Arqueología Andina (L3A) se prevé un laboratorio en el que el estudiante realizará al final del curso una muestra museográfica (Sala de Exhibición Gb 205). Para lograr este propósito los estudiantes se enfrentarán a una gama de retos de curaduría: desde el inventario, registro y alojamiento de piezas en la colección de reserva, hasta la investigación de obras, pasando por el su registro gráfico (dibujo, fotografía y fotogrametría), la producción de fichas técnicas, la redacción y edición de textos curatoriales y la mise en place. Con base en piezas inéditas de las colecciones arqueológicas y etnográficas que la universidad custodia se trabajará sobre temas relacionados con la procedencia, datación y atribución estilística, las tecnologías e iconografía prehispánica y la arqueomusicología, entre otros.

Los créditos por investigación forman parte del área de Teoría y Métodos, están pensados para ser cursados durante el ciclo intermedio y tienen un valor de 3 créditos. La idea de estos créditos es que el estudiante tenga la oportunidad de trabajar de la mano de un profesor del programa de Historia del Arte en un proyecto específico de investigación, en un semillero o en un proyecto que el estudiante proponga en historia del arte. Por cuestiones administrativas del Banner, el curso aparece con el nombre de un solo profesor, esto no significa que los estudiantes que quieran tomar estos créditos deban trabajar con ese mismo profesor. El profesor del curso sí debe mantenerse informado del rendimiento del estudiante por parte del profesor asesor para cumplir con las fechas de notas establecidas por el calendario académico.

Se trata de un curso teórico-práctica que busca que el estudiante reflexione y trabaje directamente con archivos y fuentes para la construcción de la Historia del arte. De esta manera, la observación, la lectura, la reflexión, la interpretación y la escritura de textos son componentes fundamentales en el trabajo dentro y fuera de clase. En esta ocasión trabajaremos de la mano con el BADAC y con algunos de sus fondos, la idea es que, en grupos, los estudiantes puedan tener acceso a un trabajo práctico con estos archivos y puedan abordar problemas puntuales que el Banco de Archivos Digitales tiene actualmente con ellos.

Este curso de investigación (tipo PI) introduce al estudiante a la práctica curatorial a nivel teórico y práctico. En asocio con el Semillero de Investigación Laboratorio de Arte y Arqueología Andina (L3A) se prevé un laboratorio de docencia en el que los estudiantes apoyarán la realización de una muestra museográfica. Se trata de desarrollar conjuntamente un guion museográfico para una muestra presencial en la Sala de Exhibición Gb 205 con un componente virtual.

Para lograr los objetivos de aprendizaje los estudiantes se enfrentarán a una gama de retos de curaduría: desde el registro y la revisión de inventarios y documentación de piezas para el desarrollo de colecciones así como la investigación de procedencia, determinación estilística y temporalidad arqueológica, hasta la producción de fichas técnicas, la redacción y edición de textos curatoriales y el desarrollo de una propuesta curatorial para abordar una temática específica dentro del proyecto museográfico mayor. El montaje de la muestra dependerá de eventuales medidas de bioseguridad.

Para lograr estos propósitos los estudiantes se enfrentarán a una gama de retos de curaduría: desde el registro y la revisión de inventarios y documentación de piezas para el desarrollo de colecciones y la investigación de procedencia y determinación estilística y temporalidad, hasta la producción de fichas técnicas, la redacción y edición de textos curatoriales y el desarrollo de una propuesta curatorial para abordar una temática específica dentro de un proyecto museográfico mayor.

Apoyados en lecturas interdisciplinares se espera fomentar una actitud reflexiva sobre la museología y el trabajo de curaduría y, con ello, dar paso a discusiones sobre las implicaciones sociales y políticas de la curaduría del pasado.

 

La materialidad del pasado es una fuente clave de información para el estudio de la arqueología del pasado profundo, prehispánico y colonial, así como para la arqueología del pasado reciente, republicano y contemporáneo. Por una parte el desarrollo de las formas de expresión simbólica es inseparable del desarrollo de estilos técnicos y tecnologías históricamente contingentes. Por otra parte, la transformación y el movimiento de materias primas, objetos e ideas van de la mano con procesos de significación y re-significación, muchos de los cuales se hayan inscritos materialmente en los objetos de maneras complejas. El curso busca acercar al estudiante al estudio de la producción histórica de significados y valores y las biografías de objetos desde el análisis de objetos, los materiales y las técnicas utilizadas para su producción así como la identificación de huellas de uso sobre material lítico y cerámica.

 

Para introducir los acercamientos al estudio de cadenas operativas y la historia de vida de los objetos, así como las técnicas analíticas contemporáneas para la caracterización de diferentes materiales y la identificación de procesos de producción, desplazamiento y uso el curso alterna clases magistrales, enfocadas en discusiones en torno a los estudios de la materialidad y la tecnología prehispánica con sesiones de taller prácticas con materiales arqueológicos del fondo museográfico de la universidad y visitas a museos.

Las metodologías de estudio de las imágenes dentro de la Historia del Arte se han desarrollado a la par de la disciplina, pasando de la descripción e identificación de elementos compositivos a
la clasificación de temas, íconos, símbolos y alegorías y sus significados en su contexto de producción y uso. De la misma manera, ha intentado interpretar las transformaciones de temas iconográficos a través del tiempo a la luz de los cambios históricos y sociales, haciendo uso de diferentes fuentes y de un enfoque interdisciplinar. Los métodos de análisis iconográfico e iconológico, si bien apuntan a analizar diferentes aspectos del objeto o imagen en cuestión, son complementarios y es este uso transversal el que será enfatizado en el curso. El estudiante aprenderá cómo fueron desarrolladas estas metodologías, los diferentes enfoques que estas han tenido de la mano de distintos autores y su aplicación en la práctica.

Este curso será una oportunidad para que los historiadores del arte se acerquen a los conceptos fundamentales de la estética moderna, que se articularon entre mediados del siglo XVIII y mediados del siglo XIX, conceptos que serán claves para toda la reflexión posterior sobre el arte, la representación, la creación artística y la modernidad. Se estudiarán dichos conceptos a partir de los autores clásicos que contribuyeron al giro estético del siglo XVIII (Hume, Baumgarten, Burke, Kant, Schiller, Hegel). En las últimas sesiones nos interesa particularmente indagar en el problema de la representación y el valor del arte, que comienza a configurar la necesidad de superar el arte mimético, algo que las vanguardias históricas de principios del siglo XX asumirán como una de sus tareas centrales.

El curso pretende hacer una visión de Dada y el Surrealismo como movimientos de vanguardia que transformaron la forma de aproximarse al arte y al mundo. Se exploran sus propuestas en diferentes campos de la expresión.

Este curso del área de Teoría del programa de Historia del Arte, ofrece una revisión juiciosa de las propuestas de reflexiones de orden filosófico que han fungido como referentes fundamentales para algunas de las más importantes discusiones en la Estética contemporánea. Los estudiantes se familiarizarán y estudiarán algunos de los problemas en torno a la relación entre arte y cuerpo, arte y espacio, arte y la tecnología, arte y política. Estarán en la capacidad de interpretar los textos discutidos y comprender algunas tensiones y modos de problematización del arte como fenómeno corporal, existencial y político. Entenderán y podrán explicar algunos de los más importantes argumentos en la reflexión filosófica sobre la práctica artística contemporánea. Los estudiantes darán cuenta de estas capacidades mediante textos reflexivos y argumentativos.

Este curso gira en torno a la que es considerada como la pregunta fundacional de la teoría y la crítica del arte feminista que Linda Nochlin formuló en 1971 y que cuestionó la ausencia de la mujer artista en el campo de la historia del arte. ¿Por qué no ha habido grandes mujeres artistas?, fue y es la pregunta que nos gustaría abordar a propósito de nuestro propio contexto y en relación con la historia del arte en Colombia.

Para resolver dicho cuestionamiento, este curso se estructura en tres bloques: el primero que nos permite ubicar la problemática en el contexto europeo y anglosajón de los años setenta para luego incursionar en su impacto y desarrollo en el contexto latinoamericano y colombiano. Un segundo bloque considera el surgimiento, uso y revisión de las categorías género y análisis crítico del discurso, como herramientas de análisis que permiten orientar los estudios sobre la mujer en el campo del arte. Un último bloque nos permite revisar el tema a la luz de ejemplos concretos en un contexto sobretodo nacional.

Se espera que el estudiante, además de identificar las formas en como el discurso hegemónico de la historia del arte ha omitido la presencia de la mujer, se enfrente a una lectura contemporánea que de alguna u otra forma, adopta los conceptos y categorías propuestos para arrojar luz a un tema que ha permanecido en la oscuridad. Si bien dichas categorías no constituyen la totalidad de herramientas que ofrecen salidas a la problemática central planteada, lo que si buscan es que el estudiante evidencie la posibilidad de entrelazar, creativamente, conceptos y metodologías para el futuro desarrollo de su propia investigación como historiador del arte.

La obra de Abraham Moritz Warburg (1866-1929) trasciende la disciplina de la Historia del arte. Su actividad intelectual es compleja y rica en matices. Se podría afirmar que Warburg, más que estudiar el arte, tiene una preocupación constante por entender la naturaleza de la imagen en la historia de Occidente y, por lo tanto, le importa abordarla en todas sus facetas: producción, función, recepción, transmisión. Hoy en día resulta inapropiado abordar la obra del pensador alemán sin tener en cuenta que su trabajo se basa en lo interdisciplinario, en comprender que el arte es un fenómeno más de la cultura visual y que para conocerlo a cabalidad resulta fundamental beber de diversas fuentes: filosofía, psicología, astrología, antropología, lingüística, religión, entre otras. Esta convicción es la que ha permitido que la figura de Warburg haya resurgido con fuerza en los últimos años y que historiadores del arte de la talla de George Didi-Huberman o David Freedberg reevalúen su legado aportando nuevas luces para su entendimiento.

Este curso se ocupa de examinar la teoría del arte formalista desde sus inicios con la estética de Kant a finales del siglo XVIII hasta el período de la segunda posguerra en 1960. El curso parte de la lectura y análisis cuidadoso de la figura central en el Formalismo de la segunda mitad del siglo XX, el crítico de arte estadounidense Clement Greenberg. De allí haremos un viaje por la historia de esta corriente estética y teórica, trazando los orígenes desde el filósofo alemán Immanuel Kant hasta desarrollos más contemporáneos en el siglo XX. Dicho recorrido nos permitirá comprender la teoría formalista desde una perspectiva histórica y ubicar la genealogía que llevó a las formulaciones clásicas del formalismo de Greenberg. Estudiaremos la Crítica del juicio de Kant y su teoría estética en torno al concepto de lo bello; pasaremos por la teoría del crítico alemán Konrad Fiedler a finales del siglo XIX; continuaremos con las teorías de los críticos británicos del grupo de Bloosmbury Roger Fry y Clive Bell; para movernos a las formulaciones del formalismo en la Historiografía del arte con Heinrich Wölfflin; y llegar al contexto de Estados Unidos antes y después de la Segunda Guerra Mundial con figuras como Herbert Read y finalmente el crítico de arte Michael Fried como heredero de las teorías de Greenberg. Finalizaremos el curso con una mirada a las repercusiones del formalismo en la crítica del arte latinoamericano.

Informar sobre propuestas críticas e historiográficas en América Latina durante la segunda mitad del siglo XX. A través de aproximaciones al conocimiento de algunos de los enfoques centrales de la historiografía y crítica del arte latinoamericano al iniciarse la segunda mitad del siglo XX se explicaran los nuevos enfoque manejados en las últimas décadas.

Promover un espacio de reflexión y conceptualización en torno a los distintos recursos de que se dispone al diseñar una propuesta investigativa, buscando que el estudiante analice algunos de los medios con que cuenta en su campo disciplinar.

Desde la llegada de los peninsulares a lo que ellos llamaron las Indias Occidentales, se empezó a configurar un pensamiento en torno a las artes previas a la conquista y a aquellas que empezaron a colonizar el territorio americano. Aquellos hombres tradujeron lo que se encontraron según retóricas visuales sofisticadas, pero a menudo simplistas que respondían a sus contextos impregnados por la medievalidad y el Renacimiento. Así, a menudo los objetos encontrados fueron interpretados según las lógicas de la imagen cristiana y con ello clasificados como falsos y malos. Algo semejante acometieron aquellos que pensaron el arte del pasado en el siglo XIX, tras las independencias, en general desde México hasta Chile prevaleció el interés por las producciones identificables y equiparables con las producciones europeas, dejando de lado un patrimonio enorme producido por la diversidad social que entonces componía la América recién liberada. Esos patrimonios fueron en su mayoría invisibilizados y a menudo despreciados. El siglo XX, a menudo acompañado con la creación de espacios académicos y de coleccionismo oficial, trajo consigo nuevas conciencias, discursos, puntos de partida y la obsesión de pensar el arte de los territorios desde México hasta Chile, incluyendo Brasil y el Caribe hermanadamente. Desde la adopción del formalismo a comienzos del siglo XX hasta las más recientes aproximaciones decoloniales e interculturales se ha buscado generar aparatos críticos independientes y propios que permitan establecer discursos para este amplísimo territorio. Obviamente, surgen preguntas desde la base misma de las nociones que manejamos o que encontramos en la literatura, por ejemplo, ¿qué podemos abarcar ante el concepto de arte latinoamericano?, ¿Cómo, desde cuándo y desde dónde se ha pensado y escrito sobre el arte latinoamericano? A partir de la revisión de diversos autores latinoamericanos, abordaremos éstas y otras preguntas durante este curso que busca ser una introducción a complejos y extensos discursos históricos en torno al Arte de América Latina.

Las sociedades actuales se enfrentan a una serie de cambios vertiginosos y angustiantes. Muchos de estos cambios llevan consigo procesos de deshumanización impulsados por la robotización, la inteligencia artificial y la digitalización de muchas disciplinas o quehaceres; la tendencia hacia corrientes políticas de vigilancia y control de las libertades; la amenaza del planeta a causa del cambio climático, el incremento sustancial de la población, el aumento de la expectativa de vida y el uso irresponsable de los recursos naturales; entre otros. Ante esta realidad, el humanismo de corte antropocéntrico, renacentista e ilustrado parece haber entrado en estado de coma, pues no responde de manera adecuada a todos estos cambios. Sin embargo, y contrario a lo que se plantea en algunos sectores y corrientes intelectuales, hoy en día las humanidades son más necesarias que nunca para afrontar los desafíos propios del siglo XXI. Es momento de repensar nuestro lugar en las sociedades contemporáneas, en el planeta que habitamos y en un futuro incierto que apunta a la creación de mundos físicos, mentales y artificiales insospechados. Los nuevos retos implican “nuevos humanismos”, a saber: ecohumanismo, humanismo global y planetario, posthumanismo, transhumanismo y humanidades digitales.

En este curso se pretende abordar esta problemática a partir de tres rutas: 1). Una posición crítica frente al humanismo renacentista e ilustrado; 2). Un panorama general que permita conocer los “nuevos humanismos”; 3). Una reflexión ética sobre la posibilidad de que los “nuevos humanismos” se conviertan en una ruta pedagógica para formar ciudadanos que sepan afrontar los desafíos del siglo XXI y auspicien un futuro prometedor para la humanidad. Después de ocho semanas esperamos poder responder la siguiente pregunta: ¿De qué manera los “nuevos humanismos” aportan a la formación integral de los individuos y hacen frente a los procesos de deshumanización del siglo XXI?

Se trata de una breve historia crítica de algunos procesos artísticos en Colombia durante el siglo XIX, a partir de algunos problemas concretos de interpretación (el paisaje, el retrato y otras manifestaciones de cultura visual) y un énfasis sobre la experiencia en directo con las obras de arte. El curso se configura como una serie de clases magistrales en el que se presenta el material visual y el contexto histórico, junto con sesiones donde se desarrollan actividades de clase, tales como discusiones de las lecturas y análisis de imágenes específicas. En este sentido, el curso tiene un fuerte componente participativo, y está pensado como una exploración conjunta de problemas de interpretación. Un componente esencial del curso es la experiencia con obras de primera mano, de tal manera que, parte del trabajo del estudiante consiste en visitar algunos museos de Bogotá.

Obras de artistas colombianos contemporáneos comparten, no obstante su gran diversidad, características claves tales como su literalidad, el uso de metáforas y su ambigüedad. En el curso, a modo de estudios de caso, se busca analizar y comparar obras específicas y discutir sus aportes plásticos y humanos; adicionalmente, definir si las características que comparten hacen parte de una tendencia no sólo nacional sino también internacional, evaluando las posibles causas e implicaciones de ésta. Paralelamente se analizarán y discutirán críticamente otros conceptos significativos que contribuyan a iluminar estas y otras obras propuestas por los participantes. 

Algunas de las preguntas guía son las siguientes:

- ¿Cuándo empiezan artistas como Juan Manuel Echavarría, María Elvira Escallón, Juan Fernando Herrán, Doris Salcedo, Óscar Muñoz, Miguel Ángel Rojas y Clemencia Echeverri entre otros, a usar los elementos arriba mencionados en sus obras?
- ¿Qué puede explicar esa decisión?
- ¿Está relacionada con un contexto social, cultural o político específico?
- ¿Qué implicaciones tiene?
- ¿Qué otros artistas recurren a ella?
- ¿Se podría hablar de una tendencia internacional reciente?
- ¿Qué otros conceptos son iluminadores para la comprensión e interpretación de obras contemporáneas?

El curso se propone señalar algunas de las características de la formulación del pensamiento moderno en la historia del arte colombiano. El período escogido se delimitó entre fines del siglo XIX y tres primeras décadas del siglo XX.

La selva Amazónica constituye actualmente el área de bosque húmedo más grande del planeta Tierra, con cerca de 550 millones de hectáreas y atravesando un total de 9 países. Esta región amplia y diversa ha sido habitada por grupos humanos desde al menos hace 11.000 años, convirtiéndose en agentes fundamentales para la conformación de este territorio. A lo largo de ocho semanas los estudiantes podrán estudiar la historia del poblamiento de esta región y los avances que desde la arqueología se han realizado en los últimos años sobre algunas de las manifestaciones culturales y artísticas que caracterizan a los grupos indígenas que antiguamente ocuparon esta zona, como el arte rupestre y la cerámica, y los menos conocidos campos elevados, megalitos y geoglifos. Igualmente abordaremos la representación que se hecho de la región y sus habitantes por cronistas y viajeros desde el encuentro con el Viejo Mundo y como esto se ha traducido en el cine y la literatura. Finalmente, incluiremos estudios y colecciones etnográficas, obras de arte y curadurías acerca del Amazonas producidas por artesanos y artistas indígenas y foráneos dentro del arte moderno y contemporáneo para abordar su lugar en el discurso del arte y la arqueología actual. El conocimiento de esta área y sus gentes desde un punto de vista histórico y crítico pretende sentar las bases para reconocer el valor ambiental y cultural de esta región y su relevancia en el contexto de conservación, deforestación y el futuro de las poblaciones amazónicas.

Se trata de un curso teórico-práctica que busca que el estudiante reflexione y trabaje directamente con archivos y fuentes para la construcción de la Historia del arte. De esta manera, la observación, la lectura, la reflexión, la interpretación y la escritura de textos son componentes fundamentales en el trabajo dentro y fuera de clase. En esta ocasión trabajaremos de la mano con el BADAC y con algunos de sus fondos, la idea es que, en grupos, los estudiantes puedan tener acceso a un trabajo práctico con estos archivos y puedan abordar problemas puntuales que el Banco de Archivos Digitales tiene actualmente con ellos.

El curso es un aporte al conocimiento general, profundizado a través del estudio de casos particulares, del arte producido por los pueblos indígenas de América. Abordaremos los procesos de creación, las técnicas y la significancia social de las artes plásticas, además de prestar especial atención a la iconografía que se plasma en los diferentes objetos y que nos hablan de la cosmovisión de los pueblos.  

Identidad y estética serán conceptos que analizaremos en las obras realizadas en diferentes soportes de los grupos indígenas seleccionados, reconociendo así los significados tangibles e intangibles asociados a los mismos.

Por su durabilidad y ubicuidad la cerámica es una de las fuentes de información más importantes sobre el pasado de la humanidad. Desde el estudio de fragmentos en contextos arqueológicos hasta la apreciación artística de piezas individuales, la cerámica ha sido desplegada como marcador cronológico, indicador social o, incluso, como rasgo evolutivo. Las preguntas en torno a la relación entre tecnología, forma, función, por una parte, y entre la tecnología, el estilo, significado y valor de objetos cerámicos, por otra parte, emanan de marcos conceptuales distintos, dando lugar a un amplio espectro de métodos, cualitativos y cuantitativos, para el estudio de las sociedades autóctonas americanas.

Este curso introduce el estudio de la cerámica arqueológica desde dos ángulos principales. Los análisis de su materialidad, mediante mediciones y procedimientos físico-químicos sobre arcillas, desgrasantes, hornos y combustibles, así como su registro y catalogación, constituyen el eje de la primera parte del curso. Los estudios de su simbolismo, incluyendo los análisis de estilo e iconografía del pasado prehispánico, tanto como las representaciones de este pasado en el presente, constituyen la segunda parte de este curso. El marco conceptual lo proveen los estudios sobre la tecnología, entendida como un hecho social con conjuga lo material (techné) con lo simbólicos (logos)

La metodología del curso incluye clases magistrales, presentaciones temáticas, investigación es individuales y en grupo, así como visitas a galerías y talleres de arte cerámico contemporáneo y a algunas de las colecciones de cerámica prehispánica más importantes del país.

Sólo hasta hace pocos años algunos especialistas han tratado de observar y estudiar en conjunto la pintura suramericana que se produjo después del Concilio de Trento (1545-1563) como un fenómeno global y paralelo que posee puntos de contacto, pero también amplias diferencias. 

El curso buscará en primer lugar acercarse a aproximaciones que se han dado recientemente a la pintura suramericana de los siglos XVI al XVIII para desembocar en el estudio de fenómenos locales. En especial, se busca que el estudiante se familiarice a través del análisis de obras y documentos con procesos pictóricos y con la obra de algunos artistas activos durante el siglo XVI al XVIII en diferentes centros de producción del antiguo Virreinato del Perú, como fueron Santafé de Bogotá, Quito, Cusco, Lima y Potosí.

El estudio de lo que hoy llamamos arte colonial en el continente americano tuvo su inicio en el siglo XIX y ha contado con diferentes momentos de auge durante el siglo XX y especialmente en la actualidad, de tal manera que la comprensión que podamos tener de él está mediada por lo que estos estudios nos presentan. Teniendo como referente esta historiografía, el curso buscará que los estudiantes adquieran un conocimiento general de problemáticas particulares especialmente sobre las artes visuales importadas y producidas en los reinos americanos, especialmente el Nuevo Reino de Granada, desde el siglo XVI hasta finales del siglo XVIII. Esto se hará a través del estudio particular de problemas, obras, artistas y fenómenos propios del periodo y la región.

El curso no seguirá una cronología lineal, sino que a través de casos y problemas específicos se busca que el estudiante se acerque a la diversidad conceptual e histórica que ofrece el periodo colonial.

El curso busca que los estudiantes operen de forma crítica una cierta bibliografía y unos ejemplos particulares que le permitirán manejar un conocimiento general de lo que se conoce como arte colonial.

Se busca aproximar al estudiante a la manera cómo se ha construido la memoria histórica relacionada con figuras canónicas del arte activas durante los siglos XVII y XVIII en la América española y portuguesa. En este contexto, se revisarán entre otras figuras a Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos para el Nuevo Reino de Granada, Miguel de Santiago para la Audiencia de Quito, Diego Quispe Tito en Cusco, Melchor Pérez Holguín para la Audiencia de Charcas, Miguel Cabrera para la Nueva España y Francisco Antonio Lisboa –Aleijadinho– para el actual territorio minero en Brasil.

En el curso se analizarán los contextos de producción de tales relatos y cómo estos personajes y sus historias biográficas se convirtieron en bastiones de proyectos políticos y en referentes dentro de la identidad nacional de los diferentes países. En este sentido, se reflexionará sobre formas de escritura de la historia del arte como son el género biográfico y las monografías de artistas y cómo estos géneros fueron incorporando nuevos modelos teóricos y metodológicos como el formalismo, la historia social del arte y los análisis iconográficos, entre otros.

El estudio de lo que hoy llamamos arte colonial neogranadino tuvo su inicio a mediados del siglo XIX y ha contado con diferentes momentos de auge durante el siglo XX y especialmente en la actualidad, de tal manera que la comprensión que podamos tener de él está mediada por lo que estos estudios nos presentan. Teniendo como referente esta historiografía, el curso buscará que los estudiantes adquieran un conocimiento general de problemáticas relacionadas al arte plástico colonial neogranadino desde el siglo XVI a fines del siglo XVIII a través del estudio particular de obras, artistas y fenómenos propios del periodo. Se propone que el estudiante opere de forma crítica una cierta bibliografía y unos ejemplos particulares que le permitirán manejar un conocimiento general de lo que se conoce como arte colonial neogranadino y de su historiografía.

El curso Arte en América Latina siglo XIX propone, primero que todo, una comprensión de la construcción historiográfica del término América Latina, y a partir de ahí, estudiará diferentes momentos que surgieron en el arte a lo largo del siglo XIX en países como Argentina, Chile, Ecuador, Colombia, Brasil y México entre otros. Este recorrido hará énfasis en los aspectos estéticos, filosóficos y artísticos que se pueden pensar como momentos paralelos y coyunturales en las diferentes naciones modernas. La manera en la que el curso se construye no es cronológica, sino por temas semanales que se estudiarán combinando geografías y décadas, que permitan una comprensión más amplia e incluyente de un siglo y de un término complejo que debe revisarse desde nuestra contemporaneidad.

Problematizar los conceptos de Modernidad, Vanguardia y Nacionalismo a la luz de  los textos aparecidos en publicaciones periódicas de las décadas del 20 y comienzos del 30. La materia prima con la que se trabajará son los escritos polémicos que aportan publicaciones como Revista de avance, Martín Fierro, Universidad, Amauta, La Pluma, entre otras.

Analizar  los cambios que se producen en el tratamiento de la figura en algunos países de América Latina, desde la segunda postguerra hasta la década del 70.

Dada su posición geográfica el Caribe se ha consolidado como un territorio fruto de encuentros y enfrentamientos, estas dinámicas han marcado de manera definitiva su producción cultural. El curso Arte en el Caribe pretende estudiar la producción artística de la zona en el largo siglo XX haciendo especial énfasis en la manera como la convergencia de culturas tan diversas como las tradiciones culturales Taino y Caribe africana, europea y oriental entraron en conversación dando como resultado un rico acervo artístico. Aunque el curso está dedicado a revisar el arte visual se hará una aproximación multidisciplinar a los problemas planteados teniendo en cuenta otros aspectos como la música y la literatura.

Ofrecer a los estudiantes una base tanto histórica, como ideológica y artística, que les procuren herramientas para interiorizarse en las peculiares características que tuvo la estructuración del pensamiento moderno en el arte de los tres países a comienzos del siglo XX.

El curso propone analizar algunas de las manifestaciones del arte de América Latina, durante el período comprendido entre 1940-2000, Proporcionar a los estudiantes bases, tanto históricas como del pensamiento artístico, que le aporten herramientas para abordar problemáticas, obras y artistas significativos del arte moderno y contemporáneo de América Latina.

El curso es un aporte al conocimiento de las culturas preclásicas occidentales a través de las artes plásticas y la arquitectura. Desde en las evidencias arqueológicas emblemáticas documentadas en los territorios del viejo mundo, abordaremos los procesos de creación, las técnicas y la significancia social de elementos característicos como la pintura, la escultura, la arquitectura monumental y los monumentos funerarios. También obras de ingeniería consideradas en la actualidad como obras de arte. El curso está dirigido a estudiantes de cualquier disciplina cuyo interés se centre en obtener capacidades para comprender, contextualizar y analizar obras de arte, de las culturas preclásicas del Viejo Mundo Occidental y Oriente Próximo.

El curso estudia las manifestaciones artísticas (arquitectura, escultura y pintura) que se dieron durante el Imperio Bizantino (395-1453) centrando la atención en el examen de sus dimensiones estéticas e ideológicas y explorando problemas de carácter historiográfico. Por la complejidad y amplitud de la época, se propone un recorrido tanto diacrónico como sincrónico ofreciendo un panorama amplio del periodo en donde se considere el intercambio cultural como un elemento eje en la creación de nuevas formas y contenidos artísticos.

El diseño del curso está pensado para que los estudiantes tengan un amplio conocimiento de obras y estilos, pero, sobre todo, para que identifiquen temas y problemas que los conlleven a afrontar el estudio del arte bizantino desde una dimensión investigativa.

El curso es un aporte al conocimiento de las grandes civilizaciones de la antigüedad del occidente y el próximo oriente, a través de las artes plásticas y la arquitectura. Desde las evidencias arqueológicas emblemáticas documentadas en los territorios donde florecieron, abordaremos los procesos de creación, las técnicas y la significancia social de elementos característicos como la pintura, la escultura, la arquitectura monumental y los monumentos funerarios. Para comprender plenamente las obras de arte abordaremos su estudio desde las perspectivas histórica y artística.

El curso está dirigido a estudiantes de cualquier disciplina cuyo interés se centre en obtener capacidades para comprender, contextualizar y analizar obras de arte, de grandes civilizaciones del Próximo Oriente y Occidente Mediterráneo 

El curso estudia las manifestaciones artísticas que se dieron en Europa durante los siglos XIII a XV, el denominado periodo “Gótico”. Centraremos nuestra atención en dos puntos centrales: 1). El análisis e interpretación de las dimensiones estéticas e ideológicas a partir de objetos específicos. 2). La exploración y acercamiento crítico a la construcción historiográfica del periodo denominado “Edad Media”. Para cumplir con el primer punto, se propone un recorrido tanto diacrónico como sincrónico ofreciendo un panorama amplio del periodo en donde se considere el intercambio cultural como un elemento eje en la creación de nuevas formas y contenidos artísticos. Con respecto al segundo punto, se abordarán textos historiográficos que abordan el discurso histórico desde una perspectiva crítica. 

El diseño del curso está pensado para que los estudiantes tengan un amplio conocimiento de las manifestaciones artísticas, pero, sobre todo, para que identifiquen temas y problemas que los conlleven a afrontar el estudio del arte gótico desde una dimensión investigativa.

El curso propone un recorrido cronológico por la historia del arte español a través de obras, artistas y temas puntuales. Hace énfasis en los contextos históricos y geográficos de la producción artística de la Península ibérica. Partiendo del arte de las cavernas, el curso inicia en el arte prehistórico pasando por la producción de escultura y cerámica de tártaros, fenicios, griegos, íberos y celtas, teniendo en cuentas las diversas funciones del arte y sus sistemas de mecenazgo y la transformación de los espacios expositivos con la creación del museo. Así mismo, dedica unas clases a la producción de la Edad Media, profundizando en el Siglo de Oro español, conociendo a Goya y sus influencias en los siglo XIX y XX hasta la España contemporánea.

El curso estudia el concepto del Barroco a partir de las manifestaciones artísticas (arquitectura, escultura y pintura) que se dieron durante los siglos XVII y XVIII en diversos centros culturales de Europa. La idea es reflexionar en la manera cómo se configuran categorías que determinan dimensiones estéticas e ideológicas y que, por lo tanto, trascienden la simple periodización histórica. La aproximación al objeto de estudio comprenderá dos vías complementarias de análisis: interpretación de los fenómenos artísticos a partir de contextos de producción específicos y exploración de problemas de carácter historiográfico. En este sentido, se pretende que el estudiante adquiera una posición crítica frente a los métodos que han utilizado los historiadores para caracterizar estilos, escuelas y periodos.

El curso estudia el desarrollo histórico de la pintura española del Siglo de Oro centrando la atención no sólo en los artistas y obras fundamentales, sino también en los contextos de producción pictórica. Las pinturas serán estudiadas a la luz de tres temas y discusiones de carácter historiográfico: 1). Las dinámicas de producción, distribución y recepción de las obras; 2). El rol de la Iglesia y la Corona como principales agentes de mecenazgo y control social y 3). Los géneros pictóricos.

En este curso estudiaremos el desarrollo del arte renacentista en Italia (1300-1600), entendiendo las diferencias entre contextos políticos particulares y apreciando la multiplicidad de estilos que convivían en las distintas regiones. Abordaremos algunos de los artistas más conocidos–desde Giotto hasta Ticiano y Miguel Ángel, pasando por Donatello, Masaccio, Pisanello, Botticelli, Giorgione, Rafael y Leonardo—pero también nos enfocaremos en el funcionamiento de los talleres, las motivaciones de los mecenas, el ámbito humanista y cortesano, el rol de las mujeres en las artes, el desarrollo de técnicas innovadoras y géneros novedosos como por ejemplo el retrato, el desnudo mitológico, la pintura al fresco y la pintura al óleo, entre otros. También nos acercaremos a los debates teóricos en torno a la definición del arte como actividad intelectual y a la comparación entre medios a través del paragone. Estudiaremos algunos conceptos fundamentales que incluyen el disegno, la inventio, y la imitatio. Las clases se alternarán entre presentaciones sobre las obras y discusiones de fuentes primarias, que incluyen los escritos de Cennino Cennini, Leon Battista Alberti y Giorgio Vasari, entre otros. Por último, exploraremos el Renacimiento por fuera de Italia, siguiendo los viajes de algunos artistas, como por ejemplo Angelino Medoro, en otras regiones de Europa así como en América Latina. 

El curso de Historia del Arte europeo del siglo XIX propone un recorrido por el siglo partiendo de sus antecedentes a finales del siglo XVIII hasta su influencia en el siglo XX. El recorrido hace énfasis en los procesos estéticos, filosóficos y artísticos que ejercen la Revolución Francesa y los demás eventos políticos y filosóficos en el arte del siglo XIX. Partiendo del regreso al mundo clásico evidente en el Neoclasisismo, pasando por el alma de libertad y búsqueda del Romanticismo, el curso se concentra en elementos visuales que son un importante legado del arte en la época. Así mismo, el curso busca trabajar temas como son el viaje, los bocetos, los cuadernos, los apuntes y la influencia de la literatura en los artistas del momento. De la misma manera, se hace un profundo recorrido por los movimientos que cultivaron el nacimiento de un modelo como tal, Realismo, Impresionismo y Simbolismo, que permiten al estudiante entender el salto que da el arte hacia las Vanguardias del siglo XX.

Si bien la invención de la fotografía definió una nueva forma de entender el mundo desde un punto de vista supuestamente racional y objetivo, su descubrimiento también estuvo ligado a otras tecnologías que masificaron, modificaron y determinaron las formas de ver que se gestan en el siglo XIX. En este curso se estudiarán estas nuevas tecnologías de la visión y las formas en las que éstas condicionaron una nueva estructura social, bajo la premisa de que las formas de ver tienen consecuencias directas sobre nuestro comportamiento y las manera de aproximarnos al mundo que nos rodea. En el curso se estudiarán algunos de los aparatos de visión que aparecen a lo largo del siglo XIX como el dioramara, el panorama, el estereoscopio, las linternas mágicas, el zoopraxiscopio, la fotografía y el cine, entre muchos otros. Estos aparatos nos permitirán explorar las experiencias sociales, psicológicas y de poder que se derivan de ellas. Analizaremos además obras de arte producidas en este periodo a la luz de estas tecnologías.

El curso de Historia del Arte europeo del siglo XVIII propone un recorrido por este siglo partiendo de sus antecedentes a finales del siglo XVII hasta su influencia en el siglo XIX. El recorrido hace énfasis en los aspectos estéticos, filosóficos y artísticos que ejercen desde las grandes monarquías europeas hasta la Revolución Francesa y sus consecuencias. Partiendo del Rococó y pasando por el regreso al mundo clásico evidente en el Neoclasicismo, el curso se concentra en elementos visuales que son un importante legado del arte de la época. Así mismo, el curso busca trabajar temas como son el viaje, el gusto, las ruinas, la estética, el Museo y la construcción de las naciones modernas. De la misma manera, se hace un profundo recorrido por los movimientos que cultivaron el nacimiento de un arte moderno como tal, Clasicismo, Rococó y Neoclasicismo. La manera en la que el curso se construye no es cronológica, sino por grandes temas semanales que se estudiarán combinando geografías y décadas, que permitan una comprensión más amplia e incluyente de un siglo muy complejo.

 

Este curso se ocupa de los cambios dramáticos que llevaron a la consolidación de lo que hoy entendemos como arte moderno, con un especial énfasis en el concepto de vanguardias. Se estudiarán manifestaciones y fenómenos artísticos desde mediados del siglo XIX hasta mediados del siglo XX que cuestionaron y reformularon conceptos tradicionales del arte como la representación, el ilusionismo, la originalidad, la expresividad, entre otros. Para tal fin se examinarán tanto las obras de arte como los textos o manifiestos escritos por los diferentes grupos activos en la época. De este modo, se analizarán, por un lado, las innovaciones técnicas y los recursos formales y materiales propuestos por los diferentes grupos, y por otro lado, las teorías que soportan o justifican la utilización de tales recursos.

Aunque el curso se centra en movimientos de vanguardia canónicos desarrollados principalmente en Europa, a través de ejercicios de indagación e investigación autónoma de los estudiantes se propone desafiar y cuestionar este modelo al incluir otras regiones del mundo—principalmente América Latina. Además de esto, el curso enfatiza en los contextos sociales, políticos y económicos en los que se produce el arte moderno y reconstruye algunos eventos y momentos históricos relevantes para su historia.

La descentralización de las narrativas eurocéntricas y la multiculturalidad han permeado las escenas del arte contemporáneo a partir de la década de los años noventa. Hoy los espectadores del arte —coleccionistas, galeristas, críticos  e historiadores— encuentran un gran atractivo en las obras de artistas asiáticos, latinoamericanos y africanos. Dicha tendencia se ha manifestado en los estudios de la historia del arte, principalmente en el nivel técnico, sin embargo, estos cambios en el pensum educativo y los temas de investigación no se han diseminado más allá de las fronteras  de Europa y los Estados Unidos. Por lo general, la estructura institucional de la educacó6n de la historia del arte en Asia, América Latina, África y Oceanía no se ha ocupado en estudiar los contextos históricos y sociales del arte que tiene lugar fuera de Estados Unidos y de Europa. En América Latina, hasta la fecha han sido muy pocas las instituciones que ofrecen especializaciones en arte o cultura  de Asia Oriental. En ese sentido, este curso intenta promover en Colombia

The art of the ancient Americas arguably provides the most important window into the history of its original peoples. This history has become material in myriads of objects created over 15.000 years of precolonial human occupation and has opened to systematic inquiry from the complementary perspectives of archaeology, anthropology and history of art as well as, more recently, material sciences and technology studies. Such research provides important keys for informed interpretation and more truthful understandings and readings of “material texts”.

 

This course will provide a panorama of the main artistic traditions and styles that developed across South America. It will address a broad range of media: from rock art, sculptures and buildings in the landscape to the carvings and friezes in stone and adobe set in architecture on the one hand, to bodily modification and painting, music and dance as well as objects fashioned from clay, stone, wood, shell and metals, on the other hand. The course seeks to provide a regional, spatial, temporal and ecological framework and offer tools for contextual analysis, as well as lay out principal current debates, with an emphasis on the material outputs of complex societies of the Andes. A practical with ceramic pieces from the university study collection is envisaged.

 

In the first term of 2020, this course also aims to help students develop and improve their communication skills in English. Students will learn key strategies for effective presentation, argumentation, discussion and academic writing, and practice them throughout course activities. Students’ communication performance will be evaluated and translated into part of the final grades. If necessary, the accompanying English teacher can provide assistance to students who have weaknesses in their English language skills. The working language for this course is English.

Las construcciones, monumentos, jeroglifos y papiros que sobreviven los siglos han llamado la atención de viajeros, arqueólogos, historiadores del arte y el público en general. Si bien las pirámides suelen ser uno de los monumentos más llamativos al referirnos al Antiguo Egipto, objetos menores como amuletos sobreviven a las invasiones griegas y romanas y revelan en si mismas las transformaciones históricas acontecidas en el delta del Nilo. En este curso el estudiante aprenderá a reconocer los diferentes periodos a partir de sus construcciones, esculturas y obras artísticas, abarcando desde el periodo predinástico (5300-3000 AC) hasta el inicio del periodo copto (200-1000 DC), con un especial énfasis en el periodo dinástico (3000- 332 AC). De igual manera, se analizarán los objetos y arquitectura desde su contexto de producción, explorando a los trabajadores y talleres detrás de la elaboración de pirámides, esculturas, pendientes y joyas encontrados en tumbas y unidades domésticas. Finalmente abordaremos los fenómenos de la egiptomanía y el coleccionismo a partir de las exploraciones realizadas durante las ocupaciones británicas y francesas, el descubrimiento de la tumba de Tutankamón y los debates sobre propiedad patrimonial.